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[美] 斯蒂芬·G.雷兹(StevenG.Laitz 著

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出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540477608

商品编码：11564847054

出版时间：2016-08-01

作  者:(美)斯蒂芬·G.雷兹(Steven G.Laitz) 著；孟酋,孟巫娜 译 定  价:168 出 版 社:湖南文艺出版社 出版日期:2016年08月01日 页  数:888 装  帧:精装 ISBN:9787540477608 ●前言
●第1单元调性音乐基础
●第1章音高领域：调性、记谱与音阶
●乐音图表：谱表与谱号
●音高与音级
●音乐空间的划分：音程
●临时符号
●音阶
●等音
●音级数与名称
●特定音阶类型：大调与小调
●大调式音阶
●调号与五度循环圈
●小调式音阶
●小调调号
●关系大调与关系小调
●分析应用：巴赫《第3小提琴帕蒂塔·前奏曲》的调性与等级制
●第2章律动，节奏与节拍
●节奏与时值标记
●节拍
●部分目录

内容简介

《接近音乐理论教程》一开始就全面介绍了基础知识，包括探讨旋律的写作与分析、等级制，以及对位类型。除了自然音与变化半音规程外，调性传统的其它因素也得到了多方面的论述，包括很小的曲式结构（即：动机、乐句、乐段，以及句式）和大型的曲式（二段曲式、三段曲式、回旋曲式，和奏鸣曲式），以及十八世纪与十九世纪调性音乐实践之间的风格差异。
所有的概念都是出现在其常见的音乐语境中，然后立即通过大量的演唱、写作、分析、听曲，以及演奏练习进行强化。这些练习从被动的写作、听曲，和实际操作（如辨识、改错，以及对比）到主动的理解（如非数字低音、旋律的和声配置，以及模句写作），精心设计，拓展这些技能引导学生从认同直到创作。
理论性上来说《接近音乐理论教程》深入浅出，条理清晰。基础乐理、复调、曲式理论等内容以综合的思路在进行呈现。改变了先上基础乐理，然后是和声、复调、曲式，并且都是不同课程的现状，而是把它等
(美)斯蒂芬·G.雷兹(Steven G.Laitz) 著；孟酋,孟巫娜 译 斯蒂芬·雷兹，朱丽亚音乐学院音乐理论与分析系教授、系主任，朱丽亚音乐学院负责课程项目的院长助理。

好的，这是一份不涉及《完全音乐理论教程（第2版）》内容的图书简介，聚焦于其他音乐理论主题，力求详细且自然。 书名：音的织锦：西方音乐和声演变与实践指南 作者：[虚构作者名] 出版社：[虚构出版社名] ISBN：[虚构ISBN] --- 简介：探索和声的宏伟画卷 本书并非一部旨在取代基础乐理入门的教材，而是一部深入剖析西方音乐和声体系的演变脉络、内在逻辑及其在不同历史时期和音乐风格中应用的综合性指南。我们聚焦于和声作为音乐结构基石的角色，追溯其从文艺复兴晚期的复调发展到二十世纪初的色彩和声探索的全过程。 《音的织锦》旨在为已有一定音乐基础的学习者、演奏家、作曲家以及对音乐历史有浓厚兴趣的爱好者，提供一个清晰、系统且富有洞察力的视角，理解和声是如何从一种功能性的工具，逐渐演变成一种富有表现力的艺术语言。 第一部分：和声的源流与奠基（1400-1750） 本部分着眼于西方音乐从古老调式向现代大小调体系过渡的关键时期。我们详细考察了巴洛克时期，特别是巴赫和亨德尔时代，确立的通奏低音实践及其对和声语法的规范化作用。 调式到大小调的转变： 探讨中世纪和文艺复兴调式（如教会调式）如何逐渐被大调与小调体系所取代。分析了三和弦的结构性确定及其在和声进行中的功能性地位。 功能和声的初探： 深入解析主和弦（Tonic）、属和弦（Dominant）和下属和弦（Subdominant）在建立乐曲结构张力与解决中的核心作用。我们不满足于机械地列举和弦，而是探究这些和声功能背后的听觉心理学基础。 对位与和声的交织： 阐述了在巴洛克复调音乐（如赋格）中，和声是如何在严格的对位规则下被“构建”出来的，而非仅仅是垂直堆叠的音响。特别分析了解决导音（Leading Tone）和不协和音（Dissonance）的严格规则及其在赋予音乐动力上的重要性。 第二部分：古典主义的清晰与浪漫主义的扩张（1750-1900） 随着音乐语言的成熟，和声开始在结构清晰度和情感表达之间寻求平衡。 古典时期的句法平衡： 审视海顿、莫扎特和贝多芬如何利用和声的简洁性和对称性来构建宏大的奏鸣曲式。本节重点分析了和声动机构架（Harmonic Rhythm）在塑造乐章节奏感上的关键作用，以及如何通过高明度的和弦进行来引导听众的预期。 浪漫主义的和声探索： 这是一个和声色彩空前丰富化的时代。我们详细考察了舒伯特、肖邦和瓦格纳等人如何通过扩展和弦（如九和弦、十一和弦）、增加半音进行和使用远关系和弦，来拓宽调性的边界，以表达强烈且复杂的内心世界。 和声的“模糊化”倾向： 深入分析了如李斯特和瓦格纳对“功能模糊”的处理。例如，对增六和弦（Augmented Sixth Chords）的频繁和复杂运用，它们作为强力的导向和弦，被用来在看似稳定的调性中制造悬而未决的色彩张力。 第三部分：印象派与二十世纪的分解与重构 进入二十世纪，传统的功能和声体系受到前所未有的挑战，作曲家们开始寻求新的组织声音的法则。 色彩的胜利：德彪西与拉威尔： 探讨印象派音乐如何通过使用平行和弦（Parallel Chords）、调式音阶（Modal Scales）以及对九和弦、十一和弦的自由应用，来营造朦胧、瞬息万变的音响画面。本部分侧重分析这些和弦如何脱离传统的调性功能，而单纯服务于音响的“色彩”需求。 调性瓦解的边缘： 考察了后浪漫主义作曲家（如马勒、理查·施特劳斯）如何将功能和声推向其逻辑极限，以及如何使用极端不协和音和极其频繁的转调来表达精神上的焦虑与宏大。 超越调性的新秩序： 简要介绍阿诺德·勋伯格的十二音体系（Serialism）以及其他非功能性组织声音的方法，不是作为详细的技法讲解，而是作为对传统和声体系终结的回应和历史转折点的梳理。 第四部分：和声在二十世纪音乐风格中的应用实例 本书的最后一部分将理论分析与实际的音乐风格相结合，展示和声语言的灵活性。 爵士和声基础与延伸： 分析了摇摆乐（Swing）和比波普（Bebop）时代和声的特征，特别是ii-V-I进行的变体、延伸音的使用（13th, 11），以及和弦替换（Chord Substitution）在即兴创作中的作用。这部分着重于分析功能和声如何在新的框架下被“改造”和“装饰”。 电影配乐中的情感编码： 探讨现代电影配乐如何借鉴历史和声资源（从巴洛克对位到浪漫主义的抒情性）来精确地服务于视觉叙事，以及如何使用“悬而未决”的和声来制造悬念或悲剧感。 读者定位与学习目标 《音的织锦》假定读者已经熟悉基本的音程、三和弦构成以及节奏概念。本书的目标是： 1. 深化理解： 帮助学习者超越机械地“标记和弦”的能力，深入理解特定和弦在特定历史语境下被选择的原因。 2. 拓宽视野： 促使作曲家和编曲者将和声视为一种可塑的语言材料，而非一套僵硬的规则集。 3. 提升鉴赏力： 使听众能够更清晰地“听见”音乐结构中的和声选择，从而更深层次地欣赏古典、浪漫乃至现代音乐的精妙之处。 通过对这些复杂的和声现象进行细致的梳理与历史的纵向对比，本书旨在揭示西方音乐如何在数百年间，将简单的音高组合编织成一幅幅情感丰富、结构宏伟的听觉织锦。

评分☆☆☆☆☆

我是一名音乐学院的学生，目前正在学习基础的乐理和作曲。说实话，市面上有很多乐理书，但有些过于晦涩难懂，有些又过于浅显，很难找到一本能够同时满足理论深度和实践指导的书。《完全音乐理论教程(第2版)》在这方面做得非常均衡。我尤其欣赏它在讲解曲式分析时，对不同时期、不同风格的作品的案例选择，非常具有代表性，并且分析得十分透彻。从简单的二部曲式、三部曲式，到赋格、奏鸣曲式，它都给出了清晰的结构讲解和不同作曲家在运用这些曲式时的变奏。这对于我理解音乐的宏观结构，以及日后进行创作，都提供了宝贵的指导。书中也提到了很多关于配器和织体的相关知识，虽然不是全书的重点，但这些内容的出现，能让我对如何将理论知识转化为实际的声音有更直观的认识。我曾一度在学习作曲时感到迷茫，不知道如何将脑海中的音乐构思转化为具体的音符，但这本书的章节，特别是关于发展部和尾声的写法，给了我很多实用的思路和方法。

评分☆☆☆☆☆

作为一名资深的古典音乐爱好者，我常常在欣赏音乐时，会有一种“隐隐约约”的感觉，似乎能捕捉到一些音乐的走向，但又无法清晰地言明。直到翻开《完全音乐理论教程(第2版)》，我才恍然大悟，原来我感受到的那些“流动感”、“色彩感”，都有其理论上的根源。《完全音乐理论教程(第2版)》在处理和声部分时，做得尤为出色。它不仅仅是列出各种和弦的组成，更重要的是讲解了和弦与和弦之间的“连接”，以及不同和声色彩所带来的情感效果。我一直对贝多芬的一些作品中的和声处理感到着迷，比如他如何运用转调来制造戏剧性的张力，或者如何用不协和和弦来表达强烈的情感。这本书对此都有深入的解析，让我对这些大师级的作品有了全新的认识。它甚至还涉及到了一些更进阶的和声技巧，比如色彩和弦、半音化和弦等等，这些都为我打开了新的音乐视界。现在，当我再听那些熟悉的乐曲时，我会更加留心和弦的进行，去品味作曲家是如何用声音的语言来讲述故事的，这种“听懂”的感觉，比单纯的“听见”要美妙得多。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前对音乐理论的印象就是一大堆符号和规则，感觉离我玩乐器、创作歌曲这件事有点远。《完全音乐理论教程(第2版)》彻底改变了我这个想法。它让我明白了，那些音程、和弦、调式，其实都是构成音乐语言的“词汇”和“语法”，了解它们，就像学会了如何更清晰地表达自己的音乐想法，或者更深刻地理解别人的音乐。我之前写过一些简单的旋律，总觉得不够“味道”，看完书里关于旋律写作的章节，我才意识到自己错过了多少可能性。书中分析了许多著名作曲家如何运用旋律线条来营造情绪，如何通过节奏的变化来增加音乐的张力，这些都给了我巨大的启发。我开始尝试在自己的创作中运用一些新的和弦进行，并且更加注意旋律的起伏和方向性，虽然还远未成熟，但已经能感受到音乐有了更多层次和生命力。这本书让我觉得，理论学习不再是“为了考试”而学，而是“为了更好地创作”而学，这种内在的驱动力，比任何外部压力都更有效。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对音乐怀有深厚感情但学习时间有限的音乐爱好者，我一直希望找到一本能够快速入门、并且能系统提升音乐理解力的书籍。《完全音乐理论教程(第2版)》绝对是我的不二之选。我尤其喜欢书中将理论知识与实际应用紧密结合的方式。比如，它在介绍和弦构成时，会立刻引申到如何在吉他上弹奏这些和弦，或者如何在钢琴上进行简单的伴奏。这种“学以致用”的设计，极大地激发了我的学习兴趣。我之前尝试过自己改编一些流行歌曲，但总是觉得效果不尽如人意，很多时候是凭感觉在“瞎摸”。这本书关于旋律创作和和声编配的章节，就像是一把钥匙，为我打开了新的大门。它教会我如何运用不同的音程组合来制造情绪，如何通过和弦的替换来丰富音乐色彩，如何让旋律和伴奏更加融洽地结合。最让我惊喜的是，书中还涉及了一些关于音乐情绪表达和风格模仿的技巧，这些都让我觉得，学习音乐理论不再是一件“苦差事”，而是一件充满乐趣和创造力的过程。现在，我能更自信地去尝试改编和创作，并且能感受到自己的音乐在不断进步。

评分☆☆☆☆☆

作为一个热爱音乐、对音乐理论一直充满好奇心但又时常感到一知半解的业余爱好者，我一直渴望找到一本能够系统性地梳理我的知识，并且能让我真正“听懂”音乐的书。最近，我终于遇到了《完全音乐理论教程(第2版)》，虽然我还在慢慢啃读中，但这本书给我带来的启发和学习体验，已经让我跃跃欲试想和大家分享。 这本书不仅仅是一本枯燥的教科书，它更像是一位循循善诱的老师。从最基础的音程、音阶概念讲起，到和弦的构建、转位，再到更复杂的复调、曲式分析，每一个概念的提出都伴随着清晰的解释和生动的例子。我尤其喜欢它在介绍一些抽象理论时，会引用大量经典音乐作品的片段进行剖析，这让我感觉理论不再是空中楼阁，而是与我喜爱的音乐紧密相连。我曾一度被乐理中的各种术语弄得头晕眼花，但这本书的编排方式，将原本庞杂的知识点化繁为简，层层递进，让我能够一步一步地建立起自己的理解框架。例如，在讲解调式时，作者并没有直接罗列各种调式的音程构成，而是先从我们熟悉的自然大调、和声小调入手，再引导我们去探索其他调式的“色彩”，这样的方式让我更容易接受和记忆。而且，书中大量的练习题，让我可以及时巩固所学，检验自己的掌握程度，这种即时反馈机制对我的学习效率提升非常大。