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产品特色

编辑推荐

适读人群 ：设计专业学生，设计师，当代艺术爱好者

▲ 一部不可错过的创意宝典。
▲ 19位当代杰出艺术家与插画家的绘画理念与创作方法。
▲ 7个方法、材料、步骤俱全的理念主题新颖的创作计划。
▲ 适合设计专业的学生和从业者，还有当代艺术的爱好者。

内容简介

　　艺术的进步来源于求新与求异，它被我们称为“创意”。在本书中，19位当代杰出艺术家与插画家以访谈的形式分享了他们独特的绘画理念与创作方法，谈吐间展现出十分可贵的艺术敏锐度与批判性思维，这对于打破既有观念的桎梏、探索绘画的表达自由具有极大的意义。
　　同时，他们还真诚地为学画者提供了7个方法、材料、步骤俱全的创作计划，其中新颖的理念与主题都令人着迷。通过对这些新锐艺术思维的洞察与模仿，你将以一种前所未有的方式触摸世界，从而能创作出脱颖而出的佳作。对于设计专业的学生和从业者，还有当代艺术的爱好者，本书都是一部不可错过的创意宝典。

内页插图

目录

前言/序言

　　凯特·麦克法兰 伦敦客厅 研究员/副馆长
　　本书对绘画的探索和创新模式的发掘，充分展现了作者对绘画的热爱。两位艺术家都是聪明的年轻人，他们对绘画媒介的全部热忱以及他们所付出的一切使得《英国创意素描工作坊》这本书与众不同，备受青睐。杰克·萨瑟恩（Jack米和）nrehtuoS克·迈斯伦（Mick绘在来以年多们他了铸熔里书本这在）nelsaM画基础教学和等级水平教学中积累的经验。它引领读者走进艺术的世界，得以一窥当代最有趣的艺术实践者的工作室以及他们的思想，目的是鼓励艺术实践者们在一系列特定条件下切实地进行试验和创新。《英国创意素描工作坊》丰富而刺激的内容为那些希望探索新绘画方法的人们提供了切实可行的指导。约翰·罗斯金 ②（John指画绘的时当了代取》素要图绘《的写撰年7581）niksuR南，这些绘画指南的目的“是使学生具备用铅笔和水彩灵活绘制速写作品的能力，以便去模仿二流艺术家的一些作品”。《写生画册》是当代艺术家菲奥纳·班纳（Fiona）rennaB正在创作的系列作品，作品表明罗斯金并没有消灭掉此类绘画指南，并且证实了这种创作仍在继续。班纳收集了一些这种类型的指南，用指南中倡导的方式绘制了一个封面，保留里面的空白页，将它们转换成一本速写本。
　　《英国创意素描工作坊》则代表了另外一种颠覆此类指南的方式，新颖而有启发性。其理论和练习相结合的独特模式鼓励读者创作出自己的艺术作品，并帮助他们掌握实现创作目标的方法。我们见证了简洁的方法是如何造就非常恢宏、成功的艺术作品的。该书传递出这样一个信息：绘画是艺术实践多样性的基础。源自主体兴趣和激进观念的创作方法被认为是创作出震撼人心的艺术作品的根本要素。该书与罗斯金的《绘图要素》不同，例如，后者采用的是极为规范的、灌输式的语气（不是通过良好的训练和指导去欣赏透纳（Turner）、丢勒（Dürer）、伦勃朗（Rembrandt）、列奥纳多·达·芬奇（Leonardo）icniVad以及其他画家的艺术作品）。本书所介绍的是当代绘画方法。入选本书的艺术家们注重创作计划，在某些情况下，他们提出的方法等同于绘画技巧。书中所选的艺术家们可以让读者对当代艺术实践有更充分的了解。
　　《英国创意素描工作坊》一开始讨论的是观察和绘画的重要性，从童年开始直到教育过程中的绘画方法和绘画哲学。当包括练习实践在内的创作内容潜移默化地鼓励更多读者投入到绘画活动之中时，读者也逐渐地被吸引到了创作世界之中。这些实践课最初是针对小型工作室、有限的材料和日常生活中常见的对象与主题而设计的。这些方法消除了心理和实践中的障碍，使读者能够利用有限的工具创作出属于自己的作品。几次研讨会也证明了：对绘画基本理论的思考促使学生不断探索和形成自己的理解，这些理解与当代艺术中所包含的各种各样的活动、材料和过程有着密切关系。
　　 《英国创意素描工作坊》介绍了一些重要的艺术实践者的激进观念和画作，具有一定的启发性。大部分艺术家的创作实践都有作品加以支撑和印证，这些作品多是没有公开展示过的。即使是博物馆的藏品，也大多是被搁置在档案箱或抽屉中的，而不是在画廊中进行展出的作品。正如书中所指出的，很多绘画作品的敏感性和关注点并不完全归功于它们的创作者。另外，与艺术家之间的谈话也很有启发性。它们都是日常讨论式的，并不是事先设定的问题。通过阅读这些访谈，我们可以暗自接触到一些激发艺术创作的最具激进性和批判性的观念。他们成长过程中的偶然事件和活动在新鲜、真诚的交流中显露出来。有些似乎是很平常的活动 — 例如科妮莉娅·帕克（Cornelia职的火生年童）rekraP责 — 却为之后的艺术发展打下了基础。我们发现学习和从事绘画的方法多种多样，而且，开放的观念和极简的实验过程可以创作出充实而有力的艺术作品。本书论证了绘画在当代艺术中的重要作用，驳斥了将其作为附属性和边缘性媒介的观点。“绘画是艺术家心灵的窗户”这种老生常谈作为一种对艺术过于简单、片面的解释也通过当代艺术家的创作实践彰显了出来。我们在这本书中可以看到，科妮莉娅·帕克将一系列加工过的材料作为绘画线条，清晰地突显于真实空间之中。她把自己的所有作品进行了分类，包括二维或三维的，就像对绘画的分类那样。杰夫·昆斯（Jeff雕作创来法方画绘的统传较比用运）snooK塑，其雕塑和造型都有一种再创造式的戏剧效果。我们很少能看到反映他如何创作的速写，但这一点并不奇怪。我们发现很多艺术家都会同时对某一种形象很感兴趣，但是他们的表达方式却截然不同。德莱顿·古德温（Dryden种各用常画像肖的）niwdooG各样的线条去勾勒或反复勾勒对象的轮廓和特征。这种过分执着的观察方式似乎是在建构对象的同时又在解构着对象，类似于阿尔贝托·贾柯梅蒂（Alberto里弗埃·斯尔查。品作的）ittemocaiG（Charles其与法方作创其，象想自源全完物人的中作画）yrevA创造的人物之间保持一种亲密关系，完全摒弃观察活动。凯特·阿特金（Kate们它用是不而，素元本基的画绘其为作片相用）niktA构成数量有限的、（她认为）品质较差的快照。弗朗西斯卡·弗特（Franziska从是而，础基作创的要主其为作画绘以不也）retruF日本漫画（Manga）到其他出版物中的插画，将其按照一定比例彻底改变后用于作品创作，徘徊于具象和抽象之间。与之不同的是，马丁·威尔纳（Martin）nosyThtieK（森泰·斯凯和）renliW创作的作品则囊括了我们的自恋文化和我们日常生活中的过量信息。朱莉·马赫瑞图（Julie集汇品作象抽状层的作创）uterheM了不同的具象模式，包括地图和轴测图。威廉·肯特里奇（Wil-liam。向趋治政种某达表来画笔炭的改修复反过通）egdirtneK杰克和迪诺斯·查普曼（Jake、化文了覆颠）nampahCsoniD&政治图标和语言，向自满和顺从发起挑战。文艺复兴盛期的绘画被认为是最重要的学习典范，当时的绘画观念与思想、知识有着密切的联系，因此绘画是一项很受尊重的技能。
　　大英博物馆近期举办的文艺复兴绘画展充分印证了：绘画是一种具有很高的智慧和探索思想的创作，与我们的感觉和知觉有着密切的联系，而不是与之相背离。皮耶罗·德·科西莫（Piero1641的）omisoCed年/1462年的作品融合了真实与幻想的风景元素；安东尼奥·皮萨内洛（Antonio腐具六了绘描）3341约（》C者吊倒《的）ollenasiP烂程度不同的尸体；列奥纳多·达·芬奇的头部肖像细致研究了老年男子的容貌特点。这些艺术家懂得旧图重现 ③ （修改、变化的部分）的重要作用在于它能表现出生动的姿态动作，暗示出某种偶然性因素。尤其是列奥纳多的《最后的晚餐》更加证实了这一方法的有效性。查尔斯·埃弗里（Charles用运法方一这将也）yrevA到了当代艺术实践中。18世纪，随着艺术学院的发展，绘画抛开对生活的观察，注重学习削弱个性与变化来提取理念的技巧。学生们模仿石膏模型和雕塑，力求创造出符合新古典主义风格的理想范式。威廉·布莱克 ④ （William”言谎“种那对反烈强）ekalB和“愚昧”的说法，即“每个人所看到的各不相同”，在每个独立个体的观察过程中，所有的事物都具有全新的特性。半个世纪之后，约翰·罗斯金支持经验主义方法，并且建立了一套体系，所有学习绘画的学生都依照这种方法去发现、学习和了解。20世纪60年代和70年代是绘画史上的繁荣期。从20世纪40年代开始，一股暗流集聚能量，潜滋暗长，绘画媒介摆脱了与外部造型的关系，不再是绘画和雕塑最基础的但却总被忽视的垫脚石。这一时期开始质疑特立独行、曲高和寡的艺术作品的创作动机，挑战学科间的界线，这也为重新评价绘画材料提供了新的契机。正如《英国创意素描工作坊》所宣称的：绘画的很多魔法和力量都体现在活动和呈现过程之中。20世纪六七十年代，艺术的创作过程被认为至关重要，决定着作品的本质。理查德·塞拉（Richard指曾）arreS出，“除了画，没有其他作画的方法”，非常简洁地表达了这一趋势。绘画的重点是活动，即绘画活动本身，而不是活动的结果，塞拉的“绘画是一个动词”就概括了这一点。这股潮流让我们回想起某些艺术家的创作实践，如1949年，罗伯特·劳申伯格（RobertRauschenberg）在人体素描课上背对着模特，在油画上刮刻出一系列神秘的线条和数字，作品命名为《带数字的白色油画》。与此同时，这一时期专注于造型样式的艺术家，如爱德华·鲁沙（Ed-ward灌力活命生。来起合结果效和术技的计设面平将，）ahcsuR注到艺术之中，冲破了“美术”的篱墙，各种绘画方式 — 绘图、速写和书法 — 被认为同样有效，尤其适合再创作。当杰出人才、绘画媒介与激进的观念、行为结合起来之时，绘画与艺术鉴赏力之间的关系就受到了挑战。梅尔·博赫纳（Mel品作的）renhcoB《施工图和其他纸上的视觉物没必要视为艺术》中包括了他同事的报告、注释和速写，经过拍照之后装在文件夹中，放在基座上进行展示。这个作品是对“绘画活动一定关乎艺术家的触觉”这一观念的终极挑衅。
　　20世纪60年代，激进主义的艺术实践最终导致了“科德斯特里姆报告”（Coldstream德莱斯于名得告报该，施实的）tropeR美术学院威廉·科德斯特里姆教授（William国英。）maertsdloC的艺术教育经历了彻底的变革。这些改变从生活空间开始，接着一组当代研究的核心课程被提了出来。这一系列“新艺术史”课程由马克思主义、女性主义、符号学、结构主义和心理分析等理论组成。20世八九十年代，理论被认为与实践同等重要，甚至更为重要，以往被忽略的艺术材料和创作过程也受到了关注。同时解放的还有：从20世纪60年代开始，艺术性学科之间的相互渗透滋养也使那些艺术实践者更加无拘无束。否定与某种特定媒介相关联的语言和规律也导致了一种“任意而为”的艺术创作方法的出现。先锋派的实践在反抗一致性的过程中不断发展壮大。或许到了重拾规则来抵制对抗的时候了？
　　《英国创意素描工作坊》复兴了那些在20世纪50年代被艺术学院和艺术工作室抛弃的绘画术语。通过这本书，我们可以了解色调、线条、轮廓，以及杰克·萨瑟恩和米克·迈斯伦在长期绘画教学中总结出的特殊术语，间接体验试验性的研讨，见证他们所建议的方法的实施过程和结果。可以说，复活的术语和此类练习为艺术家提供了必要的工具，可以充分挖掘出媒介之间的细微差别。不是根据其物理性质去考虑绘画，而是要将绘画视作是艺术家的呈现，其中一系列明晰的规则揭示出了非常复杂的理念。作者提出：“绘画者必须学会用谎言诉说真理。”它揭示了绘画的一个本质特征，在当代艺术实践者中非常流行。绘画的本质表明了其自身的欺骗性，它除了自身（例如用于二维平面的石墨或其他材料）没有其他的意图。无论什么形式的创作，都需要明白这个事实。查尔斯·埃弗里在与杰克·萨瑟恩座谈时曾说：“我将绘画视作是最重要的媒介。”绘画有助于调查和分析，因而不可避免地与真实性和理解力有着密切联系。绘画远离媚惑和夸张，追求真理和诚恳的倾向重新燃起了人们对艺术实践与艺术批评的兴趣。过去，绘画区分为截然相对的两极，但是今天，几乎每一种绘画方法和艺术实践都是有效的。当艺术家再次拥有观察和学习传统绘画技巧的快乐时，罗斯金经验主义的绘画方法也开始复苏。精巧的工艺和辛苦的工作应该受到尊重而不是横加批评。艺术家如吉玛·安德森（GemmaaizhahS（尔德坎西·泽哈沙、）nosrednASikander）等，他们专注细致的艺术实践过程充分展现出了艺术创作过程中的辛苦。《英国创意素描工作坊》表明，令人难忘的、永恒的艺术作品应该建立于实践基础之上，需要巧妙构思，仔细洞察，密切关注创作过程和材料。

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