无师自通学国画：山水云树（第2版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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谭亮 著

图书标签:

• 国画
• 山水画
• 云树画
• 绘画技法
• 艺术入门
• 无师自通
• 绘画教程
• 艺术学习
• 中国画
• 风景画

出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115446657

版次：2

商品编码：12148492

包装：平装

开本：16开

出版时间：2017-02-01

用纸：胶版纸

页数：112

正文语种：中文

编辑推荐

本书颠覆了你对国画难以上手的刻板印象！范例超实用，步骤超细致，jue对适合零基础的读者拿来自学，读者学习以后一定能达到无师自通的效果。这本书更像是身边的一位老师，孜孜不倦地教导学生如何下笔，如何构图，如何克服“国画绝非易事”这样的恐惧心理，书中包含了非常精美的案例，排版方式也十分灵活。书中每个案例的讲解都细致到推荐用笔、用笔技法、调墨和设色技法，并配以图示说明，让你一目了然，即使是零基础的读者也一样学得会！

内容简介

本书是“无师自通学国画”系列中的一本。全书共分为6章，由浅入深地教你如何轻松掌握国画中山水云树的各种绘制技法。书中首先介绍了写意画的基础知识，包括常用工具、如何用笔、调墨和调色的技法；然后分别介绍了山石、树、云与水组合的画法；接着介绍了点景的表现；zui后通过创作的方式让读者加以练习，提升读者的绘画能力。本书是一本国画自学教程，即使你没有绘画基础，也能让你成长为国画高手！
本书内容丰富，语言通俗易懂，实用性强，适合喜欢画山水云树的读者，国画培训班的学生，爱好国画的初、中级读者，同时也可作为各地老年大学的实用教材。

作者简介

谭亮，祖籍山东潍坊， 1981年生于山东新泰，幼时起便与绘画结缘，少年时拜师并系统学习中国画，2006年进入北京画院进修，师从王培东、莫晓松等诸名家。主攻花鸟画，并从写意与工笔两方面有较深入的学习与探索。

目录

第1章　基础入门　
1．1　常用工具
笔
墨
纸
砚
颜料
调水盘
贮水盂
镇纸
1．2　如何用笔
怎样握笔
笔法的运用
线条练习
1．3　调墨技法
五种浓度的墨色
墨色的调和
1．4　调色技法
单色调和
复色调和

第2章　山石的画法
2．1　山石的结构
2．2　山石形态的勾线方法
2．3　基本皴法
斧劈皴
荷叶皴
米点皴
墨块皴
披麻皴1
披麻皴2
雨点皴
云头皴
折带皴
2．4　常见山体的画法
高坡皴
平坡皴
山峰皴
山路的画法
山峦
山脉
山田法
石面皴法
山石的设色技法

第3章　树的画法
3．1　树干的画法
起手式
3．2　树干的画法
横皴法
金钱皴
竖皴法
3．3　树根的画法
3．4　树枝的画法
鹿角枝
蟹爪枝
藤蔓枝
3．5　树叶的画法
点叶法
柏叶点
垂藤点
垂头点
椿叶点
个字点
介字点
混点
菊花点
梅花点
破笔点
鼠足点
小混点
夹叶法
画法1
画法2
画法3
画法4
画法5
画法6
画法7
3．6　常见树的画法
点叶法画树法
松树
杂树
夹叶法画树
极远小树
夹叶梧桐
夹叶杂桐
远树
中景树
3．7　树的组合画法
分形
变形

第4章　云与水的画法
4．1　云的画法
4．2　水的画法
波涛
瀑布
泉水
垂石隐泉法
两叠泉法
流云断泉法
乱石叠泉法
平泉法
悬崖挂泉法

第5章　点景的表现
5．1　房屋
草屋
篱笆
阁楼
瓦房
5．2　桥
木桥
石桥
5．3　船
帆船
渔船
5．4　人物
侧卧
牧童
中年人
二人对话
妇女
三人围坐
三人站立

第6章　创作与提升
6．1　斗方
6．2　立轴--雪景
6．3　扇面
6．4　团扇

笔墨丹青，意境万千：中国山水画的传承与新生 在中国浩瀚的艺术长河中，山水画以其独特的魅力，描绘出人与自然的和谐共生，寄托着文人雅士的情感与哲思。它不仅仅是对自然景物的客观再现，更是心灵对宇宙万象的感悟与升华。从魏晋时期“以形写神”的萌芽，到唐宋时期“泼墨写意”的巅峰，再到元明清时期“文人画”的繁荣，中国山水画一路走来，不仅凝聚了历代画家的心血与智慧，更承载着中华民族深厚的文化底蕴。 山水之魂：天地自然的壮丽与细腻 山水画，顾名思义，是以山、水为主要描绘对象。然而，这“山”与“水”并非简单的地理名词，而是画家眼中充满生命力与精神内涵的宇宙缩影。山，或巍峨耸立，直插云霄，展现着力量与永恒；或连绵起伏，如龙游婉转，诉说着灵动与变化。水，或奔腾咆哮，激起千层浪，彰显着激情与澎湃；或静谧如镜，映照着云影山色，流露出宁静与深邃。 在中国传统哲学中，山水具有重要的象征意义。山，常被视为阳刚、稳定、力量的代表，寓意着坚韧不拔的意志与顶天立地的气概。水，则象征着阴柔、变幻、生命，代表着随遇而安的智慧与生生不息的活力。山水相依，正是天地万物阴阳相济、刚柔并存的完美体现，也是中国传统文化中“天人合一”思想的视觉呈现。 在山水画的创作中，画家们通过对自然景物的观察与提炼，赋予了山水独特的生命。他们并非简单地描摹，而是融入了自己的情感、理解与理想。一棵苍劲的古松，可能寄托着对君子品格的赞美；一弯潺潺的溪流，可能象征着人生道路的蜿蜒曲折；一片云雾缭绕的山峦，则可能表达了对世外桃源的向往。 树石之韵：笔墨线条的生命律动 山水画的骨骼是山石，而树木则为山水注入了灵动与生机。树木的形态千姿百态，或挺拔如盖，遮天蔽日；或疏朗有致，露出天空；或虬枝盘错，历经风霜。它们与山石共同构成了画面的主体，也传递着丰富的意象。 对于树木的描绘，中国画有着一套独特的笔法和造型规律。从枝干的勾勒，到树叶的点染，每一步都蕴含着对自然形态的深刻理解。例如，勾勒枝干时，要表现出其生长趋势和骨力，用笔的粗细、方圆、顿挫，都能传递出树木的质感和生命力。点叶则更为灵活，根据树种的不同，或用圆点，或用介字点，或用松叶点，都各有讲究，力求形神兼备。 山石的刻画同样是中国山水画的精髓所在。皴法，是中国山水画独特的表现技法，通过不同的笔墨线条和墨色变化，来表现山石的纹理、质感和体积感。斧劈皴的刚劲有力，披麻皴的流畅舒展，雨点皴的密集细致，荷叶皴的圆润浑厚，每一种皴法都仿佛赋予了山石以生命，使其在二维的纸面上展现出三维的立体感和丰富的肌理。 树木与山石的结合，构成了山水画最基本的视觉语言。它们相互衬托，相互依存，共同营造出画面的整体氛围。一幅成功的山水画，不仅仅是精美的构图和技巧的展示，更是画家对自然深刻洞察与内心世界的抒发。 云水之意：虚实相生的意境营造 云，是中国山水画中极为重要的元素，它不仅是自然景象的组成部分，更是营造画面意境的关键。云的形态变化万千，或舒卷自如，或浓密堆积，或飘逸轻盈，它能够改变画面的空间感，增添神秘与朦胧的美感。 在中国画中，云的描绘多采用“留白”或“渲染”的手法。通过巧妙地留出空白区域，营造出云雾弥漫的效果，让观者产生无限的遐想。而用淡墨或色彩晕染，则可以表现出云的体积感和光影变化。云的流动性，也为画面带来了动感，使得原本静止的山水变得灵动起来。 水，作为画面的另一重要组成部分，其表现形式同样丰富多样。或激流勇进，展现自然的磅礴力量；或涓涓细流，流淌着生命的韵律；或深邃浩渺，寄托着对宇宙的思索。水的描绘，不仅要表现其形态，更要捕捉其动态和声音，通过笔墨的流动和墨色的变化，让观者仿佛能听到水声，感受到水的温度。 云与水在中国山水画中，往往是虚实相生的关系。云的缥缈与水的灵动相互辉映，共同构成了画面的呼吸与律动。它们的存在，打破了山石的沉闷，为画面注入了生命的气息，也引导着观者的视线，在画面的空间中游走，感受那份超然物外的意境。 传承与创新：古老艺术的时代回响 中国山水画，作为一种古老的艺术形式，其魅力历经千年而不衰。它所蕴含的哲学思想、审美情趣和文化精神，至今仍对我们产生着深刻的影响。然而，艺术的发展离不开创新。在当代，越来越多的艺术家在传承传统的同时，也在积极探索新的表现手法和创作理念。 将现代人的生活体验、情感思考融入山水画的创作，是当代山水画发展的重要方向。如何在保留传统笔墨韵味的基础上，融入新的时代精神，展现出属于这个时代的独特山水意境，是每一位山水画家都需要思考的问题。 从传统山水画的“外师造化，中得心源”，到当代山水画对生活现实的关注，再到对个人情感的真挚表达，山水画的内涵在不断丰富和深化。它依然是我们连接自然、感悟生命、寄托情怀的重要载体，也在以其独特的方式，诉说着中华民族生生不息的文化精神。 总结 中国山水画，是一门关于“意”的艺术。它不仅仅是对自然景物的描摹，更是对自然精神的体悟，对人生哲理的思考。从巍峨的山峦到蜿蜒的溪流，从苍劲的古松到飘逸的云烟，每一笔墨，都饱含着画家的情感与智慧。学习山水画，便是学习一种观照世界的方式，一种与自然对话的语言，一种涤荡心灵的旅程。在这个过程中，我们不仅能提升审美能力，更能从中领悟到人生的哲理，找到内心的宁静与力量。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，《无师自通学国画：山水云树（第2版）》这本书，是近年来我读到的最接地气的国画教程之一。它没有那些高高在上的理论，也没有那些让人望而生畏的术语，而是用非常朴实易懂的语言，将国画的精髓一点点地传递给我们。 我尤其喜欢书中关于“色彩”的运用。虽然国画以水墨为主，但色彩的运用同样至关重要。这本书不仅仅是教我们如何使用颜色，更是教我们如何去“感受”颜色。它会让我们去体会不同季节、不同时间、不同地域的色彩特点，然后将这些感受融入到我们的创作中。比如，秋天的山林，应该是什么样的色彩；雨后的天空，又应该是什么样的色彩。通过这些细致的讲解，我的画面色彩运用不再显得突兀，而是能够更好地烘托主题，营造出更丰富的情感表达。

评分☆☆☆☆☆

哇，拿到这本《无师自通学国画：山水云树（第2版）》的时候，简直像挖到宝藏！我一直对国画的山水云树情有独钟，但苦于没有名师指点，基础薄弱，总觉得望而却步。市面上虽然也有不少教程，但要么过于理论化，要么步骤太跳跃，要么就是画风过于程式化，缺乏灵动感。直到翻开这本书，我才真正感受到“无师自通”的可能。它不是那种枯燥的理论堆砌，也不是生硬的临摹范本，而是像一位经验老道的长者，循循善诱地引导你一步步走进国画的奇妙世界。 我特别喜欢它讲解“山”的部分。不是简单地告诉你怎么勾勒线条，而是从山体的结构、纹理、肌理入手，通过不同笔法的叠加和变化，来表现山石的雄浑、苍劲、秀丽。它用了很多很形象的比喻，比如“披麻皴”就像倾泻而下的瀑布，“斧劈皴”则如同刀劈斧砍的山岩，这些生动的描述让我瞬间就理解了不同皴法的精髓。而且，书里还强调了“气韵生动”的重要性，教我们如何通过墨色的浓淡干湿来营造山体的立体感和空间感，让画面“活”起来。我还学到了如何处理山与山之间的关系，如何运用留白来表现云雾缭绕的效果，让整个画面既有宏大的气势，又不失细腻的韵味。

评分☆☆☆☆☆

收到《无师自通学国画：山水云树（第2版）》这本书后，我几乎是爱不释手。它满足了我对国画学习的诸多期待，并且在很多方面都超出了我的想象。我一直觉得，学习绘画，最重要的是要“眼中有物”，才能“笔下生花”。这本书恰恰在这一点上做得非常出色。 它花了很大的篇幅来讲解如何“观察自然”。不仅仅是让我们去看，更是让我们去“悟”。比如，在讲解山石时，它会让我们去观察不同地理环境下的山体形态，去体会山体经过风雨侵蚀形成的纹理和肌理。在讲解云时，它会让我们去观察不同天气下的云的形态和色彩变化。在讲解树时，它会让我们去体会不同树木在不同季节的生长姿态和韵味。这些观察的指导，让我能够带着更深的理解去创作，而不是仅仅停留在表面模仿。我的画面因此变得更加真实、生动，充满了自然的灵气。

评分☆☆☆☆☆

《无师自通学国画：山水云树（第2版）》这本书，给我的感觉就像是走进了一个国画大师的工作室，虽然大师不在场，但他的智慧和经验却通过这本书淋漓尽致地展现出来。我最喜欢的部分是关于“树”的讲解。以往我学画树，总觉得笔下的树木死板僵硬，缺乏生命力。这本书却从树的不同生长形态、不同季节的特点，以及不同种类树木的象征意义入手，引导我们去理解“树”的本质。 它不仅仅是教你画叶子怎么画，枝干怎么勾勒，而是让你去体会树的“性格”。比如，松树的苍劲挺拔，柳树的婀娜多姿，竹子的挺拔虚心，都通过非常精炼的语言和示范图例，深入人心。我还学会了如何通过树的疏密、大小、朝向来丰富画面层次，如何利用树的枝叶来遮挡或点缀山石，让整个画面更加生动有趣。这本书最棒的地方在于，它鼓励读者去观察和体验，而不是机械地复制。我开始用更敏锐的眼睛去观察身边的每一棵树，去感受它们的美，并将这份感受融入到我的笔下。

评分☆☆☆☆☆

说实话，当初买这本书，最大的吸引点就是“无师自通”这四个字。我一直是个自学能力比较强的人，但国画这种需要功力的事情，如果没有一个清晰的指导方向，很容易走弯路。这本书在这方面做得非常出色。它没有把读者当成完全的“小白”，而是假设你有一些基础，或者至少对绘画有一定的兴趣和耐心。它的讲解逻辑非常清晰，从最基础的笔墨训练开始，到如何观察自然，再到具体的山水云树的画法，层层递进，一点点地构建起读者的绘画知识体系。 我尤其欣赏它在讲解“云”的部分。云的形态千变万化，如何用最少的笔墨表现出云的轻盈、缥缈、厚重，这是很多初学者都会遇到的难题。这本书通过对不同云的形态进行分类讲解，比如“浮云”、“聚云”、“散云”，并针对每一种云的特点，提供了相应的用笔用墨技巧。它强调了“笔随心动”，鼓励我们不要拘泥于死板的描摹，而是要抓住云的“神”。我学到了如何用淡墨和干笔来表现轻柔的云，如何用浓墨和湿笔来表现厚重的云，甚至还学到了如何用“飞白”来表现云的飞动感。这些技巧非常实用，让我能够更自信地去表现各种形态的云。

评分☆☆☆☆☆

在我接触《无师自通学国画：山水云树（第2版）》这本书之前，我曾经尝试过一些其他的国画入门资料，但都感觉“隔靴搔痒”，始终找不到那种“豁然开朗”的感觉。这本书给我带来的，正是这种久违的惊喜。它的内容编排非常合理，循序渐进，让我在学习的过程中，充满了成就感。 我特别喜欢它关于“笔法”的讲解。国画的笔法千变万化，不同的笔触能够表现出不同的形态和质感。这本书不仅仅列举了各种基本的笔法，比如“中锋”、“侧锋”、“藏锋”、“露锋”，更重要的是，它教我们如何根据描绘的对象，选择合适的笔法，以及如何通过笔法的变化来表现物体的形态和精神。比如，在画山石时，如何运用粗犷的笔触来表现岩石的坚毅；在画云时，如何运用轻柔的笔触来表现云的飘逸。这些讲解让我受益匪浅，我的笔墨运用不再显得生涩，而是开始变得更加灵活和有表现力。

评分☆☆☆☆☆

拿到《无师自通学国画：山水云树（第2版）》这本书，我感觉就像是获得了一位默默陪伴的国画导师。它所传递的不仅仅是绘画的技巧，更是一种对艺术的热爱和对生活的热情。 我非常喜欢书中关于“意境营造”的探讨。山水画的魅力，很大程度上在于它能够营造出一种独特的意境，让观者产生联想和共鸣。这本书不仅仅是教授描绘技巧，更重要的是，它引导我们去思考如何通过画面来表达情感。比如，如何通过山峦的起伏来表现人生的跌宕；如何通过云的飘渺来表达内心的宁静；如何通过树的挺拔来展现生命的顽强。这些思考，让我不再满足于画出“像”的东西，而是开始追求画出“有灵魂”的作品。这本书让我深刻地体会到，国画不仅仅是技巧的展示，更是心灵的表达。

评分☆☆☆☆☆

这本书《无师自通学国画：山水云树（第2版）》，不仅仅是一本国画教程，更像是一次与中国传统文化的深度对话。我一直对国画有着浓厚的兴趣，但始终觉得自己在艺术表达上有所欠缺。这本书的出现，极大地弥补了我的不足，让我能够更自信地去创作。 我非常赞赏书中关于“写意”精神的阐释。国画追求“写意”，讲究“以形写神”，用最少的笔墨来捕捉事物的本质。这本书不仅仅是教授绘画技巧，更重要的是，它引导我们去理解“写意”的内涵，去感受山水云树的“气韵”。它通过大量的示范图例和细致的讲解，让我们明白，画山水云树，并不仅仅是机械地描绘外形，更重要的是要表现出大自然的生命力和作者的情感。我学会了如何捕捉山水的磅礴气势，如何描绘云的变幻莫测，如何刻画树木的坚韧生长。这些都让我对国画的理解上升到了一个新的高度。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我都认为国画是一种非常讲究“意境”的艺术，而山水云树更是承载了中国人对自然的理解和情感。然而，如何将这份意境通过笔墨表达出来，却是一门深奥的学问。幸运的是，《无师自通学国画：山水云树（第2版）》这本书，为我打开了一扇新的大门。它并没有直接灌输概念，而是通过非常细腻的讲解，让我逐渐领悟到国画的“神韵”。 我印象最深刻的是关于“墨法”的部分。墨色在中国画中的运用至关重要，不同浓淡干湿的墨色，能够表现出不同的质感、层次和空间。这本书细致地讲解了“焦、浓、淡、干、湿”五种墨法，以及如何将它们巧妙地结合运用，来表现山石的坚硬、云雾的缥缈、树木的葱茏。它还强调了“积墨”、“破墨”等技法，让我在画面表现上有了更多的选择和可能性。通过学习，我不再害怕使用墨色，而是能够更加自信地运用墨色来营造出丰富的画面效果，让我的作品不再是单一的色彩堆砌，而是充满了生命的活力。

评分☆☆☆☆☆

我必须说，《无师自通学国画：山水云树（第2版）》这本书，是近年来我读过的最让我惊喜的国画入门读物。我一直对国画的山水云树有着深厚的情感，但总觉得自己基础太差，难以企及。这本书的出现，完全打消了我的顾虑。它最大的优点在于，它没有把国画描绘成一门高不可攀的绝技，而是将其拆解成一个个易于理解和掌握的步骤。 我特别喜欢书中关于“构图”的讲解。以往我画画，总是凭感觉来，构图常常显得杂乱无章。这本书却系统地介绍了国画构图的基本原则，比如“经营位置”、“虚实相生”、“计白当黑”等等，并结合大量的范例图，详细讲解了如何安排山、水、云、树的位置，如何通过取舍和组织，来营造出疏朗有致、气韵生动的画面。我学到了如何运用“S”形、“Z”形等线条来引导视线，如何通过留白来制造空间感，如何让画面元素相互呼应，形成一个和谐统一的整体。这些构图技巧，不仅仅适用于山水画，对于其他类型的国画学习也具有很强的借鉴意义。