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赖永海，王月清 著，王忠林 官欣欣 编

图书标签:

• 佛教艺术
• 中国艺术史
• 艺术史
• 佛教
• 中国文化
• 宗教艺术
• 雕塑
• 绘画
• 壁画
• 石窟艺术

出版社： 南京大学出版社

ISBN：9787305161476

版次：1

商品编码：12214344

包装：精装

开本：16开

出版时间：2017-05-01

用纸：胶版纸

页数：276

字数：350000

内容简介

本书基于思想文化史和宗教学、艺术学的视野，以断代的方式系统地梳理了中国佛教艺术的发展历史。在时间跨度上，自佛法东传东土之汉魏两晋起，一直到晚清民国，对近两千年来各个时期的典型艺术样式进行风格分析，探讨各个时期*具代表的佛教艺术形式和内容。本书是集体分工合作的产物，主要成员承担完成了《中国佛教通史》的研究任务，在此基础上形成了对中国佛教艺术史的专题研究。

作者简介

赖永海先生，福建漳州人，于1985年获南京大学哲学博士学位，现为南京大学哲学系教授、南京大学博士生导师、南京大学中华文化研究院院长、宗教与文化研究中心主任、旭日佛学研究中心中心主任。江苏宏德文化出版社基金会法人、理事长，鉴真图书馆馆长。

目录

第一章 汉魏两晋时期的中国佛教艺术

第二章 南北朝时期的佛教艺术

第三章 隋唐五代时期的佛教艺术

丝绸之路上的辉煌：一部关于佛教艺术流变与融合的视觉史诗 这部著作并非简单罗列中国佛教艺术的图录，而是一次深入的视觉考古，一场跨越千年的艺术对话。它旨在揭示佛教艺术如何从遥远的异域土壤中汲取养分，在中国这片广袤的土地上生根发芽，最终演化出独具东方神韵的辉煌篇章。我们不仅会审视那些令人惊叹的造像、壁画、雕塑、建筑，更会探究其背后涌动的信仰力量、社会思潮、技术革新以及东西方文明交流碰撞的深远影响。 本书的叙述从佛教传入中国之初的萌芽阶段开始。在汉代，佛教艺术的雏形带着浓厚的异域色彩，受到印度犍陀罗艺术和中亚文化的影响。我们将在文本中细致描绘早期佛教造像的风格特征，如犍陀罗风格的写实主义、希腊化艺术的流畅线条，以及这些风格如何在中国早期的佛教寺庙和陵墓中初露端倪。这些早期的艺术品，虽然可能尚显稚拙，却已播下了中国佛教艺术的种子，预示着一场伟大的艺术变革即将到来。 进入魏晋南北朝时期，佛教艺术迎来了第一个高峰。这一时期，中国本土的哲学思想，如玄学，与外来的佛教教义相互激化，催生了独特的艺术表达。我们将在书中深入剖析龙门石窟、云冈石窟等伟大造像群的艺术特色。以云冈石窟为例，我们将从其早期模仿北魏皇家气象的雄浑壮丽，到中期受江南地区佛教艺术影响的秀骨清像，再到晚期更加世俗化、中国化的趋势，展现出艺术风格的不断演变。书中将详尽分析不同时期造像的面相、衣纹、姿态以及整体造型，探究其背后所承载的宗教思想和审美趣味。同时，本书还将关注佛教艺术与中国传统艺术形式的融合，例如佛教造像如何融入中国传统的“神似”哲学，以及如何借鉴中国山水画的写意精神来表现佛国世界的庄严与宁静。 隋唐是中国历史上一个辉煌的时代，佛教艺术也在这一时期达到了顶峰，呈现出雍容、博大、开放的气象。本书将重点分析唐代佛教艺术的几个重要方面。首先，我们将深入研究唐代高僧玄奘西行取经所带回的梵文本经籍对佛教艺术的影响，特别是密宗佛教艺术的兴起，以及其在造像、坛场布置等方面的独特表现。其次，我们将聚焦唐代佛教寺院建筑的恢弘与精致，如佛光寺、南禅寺等，分析其建筑结构、布局以及雕塑、壁画装饰的艺术成就。唐代壁画，如敦煌莫高窟的唐代壁画，将是我们重点关注的章节。我们将通过对壁画内容、色彩、线条、构图的细致解读，揭示其所反映的佛教故事、供养人形象、世俗生活以及当时社会风貌。书中将特别强调唐代佛教艺术的国际化特征，它不仅吸收了西域、印度艺术的精华，也对朝鲜、日本等周边国家的佛教艺术产生了深远影响。 宋代，随着理学的发展和文人阶层的兴起，佛教艺术呈现出更为内敛、写意、注重精神性的特点。本书将探讨宋代佛教造像如何从唐代的丰腴圆润转向更为清瘦、秀丽，甚至带有文人画的笔墨趣味。我们将研究宋代佛教寺院的“丛林”制度对寺院建筑布局和装饰风格的影响，以及当时流行的“禅宗”思想如何在艺术中得到体现。例如，禅宗山水画中的意境如何渗透到佛教寺院的庭院设计和壁画创作中。书中还将关注宋代佛教雕塑的写实性，以及其在表现人物情感和神态方面的精进。 元明清时期，佛教艺术继续在中国土地上发展演变，呈现出更为多元和融合的态势。本书将分析元代佛教艺术如何受到藏传佛教的影响，以及其在造像、唐卡等方面的独特风格。明清时期，佛教艺术与民间信仰、道教艺术等相互渗透，形成了丰富多彩的艺术现象。我们将研究明清时期寺院建筑的特点，如江南园林式的寺院布局，以及佛教壁画和造像中出现的世俗化、戏剧化趋势。同时，本书也将关注佛教艺术在器物（如瓷器、漆器）上的应用，以及其在建筑构件、装饰纹样中的体现。 除了对不同时期、不同地域佛教艺术风格的梳理和分析，本书还将深入探讨佛教艺术背后的深层原因。我们将考察佛教传入中国后，如何与中国本土的哲学、宗教、政治、社会结构相互作用，催生出独特的艺术形式。例如，佛教的“因果报应”思想如何体现在艺术中，以及“涅槃”的追求如何通过艺术形象来传达。书中还将分析佛教艺术与社会阶层、国家政权、商业经济之间的复杂关系，例如，皇家、贵族、商人的供养如何影响艺术的题材、规模和制作水平。 技术的发展也是本书不可或缺的研究视角。我们将考察不同时期佛教造像所使用的材料（如石材、铜、木、泥）、制作工艺（如雕刻、塑造、彩绘、贴金）以及这些技术进步如何推动艺术风格的革新。例如，对石窟开凿技术的改进，对金属铸造技艺的精进，都为佛教艺术的繁荣奠定了基础。 此外，本书还将关注佛教艺术的传播与交流。除了早期受印度和中亚的影响，我们将探讨中国佛教艺术如何传播到朝鲜、日本、越南等东亚地区，并在当地形成具有地方特色的佛教艺术。这种跨文化的艺术交流，不仅丰富了中国佛教艺术的内涵，也促进了亚洲不同文明之间的相互理解和融合。 本书并非一本枯燥的学术论文集，而是通过对大量精美的艺术品进行细致入微的解读，将抽象的宗教观念转化为可感知的视觉形象。每一尊佛像，每一幅壁画，每一座寺庙，都承载着一段历史，一种信仰，一个时代的精神。我们希望通过这本书，能够带领读者穿越历史的尘埃，近距离地感受中国佛教艺术的博大精深，体会它在中国文化长河中所扮演的重要角色，以及它所散发出的永恒艺术魅力。这本书将是一次引人入胜的视觉之旅，一场关于信仰、艺术与文明的深度探索。

评分☆☆☆☆☆

从阅读体验的角度来看，这本书的节奏把控非常高明。开篇部分，作者用极具文学色彩的笔触勾勒出佛教艺术传入之初的“蛮荒美学”，那种带着异域风情的粗粝感被描绘得淋漓尽致，一下子就抓住了读者的注意力。随着历史的推进，叙事风格也相应地变得更加沉稳和结构化，尤其在论及宋元明清时期文人画对佛教题材的渗透与改造时，语言风格又变得更加内敛和哲学化，开始探讨“空”与“有”在视觉表达上的张力。这种风格的弹性变化，极大地避免了长篇历史著作容易出现的单调乏味感。对我而言，这本书最大的价值在于它提供了一种看待艺术品的方式——不是将它们视为孤立的审美对象，而是看作特定历史时期人们精神需求的物质载体。每读完一个章节，总会有一种强烈的冲动，想要立刻去寻找对应的实物图像来印证书中的论断，它激发了读者内在的求知欲和探索欲，这才是真正优秀的学术普及作品应有的特质。

评分☆☆☆☆☆

我得承认，初次翻开这本厚重的著作时，内心是有些许抗拒的，因为“艺术史”这三个字通常意味着枯燥的断代史和晦涩难懂的理论术语堆砌。然而，这本书的叙事方式却出乎意料地引人入胜，它没有沉溺于僵硬的学院派腔调，反而像是一位经验丰富的导游，带着你沿着时间的长河，信步游览佛教艺术的各个重要站点。作者的笔触极为流畅，叙述逻辑严密，仿佛在构建一个精巧的叙事迷宫，每当你在一个朝代的艺术成就中流连忘返时，他总能适时地抛出一个新的疑问，引导你走向下一个高峰。特别是在论及南北朝时期石窟造像中犍陀罗风格与本土化的冲突与融合时，作者的分析角度十分新颖，不再是简单的“外来影响”论，而是深入探讨了信仰需求如何塑造了本土审美的主体性，这使得整个论述充满了动态的张力，而不是静止的图谱罗列。对于一个非专业背景的爱好者来说，这本书成功地搭建了一座理解复杂历史与艺术概念的桥梁，读起来丝毫不费力，反而让人有种醍醐灌顶的畅快感。

评分☆☆☆☆☆

对于那些热衷于图像细节辨识的资深藏家或研究人员来说，这本书提供了极其宝贵的第一手资料汇编与对比分析。它在对图像进行宏观梳理的同时，并没有忽视那些常常被忽略的“边缘”艺术形式，比如宋代以后的民间木版年画中的佛教元素，或者江南地区小型寺庙中不为人知的泥塑罗汉群像。作者对于不同地域、不同时期，尤其是一些“地方性”佛教流派（如禅宗在不同山头的派系纷争）如何影响了其对应区域的建筑形制与装饰风格的对比研究，做得尤为出色。这种地方性的深入挖掘，远比聚焦于几大石窟的普适性研究来得更为迷人。它迫使我们重新审视“标准范式”的局限性，认识到中国佛教艺术的生命力恰恰在于其无止境的地方变奏和民间创造力。翻阅到后半部分时，我感觉自己像是参与了一场跨越地域的田野调查，对中国佛教艺术的版图有了立体且多维度的理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到震撼的是其深厚的文献功底和广阔的视野。它绝非仅仅是对图像的描述和罗列，更是一部深挖文化根源和思想脉络的史诗。作者似乎对流传下来的所有相关寺志、地方志，乃至历代僧人的传记都有过详尽的考据，使得每一件艺术品的出现都紧密地镶嵌在当时的政治经济和社会文化背景之中。例如，书中对唐代长安地区寺院经济与艺术赞助体系的剖析，揭示了艺术繁荣背后的世俗驱动力，这种从“艺术作品”到“艺术生态系统”的拓展视角，令人耳目一新。我尤其欣赏作者对“图像学”与“符号学”的灵活运用，但又绝不被这些方法论所束缚，他总能从中提炼出最具有人文关怀的部分。阅读过程中，我时常停下来，去查阅作者引用的那些古籍原文，体会到那种严谨治学态度带来的信任感。这不仅仅是一本艺术史，更是一部展现中国文化如何消化、转化、并最终以独特面貌呈现外来宗教影响的深度社会学研究。

评分☆☆☆☆☆

这本书的插图简直是一场视觉盛宴，色彩的运用和构图的精妙，让人仿佛穿越回了那个信仰与艺术交织的时代。特别是那些对壁画细节的还原，纤毫毕现，即便是触摸不到原作，也能感受到颜料的厚重与历史的沉淀。我尤其喜欢其中关于敦煌莫高窟中晚唐时期色彩演变的论述，作者似乎拥有“时间之眼”，能精准捕捉到不同历史阶段审美趣味的微妙转移，从早期的浑厚到后期的写实与世俗化，那种对艺术风格流变的敏锐洞察力，非一般研究者所能企及。那些对造像的面部表情和手势的细致解读，更像是与古人进行了一次跨越千年的对话，每一个微笑、每一个禅定手印背后都蕴含着深厚的哲学意涵。这本书的图版选择极其考究，不仅涵盖了那些耳熟能详的杰作，更发掘了一些鲜为人知、但艺术价值极高的地方志碑刻或小型石窟造像，极大地拓宽了读者对“中国佛教艺术”这一宏大命题的认知边界。装帧设计也十分典雅，纸张的质感与墨色的晕染相得益彰，捧在手中，便知这是一部倾注了作者毕生心血的诚意之作，值得细细品味，反复摩挲。