曲式分析基础教程 第二版 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 音乐理论
• 曲式分析
• 音乐分析
• 音乐教学
• 高等教育
• 音乐学
• 第二版
• 教材
• 音乐结构
• 和声分析

出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040173949

版次：2

商品编码：12298721

包装：平装

出版时间：2006-05-01

页数：302

内容简介

　　本书主要介绍了分析作品曲式的基本知识和方法，内容包括一段、二段、三段、三部、变奏、回旋、奏鸣、回旋奏鸣等曲式，对每种曲式的分析均附有谱例。 与同类书相比，本书具有更强的概括性，通过介绍体现共同规律的曲式结构原则与*基本、*常见的曲式类型，引导读者进行举一反三的分析实践，使读者在较短的时间内能基本把握曲式分析的理论与方法。第二版在第一版基础上着重增补了一定数量的20世纪作品分析例证供学习者开阔视野，同时配有谱例音响，更便于教学使用。 本书适用于高等学校音乐专业本、专科及同等学力和音乐爱好者。

好的，以下是一份图书简介，内容不涉及《曲式分析基础教程 第二版》中的具体知识点，重点放在其他音乐学和理论领域，力求详实、自然： 和声的织体与灵魂：西方音乐结构深度解析 作者： [此处可填写真实作者名，或留空] 出版社： [此处可填写真实出版社名，或留空] 装帧： 精装/平装（具体规格） 定价： [此处可填写真实定价，或留空] 页码/字数预估： 约 800 页 / 50 万字 --- 导言：超越音符的建筑学 自巴赫的对位法光芒万丈，直至二十世纪中叶的十二音体系诞生，西方音乐的演进史，本质上就是一部关于“组织声音”的理论发展史。然而，许多基础音乐理论教材往往将重点聚焦于功能和声的机械操作或古典曲式的模式套用，这使得学习者在面对十八世纪以前的复调杰作，或是十九世纪晚期色彩斑斓的晚期浪漫主义和声时，感到力不从心。他们或许能熟练地解决导向调性的三和弦进行，却无法真正领会皮埃尔·布列兹口中“声音的形态与动态”是如何通过和声的层叠与交织得以实现的。 本书《和声的织体与灵魂：西方音乐结构深度解析》，并非一部传统意义上的“和声学教科书”，而是一部旨在深入挖掘和声在音乐结构中扮演的“空间塑造者”角色的研究专著。我们的目标是将和声从简单的垂直关系提升到横向连接的宏大叙事层面，探讨它如何与旋律、节奏、音色共同编织出音乐的内在肌理。 第一部分：前古典时期的和声语言——复调的深度挖掘 本卷将时间轴回溯至中世纪晚期至巴洛克早期，专注于那些功能和声尚未完全固化之前的复杂声音世界。 第一章：中世纪与文艺复兴的音响空间。 我们将详细考察不同调式（如教会调式）如何构建其独特的张力与解决。重点不在于“调性”，而在于“音高组织”。我们将分析不同音程的组合如何产生特定的听觉效果，如平行五度和八度的历史争议及其在早期音乐中的实际运用。对比格里高利圣咏的单音线条与奥兰多·迪·拉索、帕莱斯特里那作品中严格的声部交织。 第二章：巴赫时代的声部交织艺术。 详尽剖析巴赫作品中的“声部逻辑”。这部分内容将超越一般和声学中对位法的简单介绍，深入探讨“主题展开”与“声部导向”之间的互动。特别是巴赫赋格曲中主题进入时，不同声部之间的“对等性”与“主导性”的微妙平衡。我们将引入“张力曲线分析法”，用以衡量多声部进行中，每一声部线条的独立贡献及其对整体音响结构的影响。探讨巴赫如何利用远关系转调（如在d小调赋格中瞬间转入升g小调的片段）来构建结构上的宏伟感。 第三章：装饰音与即兴的内在结构。 考察巴洛克音乐中，装饰音并非简单的“添花”，而是基于当时和声框架的结构性延伸。通过分析巴赫键盘组曲以及亨德尔的咏叹调，揭示即兴演奏在维持和声骨架完整性方面的规律。 第二部分：功能和声的内在矛盾与张力释放 本卷聚焦于古典主义至浪漫主义早期，探讨功能和声体系的成熟、巅峰及其内部的“不安因子”。 第四章：古典奏鸣曲式的和声驱动力。 深入探讨海顿、莫扎特作品中，呈示部、展开部、再现部之间的核心和声关系。关键在于“主题的移位”与“调性中心的动摇”。我们将特别分析调性关系（如主调与属调的对立）如何被转化为叙事结构，以及“副主和弦”在这一结构中的媒介作用。 第五章：从贝多芬到舒伯特的半音化渗透。 分析半音阶的使用如何逐渐削弱传统调性的稳定性。重点分析贝多芬晚期作品（如后期的弦乐四重奏）中，和弦的“模糊化”处理，以及舒伯特如何通过不协和音的突然引入和长时间的“悬置”来营造情绪的深度。 第六章：李斯特与瓦格纳的“色彩和声”。 这是对传统“解决”观念的颠覆。我们不再视不协和音为必须解决的错误，而是将其视为音响的终极目标。深度分析“三全音和弦”和“变异和弦”在瓦格纳歌剧中的功能，它们如何服务于“导机”的无限延伸，使得音乐的进行不再指向一个确定的终点，而是指向下一个未知的色彩瞬间。 第三部分：十九世纪晚期至二十世纪初的和声革命 本卷将探讨音乐语言如何从内部的矛盾积累走向彻底的重构。 第七章：印象主义的和声“去功能化”。 德彪西、拉威尔作品中的“和声静止”现象。分析增三和弦、变化和弦以及五声音阶的使用，如何使和声脱离传统的主谓宾结构，转而追求对自然光影或特定氛围的模仿。重点在于“平行和弦进行”的结构意义。 第八章：调性的解体与十二音体系的逻辑。 详细审视勋伯格从晚期浪漫主义向无调性过渡的过程，特别是“和声语言的饱和”如何迫使音乐寻找新的组织原则。随后，我们将系统梳理十二音体系的“序列构建原则”，分析其内在的平衡与限制，以及如何在此限制中创造出音乐的丰富性。 第九章：俄罗斯与东欧的和声图景。 考察民族主义音乐家（如穆索尔斯基、雅纳切克）如何从民间音乐和东正教音乐中汲取灵感，构建出不同于德奥传统的和声系统，例如对纯四度和纯五度和弦的偏爱，以及其独特的“模进”手法。 结语：和声的未来与聆听的拓展 本书旨在提供一个多层次、跨时段的分析框架，帮助学习者跳出单一的“功能和声”视角，以更宏大的结构意识去理解西方音乐的演变。掌握这些知识，听众将能更深刻地体会到，从一首中世纪经文歌到一首勋伯格的室内乐，声音是如何始终遵循着其内在的、虽然不断变化但又无比严谨的组织逻辑。这不仅是对历史的梳理，更是对当代创作理念的深层启发。 本书适合所有致力于深入研究音乐理论、和声史、作曲技法，以及渴望提升对复杂音乐作品分析能力的音乐专业学生、研究人员和资深音乐爱好者阅读。

评分☆☆☆☆☆

作为一个音乐爱好者，我一直对古典音乐的宏伟结构感到着迷，但却苦于找不到合适的工具去深入理解。市面上很多音乐赏析类的书籍，更多的是侧重于情感的表达和历史背景的介绍，对于“为什么”这样的结构是这样形成的，却鲜有详细的解答。偶然间听朋友推荐了《曲式分析基础教程 第二版》，抱着试试看的心态入手了。拿到书后，我发现它完全超出了我的预期。作者的讲解方式非常严谨，但又充满了条理性和逻辑性，丝毫不会让人感到枯燥。他并没有直接抛出复杂的理论，而是从最基本的音乐元素入手，比如旋律的走向、节奏的组织、和声的进行，如何共同构建出一个个有意义的音乐片段。然后，再逐步引入各种曲式，例如单乐章奏鸣曲式的不同部分，赋格的严谨对位，以及自由曲式的灵活性。书中的例子都选取了经典的曲目，并且进行了详细的图示分析，让人能够对照着乐谱和文字，一步步地“看懂”音乐的建筑。我已经迫不及待地想把书中介绍的方法应用到我喜欢的那些交响乐和奏鸣曲中，去感受作曲家是如何精妙地运用这些曲式来表达思想和情感的。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我已经很久没有遇到过一本让我如此沉浸的书了。《曲式分析基础教程 第二版》这本书，简直是一本打开音乐世界大门的钥匙。我一直以为自己是个对音乐很“外行”的人，只会跟着旋律哼哼，对于乐曲的结构、发展，完全没有概念。这本书就像一位耐心的老师，从最基础的乐句、乐段开始，一步步地引导我认识音乐的“骨架”。我特别喜欢它里面那些细致入微的分析，不是简单地罗列术语，而是深入到每一个小节，每一个动机，都解释得清清楚楚。我以前听一些奏鸣曲，觉得它们都很长，不知道为什么会这样发展，现在看了这本书，我终于明白了，原来作曲家是这样一步步地构建他们的音乐世界的，每一个主题的出现，每一次转调，都有其精妙的设计。我迫不及待地想把书里的方法应用到我喜欢的巴赫、莫扎特、贝多芬的作品中，去重新发现它们的魅力。这本书让我感觉，音乐不再是遥不可及的艺术，而是可以被理解、被欣赏的精彩结构。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我是一名音乐专业的学生，之前在学习曲式分析时，总是感觉有些吃力，特别是对于一些复杂的曲式，比如奏鸣曲式的展开部和再现部之间的处理，以及回旋曲式的多主题交织，总觉得难以把握其精髓。偶然翻到《曲式分析基础教程 第二版》，简直是如获至宝。这本书的编排非常清晰，逻辑性极强。作者并没有回避一些比较困难的理论，而是用一种非常系统化的方式进行了阐释。例如，在讲解奏鸣曲式时，他不仅详细分析了呈示部、展开部、再现部的主题划分、调性变化以及动机的发展，还对不同历史时期奏鸣曲式的演变进行了梳理，这对于我理解其内在发展脉络非常有帮助。而且，书中提供的例证非常丰富，涵盖了不同时期、不同风格的代表作品，并配有详细的谱例分析，让我能够清晰地看到理论是如何在实际音乐创作中体现的。这本书让我对曲式分析的理解，从“知其然”上升到了“知其所以然”的境界，极大地提升了我学习的信心和效率。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就吸引了我，一种沉静而专业的蓝色基调，搭配简洁明了的书名，让人一眼就能感受到它是一本严肃学术著作。拿到手沉甸甸的，厚实的纸张和精美的印刷质量，即便只是翻阅，也能感受到作者和出版社的用心。我之前接触过一些音乐理论的书籍，很多都充斥着晦涩难懂的术语和过于理论化的论述，读起来总是提不起兴致。而这本《曲式分析基础教程 第二版》，光是目录就让我眼前一亮，它将抽象的概念分解得井井有条，从最基础的乐句、乐段划分，到越来越复杂的奏鸣曲式、回旋曲式，循序渐进，仿佛一位循循善诱的老师，一步步引导读者进入音乐的结构世界。特别是其中一些插图和图表的运用，更是直观地展示了乐曲的骨架，让人豁然开朗。我迫不及待地想开始我的学习之旅，相信这本书能为我打开一扇理解音乐深层奥秘的窗户。

评分☆☆☆☆☆

我之前对音乐曲式分析一直停留在模糊的概念阶段，总觉得它是一门高深莫测的学问，难以入门。直到我读了《曲式分析基础教程 第二版》，才真正体会到曲式分析的魅力所在。这本书的语言非常生动有趣，作者仿佛一位经验丰富的向导，带着我们穿越音乐的迷宫。他用通俗易懂的比喻，将抽象的曲式概念解释得栩栩如生。比如，他将乐句比作人的呼吸，将乐段比作一个完整的句子，然后层层递进，直到宏大的奏鸣曲式，就如同一个精巧的建筑。书中对经典的音乐作品进行了深入浅出的分析，让我能够跟随作者的指引，去发现那些隐藏在音乐背后的逻辑和规律。每次读完一段，我都会忍不住去寻找相应的音乐来听，那种“原来如此”的恍然大悟的感觉，真的非常美妙。这本书不仅教会了我如何分析音乐，更重要的是，它让我对音乐的欣赏水平有了质的飞跃，让我能够从更深层次去理解和品味音乐的伟大。