正版中国音乐学院-基本乐科考级教程(3-4) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 华夏共赢图书专营店

出版社： 中国青年

ISBN：9787500658726

商品编码：13188759187

品牌：艾帛利（Abooly）

丛书名： 中国音乐学院-基本乐科考级教程3-4最新

开本：16开

《西方音乐史纲：从古至今的旋律演变》 一部跨越时空的音乐史诗，深入剖析西方音乐体系的起源、发展与辉煌成就。 书籍定位： 本书并非针对特定乐器演奏技巧或考级标准的实用手册，而是一部全面、深入的西方音乐思想与艺术史的权威著作。它旨在为音乐爱好者、理论学习者、艺术史研究者以及所有对人类声音艺术发展历程感兴趣的读者，提供一个清晰、详实的知识框架。 --- 第一部分：源起与奠基（古代至中世纪） 本书的开篇将带领读者回到音乐的蛮荒时代，探寻西方音乐思想的萌芽。我们不会探讨近现代的考级曲目或技巧练习，而是聚焦于音乐如何在宗教、哲学和社会结构中被塑造。 第一章：前奏——音乐在古代文明中的角色 古希腊的音律哲学： 深入探讨毕达哥拉斯对音程的数学发现，以及柏拉图和亚里士多德如何将音乐视为宇宙和谐（Harmonia Mundi）的体现。重点分析“七调”的理论基础，这些基础构成了西方记谱法的先驱。 古罗马时期的实践与遗存： 考察音乐在公共庆典和军事活动中的应用，以及早期记谱尝试的局限性。 第二章：教廷之声——格里高利圣咏的诞生与规范化 单音音乐的黄金时代： 详细介绍格里高利圣咏（Gregorian Chant）的结构、文本和礼仪背景。这部分内容着重于“宣叙调”、“自由节奏”和“调式”的纯粹应用，而非后来的大小调体系。 早期记谱法的艰难起步： 考察纽姆记谱法（Neumes）如何从仅仅提示旋律走向开始记录音高，这是音乐史上的一个关键转折点，但与现代的五线谱系统仍有显著区别。 第三章：多声部的黎明——从奥尔加农到经文歌 平行声部的创新： 分析最早的多声部形式——奥尔加农（Organum）在圣加卢斯和圣马可大教堂的发展，重点关注早期声部之间对位关系的朴素性。 巴黎乐派的理性主义： 深入探讨列奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）如何通过“有节奏的奥尔加农”引入严格的节拍概念，这是音乐从自由节奏向固定节拍过渡的决定性一步。 世俗音乐的崛起： 介绍游吟诗人（Troubadours）和游吟歌者（Trouvères）的“叙事诗”和“抒情歌曲”，他们使用的世俗调式与宗教音乐形成对比。 --- 第二部分：文艺复兴与巴洛克——结构与情感的交织 本阶段，我们将见证记谱法、和声体系的飞速发展，以及音乐如何从教堂和宫廷走向更广阔的社会舞台。 第四章：文艺复兴的和声革命（约1400-1600） 弗兰德学派的精湛对位： 聚焦于若斯坎·德普雷（Josquin des Prez）的复调杰作，分析其“模仿手法”的成熟运用，以及如何实现文本与音乐的完美契合。 弥撒曲与经文歌的繁荣： 阐述帕莱斯特里纳（Palestrina）如何通过特伦特会议后的改革，确立了纯净、平衡的“纯净对位”风格，为后世的和声奠定了基础。 音乐印刷术的影响： 探讨彼得鲁奇（Ottaviano Petrucci）的印刷术如何使得乐谱得以大规模传播，极大地促进了音乐风格的统一与扩散。 第五章：巴洛克时期——激情、戏剧与数字的艺术（约1600-1750） 歌剧的诞生与发展： 详细解析佛罗伦萨的“卡梅拉塔”组织如何试图复兴古希腊戏剧，从而催生了歌剧（Opera）。重点分析蒙特威尔第（Monteverdi）如何运用“第二实践”来表达强烈情感。 风格的确定： 分析巴洛克时期如何确立了主调音乐（Tonal Music）体系，即大小调的统治地位，并确立了“数字低音”（Basso Continuo）这一核心伴奏技法。 体裁的成熟： 深入探究协奏曲（Concerto Grosso）、奏鸣曲（Sonata）和清唱剧（Oratorio）的结构范式，例如维瓦尔第的协奏曲写作模式。 第六章：巴赫的巅峰与时代的终结 对位法的集大成者： 全面剖析约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的《平均律钢琴曲集》对十二平均律的系统性探索，以及《赋格的艺术》所展现的对位逻辑的极致深度。这部分侧重于音乐的结构逻辑而非演奏技巧。 韩德尔与宏大叙事： 分析韩德尔（Handel）的清唱剧如何将戏剧张力与大型合唱场面结合，例如《弥赛亚》中的“哈利路亚”段落，展现了早期管弦乐配器的力量。 --- 第三部分：古典主义与浪漫主义——清晰、情感与个人表达 本部分将探讨音乐如何从复杂的对位转向清晰的结构，再到对个人内心世界的无限制探索。 第七章：古典主义的理性与典雅（约1750-1820） 奏鸣曲式的确立： 重点解析奏鸣曲式（Sonata Form）——呈示部、发展部、再现部的三段式逻辑，这是海顿、莫扎特和贝多芬确立的音乐建筑蓝图。 交响曲的辉煌： 分析交响曲如何成为这一时代最重要的音乐体裁，及其四乐章结构（快-慢-小步舞曲/谐谑曲-快）的规范化。 莫扎特的纯粹平衡： 探讨莫扎特作品中旋律的完美比例和清晰的织体，这是对巴洛克复杂性的回应。 第八章：贝多芬的桥梁作用与浪漫主义的序曲 英雄的意志： 分析贝多芬如何通过扩大奏鸣曲式的规模、引入更强烈的戏剧冲突，并将个人意志注入音乐，从而打破了古典主义的界限。 舒伯特与艺术歌曲（Lied）： 探讨舒伯特如何将诗歌与钢琴伴奏提升到与主旋律同等重要的地位，开启了音乐对文学和内心世界的深度关注。 第九章：浪漫主义的狂热与个性化表达（19世纪） 标题音乐的兴起： 介绍李斯特的“交响诗”概念，音乐不再仅为抽象结构服务，而是开始描绘具体的故事、风景或情感状态。 大型歌剧与民族主义： 考察瓦格纳（Wagner）的“主导动机”和“未完成旋律”，以及威尔第（Verdi）在意大利歌剧中对人道主义主题的关注，以及斯美塔那和德沃夏克如何将本民族的民间音乐元素融入高雅艺术。 钢琴的独奏世界： 分析肖邦如何将钢琴的特性发挥到极致，创造出夜曲、叙事曲等高度个人化的体裁，专注于细腻的情感表达。 --- 第四部分：二十世纪至今——风格的解构与重塑 本书的最后部分，将处理音乐如何面对工业革命、两次世界大战以及技术进步带来的冲击，导致风格的空前多元化。 第十章：印象主义与表现主义的色彩探索 德彪西的听觉景观： 分析德彪西如何打破传统和声的束缚，运用全音阶、五声音阶和模糊的节奏，营造出“印象派”的氛围感。 勋伯格的十二音体系： 详细介绍勋伯格如何为了应对瓦格纳以来调性体系的“瓦解”，而创立的十二音列（Serialism）技法，这是一种全新的组织音乐材料的方式，彻底脱离了传统调性。 第十一章：新古典主义与对传统的反思 斯特拉文斯基的回归： 探讨斯特拉文斯基在《彼得鲁什卡》和《春之祭》之后，如何转向对巴赫和莫扎特形式的借鉴，追求清晰、客观的音乐语言。 第十二章：后二战时期的实验与电子的介入 先锋派的探索： 介绍布列兹（Boulez）的“全面序列化”，以及对偶然性音乐（Aleatoric Music，如约翰·凯奇的作品）的探讨，挑战了“作曲家即绝对控制者”的传统观念。 电子音乐的诞生： 概述电子合成器和磁带音乐如何拓宽了声音的定义，探讨斯托克豪森等人在声音景观构建上的贡献。 --- 总结与展望： 本书的价值在于提供了一个宏观的、批判性的视角，审视西方音乐是如何一步步从宗教仪式中的单一旋律，演变为一个充满数学逻辑、情感张力、结构严谨与无限制实验的复杂艺术体系。它不涉及具体的练习曲目、音阶的指法或考级的评分标准，而是致力于理解“音乐是什么”以及“它如何成为今天的样子”。它是一部理论深度与人文关怀并重的音乐思想史读本。

评分☆☆☆☆☆

我一直对音乐的理论部分深感兴趣，尤其是在学习了基础的乐器演奏后，总觉得需要系统地补充乐理知识。这本书的内容编排，我个人觉得在深度和广度上都做得恰到好处。它不仅仅是简单地罗列知识点，而是通过丰富的示例和循序渐进的讲解，帮助读者真正理解音乐的构成要素。特别是关于和声和对位的部分，很多时候光看书本上的定义会觉得抽象，但这本书里提供了很多不同风格、不同时期的音乐片段作为范例，并对其进行详细的分析，这种“以乐说理”的方式，极大地提升了学习效率。我曾尝试过一些其他的乐理书籍，但很多都过于学术化，或者内容过于陈旧，这本书则显得更加贴近现代的教学需求，也更加关注实际应用。即使是那些相对复杂的概念，通过作者的讲解，也变得通俗易懂，这让我觉得这本书非常有价值，它不仅能帮助我通过考试，更能真正提升我的音乐素养。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的装帧设计我相当喜欢，封面色调沉稳而不失活泼，字体清晰易读，书脊的烫金工艺也显得很有质感。打开书页，纸张的触感也很好，不是那种廉价的道林纸，印刷清晰度非常高，图片和谱例都非常规整，没有任何模糊不清的地方，这一点对于音乐学习者来说非常重要，直接影响到识谱和理解的准确性。整体而言，从拿到书的那一刻起，就能感受到它是一本用心制作的图书。我特别注意到教材的排版布局，逻辑清晰，循序渐进，每个章节的划分都非常合理，不会让人觉得一下子涌入太多信息而感到不知所措。即使是零基础的初学者，也能在翻阅的过程中感受到一种引导的力量，仿佛作者就在身边一步一步地教导。我个人比较喜欢的是其中一些插图的处理，虽然是音乐教程，但一些理论概念的图解却做得生动有趣，比如对节奏的解释，采用了形象的比喻，让枯燥的知识点变得易于理解和记忆。总的来说，这本书给我的第一印象非常棒，是一种对知识的尊重和对读者的关怀。

评分☆☆☆☆☆

我是一位音乐教育者，在选择教材时，我总是非常谨慎，既要考虑学生们的接受程度，也要保证知识的系统性和科学性。这本书在教学法方面给我留下了深刻的印象。它没有采用传统的“填鸭式”教学，而是更注重引导学生主动思考和发现。比如，在讲解一些基础的音乐术语时，书中会设置一些小练习，让学生在实际操作中去体会这些术语的含义，而不是死记硬背。另外，书中对不同乐器演奏特点的考量也做得非常细致，某些章节的编排明显考虑到了不同乐器演奏者在理解和掌握某些概念时的差异，并提供了相应的指导，这对于我们在课堂上进行分层教学非常有帮助。我还注意到，书中很多练习题的设计都非常巧妙，既能巩固基础知识，又能激发学生的创造力。总而言之，作为一本考级教程，它在教学理念和方法上的创新，确实值得称赞。

评分☆☆☆☆☆

我是一位音乐爱好者，平时喜欢自己摸索一些乐器，但总觉得缺乏系统性的指导。这次选择这本书，主要是希望能够在一个相对权威的框架下，巩固和提升我的音乐基础。这本书的内容，我觉得非常适合像我这样的业余爱好者。它没有像一些专业教材那样艰深晦涩，但又不失严谨性。学习过程中，我特别喜欢书中对音乐审美层面的引导，它不仅仅教你“怎么做”，更引导你“为什么这么做”，让你在理解知识点的同时，也能感受到音乐的美感。比如，在讲解旋律发展时，书中会引用很多经典乐曲的片段，并分析其旋律线条的优美之处，这让我觉得音乐学习是一件充满乐趣的事情。而且，书中提供的练习，难度适中，既不会让我望而却步，又能让我感受到学习的进步，这对于保持学习的积极性非常重要。

评分☆☆☆☆☆

我是一名对中国传统音乐文化非常着迷的学习者，一直渴望能更深入地了解其理论体系。这本书在这一点上给了我很大的惊喜。它在介绍西方基础乐科的同时，也巧妙地融入了中国音乐的特色，尤其是在对中国传统调式、民族乐器音响特点的阐释上，做得非常到位。我一直觉得，很多时候我们学习音乐，如果仅仅局限于西方音乐体系，会错过很多宝贵的东西。这本书的出现，就像一座桥梁，连接了中西方音乐的理论，让我在学习基础乐理的同时，也能感受到中国音乐的独特魅力。书中对一些中国传统乐器的音色、演奏技巧的介绍，也让我受益匪浅，这对于我日后在演奏和创作中融入民族元素非常有启发。可以说，这本书不仅仅是一本考级教材，更是我对中国音乐文化的一次深度探索。