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金忠元 著，蔡孟書 译

图书标签:

• 水彩
• 绘画
• 艺术
• 教程
• 大师
• 零基础
• 入门
• 手绘
• 绘画技巧
• 色彩

出版社： 高寶國際

ISBN：9789861858418

商品编码：16060740

包装：平裝

出版时间：2013-02-01

用纸：胶版纸

页数：96

正文语种：繁體中文

内容简介

　　只要12色，就能变化出无限色彩，画画从此不再怕失败，掌握基础要领，想怎么画就怎么画！即使从来没有画过水彩画，觉得自己总是画不好，都没关系！打破传统观念，回归孩童时期非正规美术教育的绘画，删除「水彩画很难」的记忆，从模仿开始，不论人物、静物、风景，大胆尝试放心去画，就能创造属于自己最独特的画法！
　　★蟬連4年韓國暢銷排行榜！狂銷破400,000本！
　　★「韓國代表美術老師」金忠元暢銷系列作！
　　★隨書附贈水彩畫練習本，跟著大師這樣練習，立刻就上手！
　　只要12色，就能變化出無限色彩，
　　畫畫從此不再怕失敗，掌握基礎要領，想怎　畫就怎　畫！
　　即使從來沒有畫過水彩畫，覺得自己總是畫不好，都沒關係！
　　打破傳統觀念，回歸孩童時期非正規美術教育的繪畫，刪除「水彩畫很難」的記憶，
　　從模仿開始，不論人物、靜物、風景，大膽嘗試放心去畫，就能創造屬於自己最獨特的畫法！
　　掌握4技巧，初學者就能畫出好水彩！
　　**下筆前選定想要的主色調
　　明亮的調性與暗沉的調性、強烈的調性與柔和的調性、暖色調性與冷色調性等，對於對比調性的概念一定要有充足的了解。
　　但是對於初學者來說，從頭到尾維持一定的調性，是一件很困難的事情。原本一開始決定用如同蠟筆作畫般華麗的調性作畫，但出現的結果是暗沉黑白調性的風格，這樣的情形也很多。維持同一種調性的最好方法，就是選擇一種作為創造整幅圖畫印象的顏色當作主色，並且選擇兩三種適合與主色搭配的顏色作為輔助色，這就是防止因為其他顏色而干擾思考的最佳方法。
　　**調和三種顏色就能創造多種變化
　　如果說，把畫在紙上的每一種顏色都分別比喻成一種樂器，那　完成的圖畫就可以稱得上是一組交響樂團了。就像是把各種有不同風格特色的樂器完美組合在一起，演奏出美妙的曲子，在每一筆筆觸裡，也沾染出不同特色的色調。
　　但若是混色混了太多種顏色，會大大降低整幅畫面的彩度，也會給人昏沉沉的感覺，因此要格外的注意。除了在表現特別暗沉的部分或是有特定目的的時候，混色以取兩三種顏色來調和，就已經很足夠。
　　**畫紙留白是大師級的成功祕訣
　　透明水彩畫的技巧是在非白色或非明亮顏色的畫紙上就沒辦法展現，而且就算是對所謂的「白色」沒有任何一點概念，也可以在透明水彩畫裡面看到白色。這　說是因為如果用白色顏料作畫，那已經是從透明水彩畫階段，跨越到不透明水彩畫階段了。
　　如果所畫的目標物是白色，畫畫時就要想成除了一小部分的影子之外，其他剩餘部分就是已經上好顏色了。畫紙上的白色部分也可說是表現圖畫空間感的重要元素，我習慣在畫面中的某一塊區域不塗上任何顏色，這樣所空出來的留白區域，是只有透明水彩畫才有辦法顯現出來的清爽感和給予觀者視角上的樂趣。
　　**在完成90％的階段停筆最完美
　　初學者最大的煩惱之一，就是無法決定在何時停筆完成這幅畫。
　　在一幅畫裡，通常都有主角跟配角，配角的作用就是突顯並烘托主角，所以要描繪得越單純越好。如同「過猶不及」這句話，當你覺得哪裡好像還不夠好，還差那　一點點，這時候應該就是把筆放下才是最明智的做法。
　　當你覺得畫面哪裡好像有點不順、不夠好，我知道要忍著不去動它，是很難過的一件事，不如把這部分想成是每個人都有自己的獨特風格，然後將心思放空，不再去想改變它，這也是繪畫實力的一種境界。 作者簡介 金忠元
　　韓國知名權威美術老師，出版過六十多本美術教材，同時也是位插畫家。他以非凡的熱情與好奇心，期許自己能夠永遠是一位勇於挑戰新嘗試的設計師。
　　大學及研究所皆畢業於首爾大學美術系，在電視、廣告、出版以及品牌顧問等，有著多領域的工作經歷。目前則於明知專科大學傳播設計學系(communication Design)擔任教授，對於提攜後進不遺餘力。

前言/序言

《印象的色彩：现代水彩的探索与实践》 一、本书概览：超越模仿，探寻水彩的无限可能 本书《印象的色彩：现代水彩的探索与实践》并非聚焦于速成的“技巧速递”，而是深入引导读者理解水彩媒介的本质特性，并在此基础上构建个人的视觉语言。我们相信，真正的水彩艺术，源于对光影、色彩与水分之间微妙关系的深刻洞察，以及艺术家内心感受的自由表达。 本书的结构设计旨在引导读者完成一次从基础认知到高级创作的系统性旅程。它摒弃了传统教程中繁琐的步骤拆解，转而强调创作思路的建立和对水彩“偶然性”的驾驭。我们聚焦于如何将观察到的世界，转化为富有情感和生命力的水彩作品。全书涵盖了从颜料选择、纸张特性理解，到复杂光影结构的捕捉，以及如何运用独特的个人笔触完成一幅完整的作品。 二、理论基石：理解水彩的“呼吸” 水彩画的魅力，在于其透明性与渗透性。本书首先用大量的篇幅来解析这些基础要素如何影响最终效果。 1. 颜料的“性格”与调配哲学： 我们将详细剖析不同品牌、不同系列（如原生矿物颜料、现代合成颜料）的化学特性，重点讲解它们在湿润纸面上的扩散速度、沉淀方式和混色效果。我们不提供固定的调色盘，而是教授“色彩的对话”——如何通过预先在调色盘上或纸面上观察颜料的反应，来预测湿接（Wet-on-Wet）或湿叠加（Wet-on-Dry）时的真实效果。书中提供了多组关于色彩关系（对比色、邻近色、三原色组合的微妙变化）的实验案例，帮助读者建立对色彩的直觉判断力。 2. 纸张的选择与“吸水性”控制： 纸张是水彩画的另一半生命。本书详尽对比了冷压、热压以及粗纹、中纹纸张在吸水率、纹理感和色彩饱和度上的差异。更重要的是，我们探讨了“润湿”的艺术——如何精确控制纸张的含水量（从毛巾吸干到完全浸润），这是实现流淌、晕染和控制边缘的关键所在。 3. 水分的掌控艺术： 水是水彩画的灵魂。书中通过慢镜头解析和高分辨率图解，展示了不同工具（大号排笔、硬毛笔、洗笔刷）在处理不同水量时对笔触的影响。我们引入了“水分平衡图谱”，帮助读者识别画面中水分过剩、水分恰当时以及水分不足时的视觉特征，从而实现对湿度的精准控制。 三、技法升级：超越基础的表达手段 本书的技法部分，着重于如何将技术转化为表达工具，而非僵硬的模板。我们倡导“技法为意图服务”。 1. 光影的构建与氛围营造： 传统教程常教导“留白”，而本书则聚焦于“如何控制暗部”来突出光线。我们深入分析了不同时间段（清晨、正午、黄昏）光线的色温和角度变化，并展示了如何使用多层透明叠加来构建富有深度的阴影，而非简单地用深色颜料涂抹。特别探讨了“反光”和“环境色”在水彩中的处理手法，使画面更具真实感和空间感。 2. 纹理的创造与物象的暗示： 纹理是水彩的标志性特征之一。书中介绍了一系列非传统工具和材料的应用，如盐、酒精、保鲜膜、刮刀等，来诱导颜料产生意想不到的纹理效果。重点在于，如何有选择地使用这些“意外”，将它们引导成对特定材质（如粗糙的岩石、湿润的叶片、模糊的雾气）的有效暗示，避免画面变得杂乱无章。 3. 动态的线条与笔触的叙事性： 水彩的线条不应是僵硬的轮廓，而应是动态的记录。我们探讨了如何利用笔尖、笔腹甚至笔柄的侧面，在不同湿度下快速捕捉物体形态。尤其侧重于如何通过快速、果断的笔触来表现运动感和生命力，这是静物写生中注入活力的关键。 四、实践深化：从观察到创作的转化 本书的后半部分，完全围绕着实际创作流程展开，涵盖了多元化的主题探索。 1. 场景的简化与取舍（构图的内在逻辑）： 优秀的风景画不是对景物的全盘照搬，而是对信息的有效筛选。我们提供了一套“视觉信息层级分析法”，指导读者如何根据主次关系、焦点引导和视觉动线来设计画面布局。书中展示了如何使用几何结构来组织复杂的自然场景，确保画面的稳定性和视觉冲击力。 2. 人物与动态的速写捕捉： 针对人物和动物题材，本书强调“动态瞬间”的捕捉。我们侧重于使用大笔触和快速着色来记录人物的姿态和情绪，而不是纠结于细节的刻画。通过对肢体语言的理解，快速定下骨架和光影的大致关系，再辅以水彩的透明过渡来柔化和深化。 3. 抽象水彩的边界探索： 艺术的边界在于不断试探。本书邀请读者进入更自由的创作领域，探索纯粹的水分与色彩的相互作用。我们探讨了如何从无意识的涂抹中提炼出可感知的形态，以及如何通过重复的肌理叠加来创造具有深度和层次感的纯抽象作品。这部分内容旨在解放学习者的思维定式，将水彩视为一种纯粹的媒介探索工具。 五、结语：构建你的水彩“字典” 《印象的色彩》的最终目标，是帮助每一位读者建立起一套属于自己的水彩“语言系统”。我们提供的不是一套固定的“食谱”，而是一套强大的“厨房设备”和“食材特性分析报告”。通过本书的学习，你将不再依赖模仿他人的步骤，而是能够自信地面对任何新的主题，并运用你对水分、色彩和纸张的深刻理解，创作出真正打动人心的、充满个人印记的水彩作品。艺术的道路是漫长且充满发现的，而本书，将是你探索水彩世界的坚实伙伴。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计本身就充满了艺术气息，拿在手里很有分量感。不过真正让我爱不释手的是它对“意境”的营造。它不是一本纯粹的技法手册，更像是一部关于如何捕捉瞬间美感的随笔集。比如，在处理静物写生时，作者没有拘泥于光影的精确还原，而是着重于如何通过微妙的颜色变化来烘托主体的情绪——比如，在一颗苹果的阴影处加入一抹极淡的普鲁士蓝，瞬间就让这个苹果“活”了起来，充满了清晨的凉意。这种对“气氛”的捕捉能力，是任何软件后期都无法替代的。书中后半部分有一个关于“城市速写”的章节，讲解了如何在快速移动或光线变化的环境下，抓取场景的本质特征，运用大色块和概括性的线条快速定稿。这种实战性极强的训练，让我从过去那种“慢工出细活”的僵化模式中走了出来，开始学着更自信、更果断地落笔。这本书真正帮助我打开了水彩艺术的另一扇门，让我对未来的创作充满了期待和信心。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我最大的感受就是“解放”——从对工具的迷信中解放出来。很多画材书都会过度强调“你必须买这几个牌子的颜料，必须用这种进口的纸张”。然而，这本书的作者却非常务实，他们会明确指出，在某些特定的湿画法中，即便是最基础的国产水彩纸也能达到令人满意的效果，只要你掌握了“纸的吸水性判断法”。这种接地气的建议，让我这个预算有限的业余爱好者感到无比亲切，不必为了追求“专业”而背上沉重的经济负担。此外，它对“墨痕”的运用也很有独到之处。书中介绍了一种利用水彩颜料干燥后留下的自然痕迹来增加画面肌理感的方法，完全颠覆了我之前对水彩画“干净利落”的刻板印象。这些看似随意的笔触，其实背后都蕴含着作者对材料特性的深刻理解。这本书的价值，远超出了教授绘画技巧的范畴，它教会了我如何与画材“对话”。

评分☆☆☆☆☆

哇，最近入了本新画册，名字虽然没记住，但内容真是让人眼前一亮！它给我的感觉就像是找到了一位经验丰富又超耐心的导师，手把手地领你入门。这本书的排版和图例简直是教科书级别的典范。那些复杂的颜色混合原理，本来觉得晦涩难懂，结果它用最直观的图示和简洁的语言一解释，瞬间就茅塞顿开了。特别是对于水彩画中那个最让人头疼的“控水”问题，书里专门用了好几页篇幅，细致入微地展示了湿润度不同时颜料扩散的各种效果，配上了高清的局部放大图，让你能清晰地分辨出“半干时落入一滴清水”和“纸面完全湿润时加入颜料”之间的巨大区别。我按照书里介绍的那个“洋葱式”的湿画法尝试了一下，画出来的风景有了那种朦胧而梦幻的层次感，连我自己都惊讶于进步的速度。它不只是教你怎么画出某一个具体的物体，更重要的是，它构建了一套完整的“视觉思维框架”，让你在面对任何新的场景时，都能迅速分析出光影、体积和空气透视的要点。对于想快速提升绘画技法，又不想被太多理论压垮的初学者来说，这本绝对是宝藏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑简直是太贴心了，完全照顾到了不同学习进度的读者。它从最基础的“如何握笔”开始，每增加一个新的知识点，都会立刻提供一个相应的“迷你练习”。例如，在学习了平涂技法后，马上就会让你用平涂去画一片均匀的天空，而不是等到学完一整章内容才让你综合运用。这种“即学即练、即练即巩固”的设计，极大地增强了学习的即时反馈。我个人尤其欣赏它对“留白”哲学的阐述。很多初学者都急于把画面填满，而这本书却花了很大篇幅来讲解如何利用纸张的白色来构建光感和空气感，那种“减法艺术”的魅力被体现得淋漓尽致。作者甚至提供了一些“反面教材”的对比图，清晰地展示了过度描绘和恰到好处的留白之间的视觉差异。这对于培养成熟的画面控制力至关重要，也让原本觉得水彩画难度大的我，找到了一个更高效、更优雅的表达途径。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买书前还是有点担心的，怕又是那种只罗列工具和基本笔触的“空头支票”类书籍。但这本书完全颠覆了我的预期，它更像是一本“艺术家的工作日志”。作者在讲解技法的同时，大量穿插了他们自己创作过程中的心得体会和“踩坑”经历。比如，在表现水面的波光粼跚时，书中分享了一个非常实用的“刮白”技巧，并特别强调了刮白时力度和角度的细微调整如何影响最终的光斑形态，这种真实世界中的操作细节，是很多标准教材里绝对不会提及的。而且，它对色彩的把握极其精准。它不是简单告诉你“蓝色+黄色=绿色”，而是深入探讨了“群青蓝在黄昏光线下会偏向紫调”这样的高级色彩关系。跟随书中的步骤走，你会发现自己对色彩的敏感度在不知不觉中提升了，不再是机械地调色，而是带着一种“理解”去使用颜料。这种教学方式，让学习过程变得充满了探索的乐趣，完全不是枯燥的重复练习。我感觉自己不是在学画画，而是在偷师一位大师的独门秘籍。