現代藝術150年：一個未完成的故事 威爾?貢培茲 藝術理論與評論 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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威爾·貢培茲 著

圖書標籤:

• 現代藝術
• 藝術史
• 藝術理論
• 西方藝術
• 繪畫
• 雕塑
• 建築
• 攝影
• 藝術評論
• 文化研究

店鋪： 中信書店

齣版社： 廣西師範大學齣版社

ISBN：9787549586646

商品編碼：24291019812

包裝：否

叢書名： 現代藝術150年-一個未完成的故事

齣版時間：2018-01-10

書名: 現代藝術150年-一個未完成的故事

定價: 65.00元

齣版社名稱: 廣西師範大學齣版社

作者: 威爾·貢培茲

ISBN編號: 9787549586646

★ 要掌握現代藝術的遊戲規則，你需要知道些什麼？——涵括近百位藝術傢及其代錶作，梳理二十多個現代藝術流派的淵源流變，勾勒現代藝術的發展曆程。這一百五十年來藝術究竟發生瞭什麼？為什麼到瞭，一件看似五歲小孩也能搗鼓齣來的東西，居然會是藝術史上的曠世之作？

★ 這是藝術嗎？這必須是藝術！——馬列維奇的黑色正方形，濛德裏安的彩色格子，杜尚的小便池……藝術不再必須與美有關，它更多地關乎理念。那些光怪陸離、五花八門的藝術流派，在揭開瞭其中的奧秘之後，實際上簡單得驚人，但又絕妙乃至偉大。

★ 一位藝術評論人的“單口相聲”，現代藝術也可以這樣有趣生動——沒有抽象的概念，沒有拗口的術語，用輕鬆幽默的方式，講述現代藝術的故事。

如果我們還能從一百五十多年前莫奈的《日齣》、梵高的《星空》中，依稀辨認齣藝術“原來”的模樣，那麼，一百五十年後安迪·沃霍爾的金湯寶罐頭、達米恩·赫斯特的醃製鯊魚，還有翠西·艾敏亂糟糟的床，足以讓我們看到藝術的其他可能。迴顧現代藝術一個半世紀的反叛之路，我們見證瞭一代又一代人如何變得愈發反叛、大膽、混亂。這背後，是藝術傢對“何為藝術”的無盡追問，是他們對周遭世界的迴應與抵抗。現代藝術的故事仍在繼續，也許永遠不會完成。

藝術就像個遊戲，你真正需要知道的隻是它基本的規則，從而讓一度令人睏惑的東西開始變得有意義。

——威爾·貢培茲

序：多麼陳舊啊，150年過去瞭（陳丹青）

001 前 言

005 導論：你在看什麼

013 章 泉，1917

027 第二章 前印象派：走嚮真實，1820—1870

051 第三章 印象派：現代生活的畫傢，1870—1890

075 第四章 後印象派：拓展領域，1880—1906

107 第五章 塞尚: 吾人之父，1839—1906

123 第六章 原始主義，1880—1930 / 野獸派，1905—1910：原始的呐喊

155 第七章 立體主義：另一種視角，1907—1914

177 第八章 未來主義：快進，1909—1919

193 第九章 康定斯基/ 俄耳甫斯主義/ 青騎士：音樂之聲，1910—1914

211 第十章 至上主義/ 構成主義：俄國人，1915—1925

237 第十一章 新造型主義：網格，1917—1931

253 第十二章 包豪斯：校園重聚，1919—1933

277 第十三章 達達主義：混亂的秩序，1916—1923

297 第十四章 現實主義：以夢為生，1924—1945

329 第十五章 抽象錶現主義：宏大的姿態，1943—1970

357 第十六章 波普藝術：零售療法，1956—1970

389 第十七章 觀念主義/ 激流派/ 貧窮藝術/ 行為藝術：心靈遊戲，1952 年至今

415 第十八章 極簡主義：無題, 1960—1975

435 第十九章 後現代主義：假身份，1970—1989

453 第二十章 藝術：名利場，1988—2008 至今

489 藝術評收藏地

501 緻謝

505 譯名錶

威爾·貢培茲（Will Gompertz）

1965年生，一個會說“單口相聲”的藝術評論傢，曾被紐約《創意》雜誌評為世界上*有創意的50位思想傢之一。貢培茲在泰特美術館擔任媒體主管達七年之久，並在BBC的邀請下，擔任新成立的藝術頻道的*一位主編。他二十多年來筆耕不輟，為《泰晤士報》和《衛報》撰寫瞭很多藝術評論，並擔任知名藝術批評網站（culturecritic.co.uk）的總編輯，也是英國眾多前沿藝術機構的顧問。

現代藝術史的專傢裏，可沒有幾個人會提到碧昂斯、大衛·福斯特·華萊士和蘇珊大媽，還把性情乖僻的塞尚形容為巴黎先鋒藝術傢中的“鐵手盧剋”……（這本書）卸下所有賣弄學識、裝腔作勢的姿態，代之以大量風趣幽默的內容……將德拉剋洛瓦到達米恩·赫斯特的這一段藝術趣史娓娓道來。

——英國《電訊報》

貢培茲寫的可並不是什麼簡單事兒，可他卻下筆輕鬆，絲毫不為難讀者……他不費力地，就把1860年代至今的藝術史聊瞭個遍，讓讀者倍感切的同時，還真學到瞭不少東西。

——英國《星期日獨立報》

威爾·貢培茲仿佛生來就是傳播知識的好手，他在字裏行間錶達瞭自己對藝術的滿腔熱愛，纔思橫溢，飽含激情。

——尼古拉斯·塞羅塔爵士（英國泰特美術館館長）

這本書的水準剛剛令我夠得著而看得懂：貢培茲證實瞭我自以為早就懂得的藝術傢（果然如此），也教會我如何解讀難以弄懂的另一群人物（原來如此）。倘若在美術館再度遭遇他們，我會心想：哈，老兄，現在我明白瞭你的花招。

——陳丹青

導論：你在看什麼

1972 年，倫敦泰特美術館購入瞭由美國極簡藝術傢卡爾·安德烈創作的雕塑《等價物8》。這件作品創作於1966 年，由120塊耐火磚組成，按照藝術傢的指示，這些磚組一個長方形，共兩層。當1970 年代中期泰特美術館展齣這件作品時，引起瞭巨大的爭議。

那些磚沒什麼特彆的，誰都可以用幾便士一塊的價格買下來。而泰特美術館在它們身上花瞭兩韆多歐元。英國的媒體全都崩潰瞭。報紙們尖叫著：“把我們國傢的錢浪費在一堆磚上！”甚至《伯靈頓雜誌》—一本高雅的藝術期刊—也質問：“泰特瘋瞭嗎？”媒體想知道，泰特為什麼將寶貴的公共資金揮霍在一些“任何一個泥瓦匠都可能想到的東西”上？大約三十年後，泰特美術館又一次用英國納稅人的錢去買瞭一件不同尋常的藝術品。這迴，他們選擇買入一隊人。實際上，這種說法並不準確。他們買的不是人本身，這在當下可是違法的，他們買的是那個隊列。或者，更準確地說，是一張紙，斯洛伐剋藝術傢羅曼·歐達科在上麵寫有關於一次行為藝術的指示，包括雇一些演員排成一個隊列。在這張紙上，他詳述道，演員們在一扇鎖著或被擋住的門口外形成一支有秩序的隊列。一旦就位，或者以藝術的術語說，被“安置”好後，所有人都麵對著門的方嚮，創造齣一種耐心期盼的氛圍。整個作品的理念是，這些人的樣子會激起過路者的好奇心，吸引他們，使他們要麼加入排隊的行列（在我的經驗裏，他們通常都會這麼做），要麼從隊列旁好奇地皺著眉頭走過，心裏疑惑自己可能錯過瞭什麼。這是個有趣的主意，但算得上是藝術嗎？如果一個泥瓦匠都能想得齣卡爾·安德烈的《等價物8》，那歐達科玩笑式的隊列就得算是蠢蛋搞怪秀裏更加荒唐的一幕瞭。媒體鐵定要發飆瞭。

然而，連一聲嘟囔都沒有：沒有批評，沒有義憤，甚至那些通俗小報的詼諧的從業人員都沒有寫齣一係列嘲諷的標題—什麼都沒有。這次收購所得到的報道，是那些藝術氣息更加濃重的高端報紙裏的贊許話語。這三十年裏發生瞭什麼？什麼變瞭？現當代藝術為何從一種被普遍認為是冷笑話的東西變成瞭令全世界尊崇和敬畏的對象？

……

曾經清貧的藝術傢現在變成瞭百萬富翁，通曉電影所擁有的伎倆：名流朋友、私人飛機，再加上一個貪得無厭的媒體，熱衷於報導他們每一個光彩四射的舉動。對於這些精於媒體運作之道的新生代藝術傢，20 世紀末期蓬勃發展起來的時尚雜誌也樂於幫助他們建立公眾形象，作為迴報，這些雜誌可以發錶他們眾多私人聚會的照片。充滿創造力的多姿多彩的人物站在他們多姿多彩的藝術品旁，這樣的圖像被懸掛於光艷照人、富貴雲集的設計師空間裏，無疑是一場視覺盛宴，得以讓如飢似渴的雜誌讀者的窺探欲得到滿足（泰特美術館甚至雇瞭《VOGUE》的齣版商來製作自己的會員雜誌）。

這些齣版物再加上報紙的彩色副刊，為嶄新、時尚、國際化的藝術和藝術傢造就瞭一批嶄新、時尚、國際化的觀眾。這是一群年輕人，對於前一代人所敬重的那些暗暗的老舊繪畫已不感興趣。是的，當下美術館那日益龐大的參觀者隊伍，需要的是一種能為他們的時聲的藝術，一種新鮮、有活力、令人興奮的藝術，一種關於現時、現地的藝術，這種藝術如同他們一樣，富有魅力，新式時髦，有一點“搖滾”：響亮、叛逆、有趣、酷。

這些新觀眾所麵臨的問題，也正是我們所有人麵對一件新藝術品時所麵臨的問題，那就是理解。這與你是否是一位功成名就的藝術經紀人、一位重要的學者或策展人無關。在麵對一件剛從藝術傢工作室裏新鮮齣爐的繪畫或雕塑時，任何人都會發現自己有點迷茫。即使是尼古拉斯·塞羅塔爵士，這位舉世敬仰的英國泰特美術館帝國的，也會不時發現自己處於睏惑中。有一次，他告訴我，當他進入藝術傢的工作室，次見到某件新作品時，他會有點“害怕”。“我常常不知道該怎麼想，”他說，“這讓我覺得非常可怕。”這是一個被公認為現當代藝術界世界級的人的坦白。那我們這些剩下的人可怎麼辦啊？

.......

現代藝術的邊緣與轉摺：探尋20世紀以來的視覺文化變遷 本書旨在超越對傳統藝術史敘事的綫性梳理，深入剖析20世紀至今，在技術飛速發展、社會結構劇烈重塑的背景下，視覺藝術如何不斷地自我顛覆與重構。我們不聚焦於既定的“主義”或裏程碑式的展覽，而是著眼於那些常常被主流敘事邊緣化、卻對藝術形態産生深遠影響的邊緣性實踐、跨界閤作與理論斷裂點。 第一部分：現代性的黃昏與新媒介的誕生（約1900-1945） 一、技術的滲透與身體的異化：早期現代主義的視覺張力 本部分首先考察照相術的成熟對傳統繪畫權威的挑戰。我們不再僅僅討論印象派或後印象派如何“解放”色彩，而是深入分析早期攝影，特彆是尤金·阿傑（Eugène Atget）對巴黎都市衰敗景象的記錄，以及阿爾弗雷德·斯蒂格裏茨（Alfred Stieglitz）如何將攝影提升至具有現代主義純粹性的獨立藝術形式。這種對“再現”本質的質疑，催生瞭對非再現性藝術的探索。 二、機械復製時代的靈光消逝與新的本體論追問 重點分析瓦爾特·本雅明（Walter Benjamin）的理論在當時語境下的實際應用。我們考察立體主義和未來主義如何通過碎片化和速度感，試圖捕捉工業時代的體驗，但同時也揭示瞭這種捕捉的內在矛盾——當藝術本身被機械復製，其“靈光”是否必然消亡？此外，我們審視達達主義對理性主義和資産階級趣味的徹底解構，不僅僅是“反藝術”，更是對藝術作品作為獨立物體的概念進行攻擊。馬塞爾·杜尚（Marcel Duchamp）的選擇（Readymades）被視為對藝術體製的結構性批判，而非僅僅是觀念的勝利。 三、非歐洲中心的視覺經驗：殖民語境下的現代性 本章試圖糾正“歐洲中心”的現代藝術史觀。我們探討瞭在殖民地與被殖民地接觸中産生的視覺混雜現象，例如德呂熱（Derain）和畢加索（Picasso）對非洲雕塑的挪用背後所掩蓋的權力關係。更重要的是，我們關注非西方藝術傢如何在本土傳統與西方現代主義的衝擊中，發展齣獨特的、抵抗性的視覺語言，這些實踐往往在當時的歐洲主流語境中被忽視或誤讀。 第二部分：戰後焦慮、結構瓦解與經驗轉嚮（約1945-1970） 一、抽象錶現主義的“在場”與身體的書寫 在二戰後的特定曆史時期，抽象錶現主義被視為對抗極權主義和對形而上學信念破滅的迴應。然而，我們側重於對行動繪畫中“過程”的本體論分析——畫布不再是描繪對象的錶麵，而是行動發生的記錄場域。我們考察傑剋遜·波洛剋（Jackson Pollock）的滴畫如何成為對空間、時間與身體運動的物質性探究，以及它如何預示瞭後來的身體藝術和大地藝術對藝術邊界的拓展。 二、媒介的消亡與“去物質化”的嘗試 戰後，藝術對物質性的反思進入瞭一個新階段。我們探討瞭歐洲的“新實在主義”（Nouveau Réalisme）如何通過對日常廢棄物的迴收與拼貼，挑戰傳統雕塑的概念；同時，美國的光色繪畫（Color Field Painting）如何試圖通過純粹的色彩體驗，達到近乎宗教或冥想的境界，從而使藝術從敘事負擔中解脫齣來。 三、結構主義、符號學與藝術的“解碼” 隨著社會科學和語言學思潮的湧入，藝術分析開始轉嚮結構。本章分析瞭羅蘭·巴特（Roland Barthes）等理論如何被應用於視覺分析，探討圖像如何構建意義、意識形態如何被“自然化”。這不僅影響瞭波普藝術對大眾符號的挪用，也為後來的概念藝術奠定瞭理論基礎，即“作品”的意義在於其被闡釋的結構，而非其物質本體。 第三部分：邊界的消融與觀念的泛化（約1970-1990） 一、對藝術機構本身的批判與後機構批判 隨著體製化對藝術的吸納能力增強，藝術實踐開始聚焦於藝術作品賴以存在的“白盒子”——博物館、畫廊和藝術市場。我們詳細分析瞭漢斯·哈剋（Hans Haacke）的工作，考察瞭藝術傢如何通過揭示贊助人、資金流嚮或建築曆史，來暴露藝術機構的社會經濟結構。這標誌著藝術從對“美”的生産轉嚮對“知識”的生産。 二、身體、身份與政治的交織 七十年代開始，女性主義藝術、酷兒理論以及少數族裔藝術傢的實踐，將身份政治帶到視覺藝術的核心。本部分關注藝術如何成為抵抗壓迫、重寫曆史和確立主體性的工具。我們探討瞭芭芭拉·剋魯格（Barbara Kruger）如何運用商業廣告的語言進行批判性介入，以及行為藝術（Performance Art）如何將身體作為終極媒介，直麵社會對身體的規訓與監控。 三、新錶現主義的迴潮與敘事的迴歸：一種復雜的情緒 在高度概念化的背景下，八十年代的德國和意大利等地齣現的新錶現主義（Neo-Expressionism）是藝術對“情感”和“繪畫性”的迴歸。我們分析這種迴歸並非簡單的復古，而是在經曆瞭概念的洗禮之後，對主觀經驗和曆史創傷進行更復雜、更焦慮的錶達，揭示瞭現代性敘事瓦解後留下的巨大情感真空。 第四部分：全球化、數字迷思與後現代的遺産（1990至今） 一、從全球化到地方性：藝術世界的重構 九十年代後，藝術的權力中心開始分散。本部分探討雙年展（Biennale）現象如何重塑瞭藝術的地理分布和評價體係。我們關注那些拒絕融入國際主流敘事，而堅持在特定地域性、曆史記憶或文化差異中挖掘潛力的藝術傢，探討“全球性”是否隻是另一種形式的同質化。 二、媒介的融閤與虛擬現實的滲透 我們深入考察瞭數字技術、互聯網和新媒體藝術對傳統“觀看”方式的顛覆。錄像藝術已不再是實驗性的附件，而是主流媒介之一。重點分析瞭裝置藝術如何利用空間、時間、互動性，以及如何開始利用虛擬現實（VR）和增強現實（AR）技術，挑戰我們對“真實”與“在場”的認知。 三、當代藝術的“後人類”視角與生態危機 展望當下，本書最後聚焦於當代藝術對人與非人、生態係統、生命倫理等議題的關注。麵對氣候變化和人工智能的崛起，藝術傢們如何使用視覺語言來描繪一個正在發生深刻物種界限模糊的未來。這不再是簡單的社會批判，而是對人類中心主義的終極反思。 本書通過對上述關鍵轉摺點的細緻梳理，旨在提供一個更具批判性、更少宿命論的藝術史框架，理解我們所處的視覺文化現狀是如何由一係列復雜的、常常是互相矛盾的理論和實踐所塑造的。

評分☆☆☆☆☆

這本書的齣版，對於我們這些長期浸淫在傳統學院派框架中的人來說，無疑是一劑強效的清醒劑。作者對西方主流藝術史敘事的顛覆和重構是如此徹底，以至於在閱讀過程中，我幾次不得不停下來，審視自己過去基於教科書形成的許多既有認知。他不僅僅是在迴顧曆史，更是在審視我們“如何書寫曆史”這一行為本身。特彆是在對媒介與權力的關係進行剖析時，那種穿透力極強的洞察力讓人拍案叫絕，他揭示瞭資本、技術以及新興的觀眾群體是如何共同塑造瞭我們今天所理解的“現代藝術史”。讀完後，我感覺自己看待博物館牆上的每一件作品，都多瞭一層復雜的、關於其誕生背景和傳播路徑的思考濾鏡，這種思維模式的轉變，比任何單一的知識點吸收都要來得更有價值。

評分☆☆☆☆☆

這本書的語言風格，在我看來，是一種奇特的混閤體——它既有嚴謹的學術論證的精確性，又夾雜著某種近乎詩意的、充滿個人激情的評述。例如，在描述某位錶現主義大師的作品時，文字會突然變得極富張力，用詞如同油畫刀般颳擦和堆疊，充滿瞭動態的衝擊力；而在分析結構主義思潮對藝術的影響時，筆觸又立刻變得冷靜、抽離，像是在進行一場冷峻的邏輯推導。這種文風上的頻繁切換，使得原本可能枯燥的理論探討變得鮮活起來，它像一位經驗豐富的導遊，時而帶領你進入喧鬧的理論市場去傾聽辯論，時而又把你帶到寜靜的畫室角落，去凝視一幅作品的肌理。正是這種張弛有度的錶達方式，極大地拓寬瞭我對“藝術批評”這一文體本身可能性的理解。

評分☆☆☆☆☆

從結構上看，作者對於“未完成”這一概念的把握是貫穿始終的哲學核心。他巧妙地避開瞭那種傳統藝術史中對“終點”或“高峰”的盲目歌頌，而是將目光投嚮瞭那些不斷提齣問題、卻從未提供最終解答的藝術實踐。我深切感受到，每一次技術革新、每一次媒介的拓展，都被置於一個開放性的語境中進行考察。這種處理方式極大地解放瞭我的思維定勢，讓我開始重新審視那些被簡單歸類為“失敗嘗試”或“過渡階段”的作品，重新賦予瞭它們在當代語境下重新解讀的生命力。它不再是給我們一份標準答案的教科書，而更像是一份邀請函，邀請我們每一個人都加入到這場關於“什麼是藝術”的未完待續的對話之中。

評分☆☆☆☆☆

讀完之後，我最大的感受是作者構建瞭一個極其宏大且富有張力的敘事框架。他並沒有將“現代藝術”視為一個綫性進步的過程，而更像是一係列不斷爆發和自我否定的連鎖反應。閱讀體驗中，我仿佛置身於一個巨大的、不斷自我拆解的迷宮裏，每當以為找到瞭一個明確的“主義”的齣口時，作者的筆鋒又會迅速轉嚮另一個看似毫不相關的領域，但細思之下，卻發現兩者之間存在著某種深刻的、潛意識的呼應。這種敘事手法，要求讀者必須保持極高的專注度，因為它拒絕提供簡化的答案，而是強迫你去直麵藝術內部的矛盾與張力。它不是那種可以輕鬆“消滅”掉的快餐式讀物，而是一次需要耐心去“消化”和“反芻”的思想漫遊，讀完後，很多章節的內容需要在腦海中重新排列組閤，纔能體會到作者那份復雜的曆史洞察力。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計簡直是一場視覺的盛宴，厚實的紙張，細膩的觸感，讓人一上手就感受到它作為一本重量級藝術史論著的誠意。封麵的排版看似簡約，實則暗藏玄機，那種留白的處理，仿佛是在嚮讀者發齣一種無聲的邀請，去探索那150年間光怪陸離的藝術圖景。內頁的印刷質量也無可挑剔，即便是那些色彩極為微妙的現代主義作品圖像，也能被精準地還原齣來，這對於研究者和愛好者來說，無疑是極大的福音。我尤其欣賞它在版式上的匠心獨運，每一章的引言部分都采用瞭不同的字體和裝飾元素，這種細微的差異性構建瞭一種動態的閱讀體驗，讓你在翻閱的過程中，能清晰地感受到不同曆史時期的藝術情緒正在緩緩滲透齣來。可以說，光是捧著它，就已經完成瞭一次對美學品質的初步感知，這種對實體媒介的尊重，在當今這個電子閱讀盛行的時代，顯得尤為珍貴和令人動容。