中级.音乐版-音乐常识分册-音乐等级考试音乐基础 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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本书编委会 著

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103054543

商品编码：26282640280

出版时间：2017-12-01

基本信息

商品名称： 中级.音乐版-音乐常识分册-音乐等级考试音乐基础知识-下册	出版社： 人民音乐出版社	出版时间：2017-12-01
作者：本书编委会	译者：	开本： 32开
定价： 43.00	页数：	印次： 1
ISBN号：9787103054543	商品类型：图书	版次： 1

好的，根据您的要求，我将为您撰写一份关于不包含《中级.音乐版-音乐常识分册-音乐等级考试音乐基础》一书内容的图书简介。这份简介将详细描述一本涵盖其他音乐学习领域，避开音乐常识、等级考试基础知识的图书内容。 深入探索：现代音乐理论与作曲技法实践指南 图书名称：现代音乐理论与作曲技法实践指南 内容概要： 本书旨在为已具备基础音乐素养的学习者提供一个深入探索二十世纪以来音乐理论发展前沿和现代作曲技法的实践平台。我们摒弃了传统音乐教育中侧重于历史沿革和基础常识的讲解模式，转而聚焦于如何将抽象的现代音乐概念转化为实际的创作语言。本书内容结构严谨，从音高组织、节奏结构到和声与织体创新，层层递进，旨在培养读者的批判性思维和独立作曲能力。 --- 第一部分：二十世纪音高组织的新范式 本部分彻底跳脱了传统调性体系的框架，系统地梳理了自荀伯格十二音技法以来，作曲家们如何重构音高材料的方法论。 第一章：无调性音乐的逻辑基础 十二音体系的结构解析与应用变体： 详细分析了皮尔·布列兹等作曲家如何发展和突破原始的十二音技法。重点探讨了如何通过音组（Set Theory）分析来理解和构建复杂的音高关系，而非简单地复述规则。 全音阶与五声音阶在现代音乐中的解构： 探讨了这些非传统音阶如何被用于创造特定的听觉色彩和结构张力。我们将分析它们在德彪西、巴托克作品中的运用，并引导读者尝试用这些材料进行小型练习曲的创作。 微音（Microtonality）的理论边界： 介绍四分音、三分音等微小音程在音高系统中的引入及其对传统听觉习惯的挑战。内容包括如何使用五线谱的特殊记号或现代电子设备来精确实现和记录这些音高。 第二章：序列主义（Serialism）的扩展与极限 元素序列化（Total Serialism）： 深入研究如何将序列化的概念从音高扩展到时值、力度和音色。本书提供了详细的矩阵构建方法，帮助读者理解如何通过交叉序列来控制音乐的宏观结构。 非线性序列： 探讨一些反序列主义的趋势，例如基于概率、随机性或有限选择的组织方式，这些方法如何为音乐创作带来新的不确定性和探索空间。 --- 第二部分：节奏与时间维度的重塑 本部分旨在打破传统节拍和规整时值的束缚，探索如何利用新的节奏模型来组织音乐的时间流。 第三章：复杂节奏的结构化处理 复节奏与非对称节奏型： 详细解析如何构建和演奏交错的复节奏（如同时出现的3对4、5对7），并提供了一套标准化的记谱方法，确保演奏者能够准确理解作曲家的意图。 不可分割性与时间分层： 探讨如何利用不可分割的时间单位来建立层次分明的节奏结构，例如在斯特拉文斯基晚期作品和后来的极简主义音乐中对时间模块的运用。 第四章：时间的弹性与随机性 非线性时间与不定时值（Time Notation）： 介绍使用图表、箭头或范围来指示时值的记谱方式，以及如何引导演奏者在既定的框架内进行即兴性诠释。 周期性与漂移： 分析重复模式如何通过微小的、渐进的增减速（Tempo Fluctuation）来产生听觉上的“漂移”效果，而非机械的重复。 --- 第三部分：和声、织体与音色设计 本书将和声视为一种音高材料的组织方式，并将其与织体、音色设计紧密结合，以实现特定的听觉效果。 第五章：后调性（Post-Tonal）和声的构建 集合（Set Class）在和声中的应用： 教授如何使用集合理论来定义和评估和弦的内部关系和功能，从而创造出具有内在逻辑的非传统和声连接。 集群和声（Cluster Harmonies）的密度与张力： 探讨如何通过控制音符的密度、跨度以及使用的音程类型来构建具有冲击力的音块和声。 空间化和声： 研究宽广音域中和声的分布如何影响听觉的感知，并指导读者设计具有“深度”和“广度”的垂直结构。 第六章：动态织体与音色雕塑 参数化过程（Parametric Processes）： 详细讲解如何通过单一或多个参数（如力度、音区、密度）的线性或指数变化，来驱动音乐织体的演变，从而实现音乐的“过程美学”。 拓展音色（Extended Techniques）的系统应用： 本章专门为管弦乐和室内乐创作提供指导，分类介绍各种乐器演奏法的技术细节，包括弓法、呼吸法、咬合方式的改变，并提供如何在总谱上精确标记这些技巧的范例。 电子与声学乐器的融合： 探讨在电子音乐与声学音乐结合的创作中，如何处理两种媒介在动态范围和音高精确度上的差异，实现无缝的过渡和对比。 --- 第四部分：现代作曲的实践方法论 本部分侧重于创作思维的培养和作品分析的工具性。 第七章：分析的工具箱：从结构到意图 结构主义分析法（Structuralism）： 教授如何通过识别音乐材料的生成规则和变化过程来理解现代作品的内在结构，而非仅仅依赖于传统的功能和声分析。 案例深入研究： 本书选取了如瓦雷泽的《密音》、凯奇的《4’33”》、斯托克豪森的某些序列作品等作为分析对象，侧重于拆解其创作方法和意图，而非简单介绍其历史背景。 第八章：面向创作的实验性练习 本书包含大量旨在打破创作惯性、激发新思路的实践环节： 1. 限定材料创作挑战： 例如，仅使用两个音程（如小三度与增四度）来构建一段完整乐章的练习。 2. 动态图表驱动创作： 要求作曲者先绘制一个复杂的力度、密度或速度变化图表，然后根据此图表创作音乐。 3. 声音景观重构： 利用录音采样技术，将日常生活中的声音进行抽象化处理，并将其编排到器乐作品中。 结语： 《现代音乐理论与作曲技法实践指南》是一本面向未来的创作手册。它不提供标准答案，而是提供了一套强大的工具和思维框架，帮助有志于探索音乐边界的创作者，在二十世纪积累的理论成果之上，开创属于自己的声音世界。本书要求读者具备对基础乐理的熟练掌握，并渴望挑战既有的审美框架。

评分☆☆☆☆☆

从装帧设计和印刷质量来看，这本书也体现了出版方对读者的尊重。纸张的厚度和光泽度都非常适中，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到疲劳，这对于需要反复翻阅参考的乐理书籍来说至关重要。书中的插图和五线谱示例，线条清晰锐利，没有出现任何模糊不清的瑕疵，这在处理复杂的对位或和声进行图示时，是绝对不能妥协的细节。更不用说，这本书在理论的严谨性上达到了一个很高的水准，每一个定义和推导都力求精准无误，这对于准备参加严格考试的人来说，是最大的保障。我记得我曾经在另一本辅助教材上发现过一个关于三和弦转位的细微错误，但在翻阅这本《中级.音乐版》时，我确认了正确的理论表述，这让我对它的专业度更加信服。它就像是一面清晰的镜子，能准确地反射出音乐理论的每一个细节，毫不含糊，让人可以完全信赖其内容，专注于知识的吸收本身，而不是去纠结于那些低级的印刷或理论错误。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始抱着试试看的心态买这本书的，因为市面上的音乐常识书籍太多了，很多都是内容陈旧或者编译痕迹过重，读起来佶屈聱牙。但这本书的语言风格，让我眼前一亮。它采用了非常口语化，但又不失专业深度的叙述方式。比如，在讲解乐器法时，它没有简单地罗列每种乐器的音域和音色特点，而是用了一种“场景代入”的方式，仿佛带着你在一个虚拟的管弦乐队排练厅里走了一圈。它会告诉你，长笛在高音区的穿透力如何为乐曲增添光彩，而大提琴在中低音区的醇厚如何奠定情感的基调。更让我欣赏的是，它对音乐史的梳理并非简单的时间轴排列，而是强调了不同时期音乐风格之间的内在联系和演变逻辑，比如古典主义音乐如何从巴洛克时期的繁复中解放出来，追求清晰和平衡。这种叙事性的讲解，让原本冰冷的知识点变得鲜活起来，让人忍不住想去听听那些被提及的曲目，去感受文字背后的音乐灵魂。这本书的排版也做得很好，图文并茂，很多复杂的乐理图示都清晰明了，即便是初学者，也能轻松抓住重点。

评分☆☆☆☆☆

这本厚厚的乐理书，拿到手里沉甸甸的，光是封面那张简洁的五线谱设计，就让人感觉扑面而来一股学院派的严谨气息。我一直觉得，音乐学习就像盖房子，基本功就是地基，而这本《中级.音乐版-音乐常识分册-音乐等级考试音乐基础》显然是想把这地基打得无比扎实。我记得翻开目录时，第一个映入眼帘的是关于调式和和声进行的基础讲解，作者没有采用那种枯燥的教科书式罗列，而是用了很多生动的例子，比如将不同的调式比喻成不同色彩的画布，一下子就把抽象的概念具体化了。特别是对于那些容易混淆的小调和大调的色彩区分，讲解得鞭辟入里。读下去发现，它对节奏型态的分析也极为细致，不仅仅是告诉我们这是几几拍，而是深入探讨了不同拍号在不同音乐风格中起到的情绪烘托作用。比如，在讨论到复调音乐时，它甚至引用了巴赫的一些作品片段进行剖析，那种将理论与实践完美结合的写法，让人读起来一点都不觉得枯燥，反而有一种“原来如此”的豁然开朗。总的来说，这本书的编排逻辑清晰，层层递进，对于准备考级或者想系统梳理基础知识的学习者来说，无疑是一份非常值得信赖的指南，它不仅仅是知识的搬运工，更像是一位耐心的导师，在为你铺设通往更高层次音乐理解的阶梯。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编写者显然对不同学习者的接受能力做了深思熟虑。我尝试让我的初三学生也接触一下这本书，结果发现，它在保持专业深度的同时，对基础概念的阐释极其友好。比如，当涉及到听觉训练和乐理知识的结合时，很多书只是简单地给出定义，但这本书却会穿插一些“小测验”或者“思考题”，引导读者在阅读的同时进行自我检验。我尤其欣赏它在讲解“曲式结构”那一部分的处理。它没有用一堆复杂的术语堆砌，而是通过拆解几首耳熟能详的乐曲范例，一步步展示呈示部、再现部、呈示部的内在逻辑，让学生能够真正“看到”音乐的骨架。这种手把手的引导，对于那些在学习过程中容易感到迷茫的学生来说，简直是醍醐灌顶。而且，书中引用的乐曲范例选择得非常好，涵盖了从早期古典到浪漫主义的经典作品，保证了知识的广度和代表性，避免了只局限于单一风格的偏颇。整体感觉，这是一本能够陪伴学习者从“入门”走向“进阶”的过渡性优秀读物。

评分☆☆☆☆☆

我是一名非科班出身的音乐爱好者，平时自学摸索，总感觉知识零散，尤其是在面对正规考试的体系化要求时，心里没底。这本《中级.音乐版》的出现，很大程度上弥补了我的这种“碎片化学习”的缺陷。它最让我感到实用的是，它对“考试要求”的把握非常精准。书中的许多章节，明显是围绕着特定等级考试的知识点深度来设计的，比如对于复杂记号的识别和处理，讲解得细致入微，连那些犄角旮旯的小知识点都没有放过。我特别对比了它和我们之前用的一些旧教材，这本书在更新上做得非常到位，紧跟了当前音乐教育界对基础理论的新要求。例如，在介绍二十世纪音乐元素时，它并没有回避那些较为前卫的理论，而是用相对浅显的比喻和清晰的图表，帮助我们理解这些听起来有些“怪异”的音响是如何构成的。这种“面向应用、服务于考级”的设计理念，让我在复习时倍感高效，每读完一章，都有一种“考点已掌握”的踏实感。它不只是教你“是什么”，更重要的是教你“怎么应对考查”。