王羲之墨迹集珍-1 无 9787548026402 江西美术出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 江西美术出版社

ISBN：9787548026402

商品编码：28777497726

出版时间：2014-03-01

书名	王羲之墨迹集珍-1
定价	59.00
ISBN	9787548026402
出版社	江西美术出版社
作者	无
编号	1200904438
出版日期	2014-03-01
印刷日期	2014-03-01
版次	1
字数	无
页数	122

'历代书法名迹传真大观一王羲之墨迹集珍'无目录。

普通成人

'王羲之墨迹集珍'遴xuan王羲之传世墨迹经典作品 适度放大 传真制版 原色精印。此外 从回归传统的角度 深层次剖析和阐述碑帖固有的艺术底蕴；从提高读者文化素质的角度 发掘碑帖文本的阅读价值。让读者通过重读书法经典 全面增强自己的书法文化素质。

翰墨丹青：中国传统绘画艺术的审美探析 内容简介 本书深入探讨了中国传统绘画，特别是文人画体系的审美特质、发展脉络及其在中华文化中的核心地位。全书以时间为轴，辅以主题分类，旨在为读者构建一个全面而深入的认知框架，理解中国画“以形写神”的独特艺术追求。 第一部分：笔墨精神与哲学根基 中国画的基石在于其深厚的哲学土壤，特别是道家“天人合一”的思想和儒家“修身齐家治国平天下”的入世情怀，共同塑造了画家的精神世界。 一、线条的生命力：骨法用笔的奥秘 不同于西方绘画对光影和体积的强调，中国画将线条视为构成万物的基本要素，是“气”的载体。本书详细剖析了中国画的“十八描”技法，着重阐释了“骨法用笔”的内涵。这不仅仅是技法层面的描摹，更是画家心性的体现。笔法的提、按、顿、挫，如同书法一般，蕴含着节律感和生命力。例如，描绘山石的皴法，如披麻皴、斧劈皴，不仅表现了岩石的质感，更传递出山川的雄浑或险峻，是画家主观情感的物化。 二、气韵生动：中国画的灵魂 “气韵生动”是谢赫“六法”之首，也是衡量中国画艺术成就的最高标准。本书通过对历代名作的分析，揭示了“气韵”是如何通过笔墨的虚实、浓淡、干湿等变化，在二维平面上营造出三维空间的意境和生命张力。它关乎于画家对自然万物的深刻理解，以及将这种理解瞬间凝聚于笔端的把握力。我们探讨了如何通过留白（计白当黑）的手法，引导观者的想象力，使画面在有限的画布上达到无限的意境。 三、文人画的兴起与审美转向 自唐代以来，随着士大夫阶层的崛起，绘画逐渐脱离了纯粹的工匠身份，转向精神层面的表达。本书重点分析了宋代苏轼提出的“论画以形似，见与鄙夫”的观点，确立了“写意”高于“写形”的审美取向。文人画追求的不是客观事物的逼真再现，而是借物抒怀，将诗词、书法、绘画融为一体，形成了“诗、书、画、印”四绝并重的独特艺术体系。这种将个人修养与艺术创作紧密结合的做法，是中国艺术史上的重要里程碑。 第二部分：山水画的境界营造 山水画是中国画中体系最为庞大、成就最为辉煌的门类。它不仅是风光记录，更是“可行、可望、可游、可居”的精神栖居地。 一、南北宗论辨与地域风格 本书梳理了元代董其昌提出的“南北宗”论，虽然现代学术界对其划分有所修正，但它清晰地指出了中国山水画发展的两条主要脉络：以王维、荆浩为代表的“北宗”（注重法度与气势），以及以董源、巨然为代表的“南宗”（注重墨韵与意境）。 二、历代山水巨匠的贡献 唐代： 李思训的青绿山水代表了盛唐的富丽堂皇，而王维的水墨山水则开启了写意的新纪元。 宋代： 范宽的雄伟、郭熙的“风雨”之变，将山水画的观察推向了极致的写实与写意结合。特别是南宋的马远、夏圭，通过“边角式”构图，营造出旷远萧疏的意境，强调了人与自然的相对尺度。 元代“四僧”与“四王”： 元代的山水画更注重笔墨的自身语言。倪瓒的“折带皴”体现了高士的孤傲与清逸；“四王”则通过对前人笔墨的系统性继承与整合，确立了清代山水画的典范。 三、图式的象征意义 山水画中的松、竹、梅（岁寒三友）、瀑布（生命的奔腾）、云雾（变幻无常），都承载着特定的文化寓意。本书分析了这些图式如何被画家用以寄托理想、规避时弊，成为士大夫精神寄托的视觉符号。 第三部分：花鸟画与人物画的写意之道 一、花鸟画的“寓意”与“写生” 花鸟画经历了从唐代注重装饰性到宋代院体对自然形态的精准捕捉，再到文人画的“写意”转变。宋徽宗的工笔花鸟代表了技艺的巅峰，而文同、赵孟頫等人的墨竹，则将竹子的虚心、有节、气节等品格，完全融入了笔墨之中。本书细致区分了工笔重彩、水墨写意两种路径的审美差异，强调了花鸟画中蕴含的生命哲学。 二、人物画的“传神” 人物画的最高目标是“传神”，即捕捉人物的内在精神和性格特征。本书回顾了顾恺之的“以形写神”理论，以及唐代吴道子“吴带当风”的动态表现力。宋代以后，人物画的重心逐渐转向对生活场景的描绘，如张择端的《清明上河图》，既是百科全书式的社会记录，也是高超的构图与造型艺术的体现。 第四部分：中国画的材料与技法体系 本书最后一部分聚焦于中国画独特的物质基础——笔、墨、纸、砚，以及由此衍生的水墨技法。 一、墨的层次与光影 中国画不使用色彩来塑造明暗，而是完全依赖墨色的变化。从焦、浓、重、淡、清五个层次，画家可以表现出无穷的体积感和空间深度。我们探讨了墨分五色的原理，以及如何通过润墨、积墨等技巧，使得画面呈现出浑厚的光泽与深邃的层次。 二、湿拓与干擦的张力 中国画的笔触往往带有强烈的主观能动性。湿润的笔触带来的晕染效果，体现了水墨的流动性与自然性；而干枯的笔触则展现了笔锋的力度与物体的苍劲感。这种对水与墨控制的精妙平衡，构成了中国水墨画独有的视觉张力。 总结 本书力求以清晰的学术脉络和丰富的图像分析，引导读者超越对中国画“不使用透视”的表层认知，深入理解其背后蕴含的宇宙观、人生观以及高度成熟的笔墨语言体系。它是一本致力于阐释中国传统绘画艺术魅力与深层文化价值的导读之作。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，学习书法，如同武学练功，必须寻觅到顶尖的“内功心法”。王羲之的墨迹，无疑就是这门艺术的最高心法之一。这本《集珍》，与其说是一本书，不如说是一个精心搭建的“碑帖数字化博物馆”。它提供的不仅仅是字形，更是对“法度”与“意韵”的精妙诠释。当我仔细比对着其中几页行书与小楷的对比时，我开始理解，为什么古代文人会如此推崇这种“中和之美”。它既有磅礴的气势，又有内敛的克制；既有率性的洒脱，又不失严谨的结构。每一次翻阅，都像是在对自己的书写习惯进行一次严格的“体检”，及时发现并纠正那些不知不觉中养成的陋习。它教会我的，是如何在“形”与“神”之间找到那个最完美的平衡点。

评分☆☆☆☆☆

从出版方的角度来看，江西美术出版社这次的出品，无疑是展现了其在艺术类出版领域的专业水准。装帧的考究，特别是对不同类型墨迹在光线下反射效果的处理，体现了对原作材质的尊重。我注意到，他们似乎在色彩还原上做了大量的校色工作，即便是最淡的“渴笔”部分，也依然能区分出墨色的层次感，这在以往的许多同类出版物中是难以企及的成就。对于收藏者而言，这不仅是一本临摹用书，更具备了较高的文献和收藏价值。我把它放在书房最显眼的位置，每当有朋友来访，我都会忍不住打开它，向他们展示几页。那种由内而外散发出的文化自信和艺术感染力，是任何语言都无法替代的，它安静地在那里，却拥有着强大的气场。

评分☆☆☆☆☆

最近一段时间工作压力较大，读书似乎成了奢侈。但我发现，只要翻开这本关于晋人风韵的画册，哪怕只是看上十几分钟，那种喧嚣浮躁的心态就能奇妙地沉淀下来。这可能就是传统艺术的魅力所在吧。我个人对魏晋风度有着莫名的偏爱，而王羲之正是那个时代精神的完美载体。这本集子里的作品，没有刻意追求工整，却处处透露着一种“天然去雕饰”的韵致。它不像某些唐楷那样规矩森然，反而充满了灵动的生命力，仿佛作者信手拈来，却是字字珠玑，篇篇精彩。我特别喜欢其中几件信札类的小品，那种日常的、不经意的书写，反而最能体现一个书法家的真实功力与性情。这感觉就像是偷窥了一位旷世高手的私密日记，充满了亲切感和真实的感动。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本以为市面上关于书圣的书籍已经够多了，很难再有能让我眼前一亮的作品。然而，这本画册的排版和选材角度，成功地颠覆了我的固有印象。它不只是一个作品的汇编，更像是一部视觉化的研究报告。比如，它对几幅关键作品的局部放大处理，简直是教科书级别的示范。那些我们肉眼难以察觉的“飞白”是如何形成，或是某些笔画起笔时的“侧锋”如何微妙地影响了整篇的气韵，通过高清晰度的印刷得以完美再现。这对于我们这些痴迷于书法技法、希望在“二王”体系中寻求突破的习书者来说，简直是无价之宝。我甚至发现了一些过去在老旧影印本中完全无法辨识的细节，这让我对那些流传千年的墨宝有了全新的认识。它强迫你慢下来，不仅仅是“看”，更是要用笔法思维去“读”每一根线条的生命轨迹。

评分☆☆☆☆☆

这本装帧精美的画册一入手，立刻就被那种沉甸甸的历史厚重感所吸引。纸张的质地处理得极佳，既能清晰展现出墨色的微妙变化，又透着一股典雅的书卷气。我尤其欣赏的是，编排者在选取“集珍”的这个角度上所下的功夫。它并非简单地罗列王羲之各个时期的代表作，而是似乎精心设计了一条时间脉络或者说是风格演变的路引，引导着读者去细细品味这位“书圣”笔下从青涩到炉火纯青的蜕变。那些看似随性挥洒的线条背后，蕴含着多么深厚的学养和对汉字结构近乎痴迷的探索精神。每一次临摹，哪怕只是对着图片揣摩一笔一画的提按顿挫，都像是一次与古人精神层面的对话，让人不由得感慨，真正的艺术是超越时空的，它不需要华丽的辞藻，仅凭这遒劲又灵动的墨痕，便足以震撼人心。这本书的装帧设计也值得称赞，简约而不失大气，完全衬托出了内文的重量，放在书架上，本身就是一件赏心悦目的艺术品。