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汤凯婷著 著

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出版社： 新华出版社

ISBN：9787501163052

商品编码：29867159265

包装：平装

出版时间：2004-01-01

基本信息

书名：认识肌肤认识美

定价：29.00元

作者：汤凯婷著

出版社：新华出版社

出版日期：2004-01-01

ISBN：9787501163052

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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“美”可以分为两个层次：一是外表上的打扮、修饰；二是品格上的修养。从美感来说，外表上的修饰属于“实在的美”，因为它是形象的，具可观性，而品格上的修养则属“性格的美”、“抽象的美”。

内容提要

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“世上没有丑女人，只有懒女人。”这句话也极为贴切，对“美”的追求确实是建立自信心好的方法。而自信则是展现魅力的*原动力，欲追求自信美，我们应该多方涉猎有关护肤保养、美容、色彩造型、美姿、美仪方面的知识，不断开拓心中领域，增进生活智慧，以展现个人自信的魅力。

目录

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基理篇
认识肌肤认识美
认识肌肤认识美
认识皮肤与其构造
了解你的皮肤属性
调理篇
常见皮肤问题与对策
青少年怕青春痘
二十五岁以后肌肤开始老化
黑眼圈与鱼尾纹怎么办？
为何黑斑比别人明显？
成人面疱不代表青春
护理篇
全方位做好保养工作
清洁是美肤步
肌肤补水、保湿非常重要
空气污染下怎么保养肌肤
冬季里如何做好肌肤护理
夏季肌肤当偏油性
小心化妆品过敏及排斥
美容需要均衡摄取七大营养素
把握晚间的美容时间
要肌肤美丽每天少运动20分钟
脸部按摩DIY
漫谈美
漫谈美
美姿与仪态
准备一面镜子
走出风度走出美
汤老师问答篇
美容知识专题问答
青春痘、粉刺不用愁
凹洞、疤痕恼人
怎样祛除难看的痣
黑斑、雀斑，还是寿斑？
有快速法吗？
化妆与保养品释疑
怎样让自己更美白
皮肤干、痒、脱屑怎么办？
怎样化妆才适合身分？
胸、眼与皱纹令人烦恼
毛发也是烦忧的根源
荷尔蒙
黑眼圈与多汗之苦

作者介绍

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汤凯婷，台北市人，从事美容护肤研究工作二十余年，不仅对肌肤生理学有精辟深入的研究和独到的见解，多年来在大众传播媒体担任美容专栏主任、主笔工作，并且在经营管理及美容教育等领域中声誉卓著。著者：《芳香精油使用手册》、《护肤彩妆DIY》、《肌肤青春不是梦》、《专业

文摘

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序言

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《光影流转：镜头下的百年影像变迁》 书籍简介 本书以时间为轴，横跨十九世纪中叶至二十一世纪初的百年光景，深度剖析了摄影技术、美学观念以及社会文化变迁如何相互交织，共同塑造了“影像”这一独特的艺术与信息载体。我们不再关注具体的皮肤护理或化妆技巧，而是将目光聚焦于光线、化学药剂、机械结构以及人类的视觉体验如何从早期的模糊记录演变为如今无所不能的数字表达。 全书分为六个主要部分，层层递进，力求展现摄影艺术从科学实验到主流媒介的完整演化历程。 第一部分：暗箱的幽灵——摄影术的黎明（1830s – 1880s） 本章探讨摄影术诞生之初的混沌与狂热。我们首先回顾“暗箱”这一古老光学原理在文艺复兴时期的应用基础，并详细解析尼埃普斯、达盖尔和塔尔博特等先驱者在化学感光材料上的突破。重点剖析达盖尔银版法的精细度与不可复制性，以及湿版法的普及对肖像摄影带来的革命性影响。 这不是关于如何美化面容的论述，而是关于“如何固化瞬间”。我们深入研究早期肖像摄影工作室的布景哲学，这种哲学强调庄重、永恒和身份的象征，而非现代意义上的“上镜”。照片中的人物通常表情严肃，这并非因为他们不开心，而是受限于当时漫长的曝光时间，要求身体的高度静止。本章还将讨论植物学家、旅行家和探险家如何利用笨重的照相机记录异域风光与自然界，首次将远方的景象以“客观”的方式带回欧洲。 第二部分：胶卷的解放——大众化的开端（1880s – 1920s） 乔治·伊士曼和柯达公司的出现是摄影史上的关键转折点。本章详细阐述了干版技术取代湿版技术的历史意义——它将摄影从化学实验室解放出来，推向了更广阔的社会空间。 “你只管按快门，剩下的交给我们。”这句广告语的背后，是摄影权力的转移。相机不再是专业人士的专属工具，家庭相册开始兴起。然而，早期的柯达照片，受限于胶片质量和镜头工艺，往往带着一种粗粝的、未经雕琢的朴素感。我们着重分析此时期的“快照”（Snapshot）文化萌芽，以及这种即时性对传统肖像构图规范发起的第一次冲击。此外，本章还梳理了此时期新闻摄影的初步发展，关注其作为“证据”的潜力，而非单纯的艺术表达。 第三部分：流动的凝视——现代主义与纪实精神（1920s – 1950s） 随着徕卡等小型、快速相机的普及，摄影的视角和速度都得到了极大的提升。本章聚焦于现代主义运动对摄影美学的影响，特别是“新客观性”（New Objectivity）和“直摄法”（Straight Photography）的兴起。 我们深入探讨阿尔弗雷德·史蒂格利茨、爱德华·韦斯顿等大师如何坚持“摄影应该忠实于其媒介特性”，拒绝模仿绘画，追求清晰的细节和精准的曝光。同时，我们将大量篇幅用于分析“大萧条”时期（如福特基金会的项目）的社会纪实摄影。这些摄影师（如沃克·埃文斯、多萝西娅·兰格）并非试图“美化”贫困，而是以一种冷峻、富有同情心的观察，记录底层人民的生活状态、住所的结构和他们衣着的磨损。这里的“美”是存在的真实性，是对社会结构问题的视觉批判。 第四部分：战火中的快门——新闻纪实与权威性（1940s – 1970s） 二战及其后的冲突塑造了我们对世界事件的集体记忆。本章分析了战地摄影的兴起，以及《生活》《图片邮报》等大型图文杂志如何通过图像编辑和排版，构建全球性的叙事框架。 这时期，摄影师如罗伯特·卡帕等，他们的工作重心在于如何用一张照片传达战争的混乱、个体英雄主义或残酷的现实。我们审视了照片的“真实性”在媒体放大下的复杂性——构图、裁剪甚至是在特定时间点按下的快门，都在赋予事件特定的情感色彩。我们分析了诸如“决定性瞬间”的理论如何被应用于新闻事件的捕捉，它强调的是对事件高潮的精准预测和捕捉，而非对人物面部细节的精细修饰。 第五部分：主体的反思——后现代的解构与重塑（1970s – 1990s） 随着杜尚、沃霍尔等艺术家对艺术边界的挑战，摄影开始进行深刻的自我反思。本章探讨了观念摄影和行为艺术对传统纪实和肖像摄影的冲击。 辛迪·舍曼的《无题电影剧照》系列是本章的核心案例。舍曼通过扮演各种刻板印象中的女性角色，暴露了媒体和文化如何建构“女性形象”。这与关注个体面部特征的美容实践背道而驰，它探讨的是“被观看的姿态”是如何被提前设定好的。此外，我们也分析了安德里安·古斯基等利用大型格式相机拍摄现代消费主义景观，揭示宏大建筑和商业空间的异化感。此时的“美”已不再是表面的和谐，而是对权力结构和视觉符号学的批判性解构。 第六部分：像素的洪流——数字时代的影像泛滥（2000s 至今） 本书最后一部分审视了数字技术对摄影本质的颠覆。CCD/CMOS传感器的普及、单反向微单的迭代，以及智能手机的登场，使得“图像获取”的门槛几乎归零。 我们探讨了数码后期处理（如Photoshop的早期发展）如何模糊了“拍摄”与“创作”的界限，使得图像的客观性面临前所未有的挑战。与关注“如何拍好一张脸”不同，本章关注的是“信息过载”的时代特征：图像的快速生产、即时传播和极快的遗忘速度。社交媒体的兴起，使得人人成为“自我的策展人”，这是一种新的、持续性的自我呈现，但其背后的逻辑是算法推荐而非传统意义上的审美构建。本书以对“算法之眼”的警惕作结，思考在数据驱动的视觉生态中，人类的观看习惯将如何被进一步重塑。 --- 本书旨在为读者提供一个宏大、系统的图像文化史框架，帮助理解我们周围充斥的影像是如何一步步走到今天的，探究镜头如何记录、建构和颠覆我们所认知的世界结构。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，这本书的深度远远超出了我的初始预期，我原本以为它会是一本关于“如何打理外表”的实用指南，结果它却是一部关于“如何打理内在感知”的深刻论述。作者的笔触非常老练，他深知如何用日常生活的片段来佐证宏大的理论。比如，书中通过分析一场光线极差的电影的某个镜头，来论证“不完美信息”在激发人类想象力方面的重要性，这个例子极其精妙，让我瞬间理解了为什么那些过于完美无缺的事物反而缺乏持久的魅力。更重要的是，这本书带给我的不是关于“变美”的焦虑，而是关于“如何更好地存在”的思考。它最终指向的不是一个固定的、外在的美的终点，而是一个持续的、向内的探索过程。读完后，我没有急着去购买任何产品，而是花了一个下午，仅仅是坐在窗边，观察阳光穿过玻璃折射出的光斑在墙上移动的轨迹。那种安静的、专注的凝视，就是这本书所能给予的最宝贵的礼物——重新发现世界鲜活生命力的能力。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书的瞬间，我就被它那种近乎诗意的排版和插图设计所吸引。与其他严肃的理论书籍不同，这本书在视觉呈现上做了大量的留白和留白之外的“留白”。大量采用的黑白摄影作品，那些光影对比强烈的画面，与其说是用来解释文字，不如说它们本身就是一种沉默的宣言。我特别喜欢作者在描述某个特定场景时，会插入一段极短、仿佛只是一句低语般的文字，然后紧接着就是一页大幅的、没有任何注释的图像。这种“言不尽意，意在言外”的处理方式，极大地激发了读者的主体性。我不是被动地接收信息，而是在文本和图像的对峙中，自己去构建意义。比如，书中有一段讨论“时间感”如何影响我们对建筑的感知，文字描述的极其抽象，但配图却是一张布满青苔的石阶，那种时间的重量和苔藓的生命力交织在一起，比任何文字说明都更有说服力。这本书读完后，我甚至开始重新审视自己的照片库，学着去捕捉那些“一瞬间的永恒”，而不是仅仅记录事件本身。

评分☆☆☆☆☆

老实说，这本书的阅读体验是一场智力上的马拉松，它绝对不是那种可以窝在沙发上轻松翻阅的消遣读物。作者的行文风格非常严谨，每一个论点的提出都建立在扎实的跨学科引用之上，从现象学哲学到神经科学的最新发现，再到古典艺术史的案例分析，知识密度高到让人需要频繁停下来查阅背景资料，甚至需要拿出笔在旁边做大量的笔记和思维导图。我个人感觉，这本书更像是一部学术专著的通俗化尝试，它试图用一种接近科普的方式，去解构那些过去被认为是“天赋”或“灵感”的东西。我尤其对其中关于“审美疲劳”的章节印象深刻，作者用极其理性的模型解释了我们为什么会厌倦一种既定的美感，以及如何通过引入“适度的陌生感”来维持长久的欣赏能力。这种解构过程虽然耗费脑力，但一旦理解了背后的逻辑机制，再回过头去看那些艺术作品或者自然景观，你会发现自己的“评判系统”被彻底重置了。它要求读者投入极大的认知努力，但回报也是丰厚的——一种更具穿透力的洞察力。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的书，拿到手里就感觉沉甸甸的，光是封面设计就很有讲究，那种素雅中透着一丝神秘感的色调，让人忍不住想一探究竟。我通常对这类涉及“美学”和“感官体验”的书籍抱有一种既期待又审慎的态度，毕竟“美”这个概念太形而上了，很容易流于空泛的辞藻堆砌。然而，这本书的开篇并没有急于抛出宏大的理论，而是从最基础的、最触手可及的感官输入入手，比如光线的角度如何微妙地改变我们对一个物体的认知，或者某种特定纹理的触感如何唤起我们深层的记忆联想。它没有直接告诉我“什么是美”，而是巧妙地引导我重新审视那些我习以为常的日常细节。我特别欣赏作者那种近乎人类学家般的观察视角，仿佛在解剖每一个细微的感知过程。读到中间部分时，我甚至停下来，特意去触摸了家里的旧木桌和新买的玻璃杯，试图用书中提到的那些复杂的术语去描述我的感受，那种将日常体验提升到哲学思辨层面的感觉，非常过瘾。整本书的叙事节奏把握得相当精准，像是一位经验丰富的向导，不急不躁地领着你穿越一片布满感知陷阱的迷宫，让你在不知不觉中，对“美”的理解开始建立起自己的参照系，而不是盲目接受既有的标准。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事线索非常清晰，它不是一本面面俱到的百科全书，而更像是一部带有强烈个人色彩的“方法论”手册。作者的核心观点是，我们对“美”的体验，本质上是一种有目的的、可训练的观察行为。他没有谈论化妆品、护肤程序或者时尚潮流，而是将讨论的场域拉升到了我们如何“观看”世界、如何“处理”视觉信息的高度。书里用了大量的篇幅来分析不同文化背景下的审美差异，特别是对东方哲学中“空”与“留白”的理解，进行了深入浅出的阐释，这对我一个习惯了西方具象表达的读者来说，提供了全新的思维框架。读到后半部分，我发现自己看东西的方式都变了，走路时会不自觉地计算树木的疏密关系、分析街道上色彩的饱和度，甚至在和人交谈时，也会留意对方面部表情的微妙转瞬。这已经超出了单纯的“知识摄入”，更像是一种认知模式的升级，迫使我从“知道”转向“体验”，从“被动接受”转向“主动建构”。