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东方·卓越主编 著

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出版社： 同心出版社

ISBN：9787805935171

商品编码：10127521420

出版时间：2015-11-01

作  者:东方·卓越 主编 著作 定  价:29.8 出 版 社:同心出版社 出版日期:2015年11月01日 页  数:160 装  帧:平装 ISBN:9787805935171 ●课简谱概述
●一、简谱起源
●二、音的概况
●三、简谱记谱法
●综合练习
●音乐小知识
●第二课记谱符号
●一、音名与唱名
●二、音符与休止符
●三、四分音符与四分休止符
●四、节拍与节奏
●五、拍子与拍号
●六、小节、小节线与终止线
●七、四二拍子
●八、连谱号与连音线
●综合练习
●活学活用
●音乐小知识
●第三课音的高低
●一、乐音体系
●部分目录

内容简介

《简谱入门基础教程》共有十九课，每课由正文、综合练习、活学活用、音乐小知识几部分组成。其中，综合练习多为理论、概念性练习，音乐小知识以故事的形式，让读者在学习之余，了解有关的音乐知识。在书的*后，有综合全书的附录及练习答案以供参考。在内容安排上，全书大体分五部分：**部分，以记谱符号及音的三大物理属性为出发点，讲解简谱的*基本知识。第二部分，重点讲解附点、连音符、切分音及装饰音，这部分内容是基础知识的延伸。音程，被许多学习乐理知识的朋友视为难点，因此，在第三部分用了四课时'循序渐进地对音程的相关知识进行讲解。第四部分，是关于调的基础知识，这部分采用了对比的方法，让读者在西洋大小调与我国民族调式的比较中学习，进而得以掌握。第五部分，简谱、五线谱对译。目前世界上流传*广、运用*多的记谱方式就是简谱与五线谱。两者之间有着许多相通点，可以融汇贯通。

弦音秘境：古典吉他演奏技巧的深度探索 图书简介 《弦音秘境：古典吉他演奏技巧的深度探索》并非一本面向初学者的乐理入门读物，它更像是一部献给那些已经掌握了基础指法、渴望在古典吉他艺术的殿堂中迈向更高层次的演奏者、音乐学院学生以及资深爱好者的技术圣经。本书聚焦于古典吉他演奏中那些最精微、最常被忽视，却又对音色塑造和音乐表现力产生决定性影响的专业领域。它摒弃了对基本音符和节奏概念的重复讲解，转而深入剖析了成熟演奏家们如何通过对右手技巧的精细控制，实现对音色、力度和乐句的雕琢。 第一部分：精微触弦：右手技艺的解构与重塑 本部分是全书的核心，详细解析了古典吉他演奏中右手技术的科学原理与美学应用。 1. 拨弦角度与指甲的声学物理学： 我们将超越“T-I-M-A”的简单标记，探讨指甲、指肉接触琴弦时的精确物理角度（入射角与反射角）如何影响泛音的产生与衰减。书中包含了大量的显微照片和声波频谱图，对比分析了不同指甲形态（例如，椭圆形、方形、斜切角）在演奏不同类型音乐（如巴赫的复调音乐与塔雷加的浪漫主义作品）时，对音色“亮度”和“温暖度”的微妙影响。我们还将深入探讨“自由拨弦”（Tirando）与“靠弦拨弦”（Apoyando）在动态范围和音色密度上的理论差异，并提供一套系统性的练习方案，帮助演奏者在同一首练习曲中，实现两种音色的瞬时切换，以应对复杂的对位要求。 2. 节奏律动的“弹性”与“内在节拍”： 节奏不仅仅是准确的时值。本章着重于“时间感”的弹性处理，即 rubato（自由速度）的艺术。书中引入了“内在节拍感”的概念，强调演奏者如何在大脑中建立一个比节拍器更具人性化波动的律动核心。我们详细分析了德彪西和拉威尔作品中对节奏自由度的要求，以及如何通过对高音区和低音区声部拨弦时值的微小提前或延迟，来凸显旋律线条的呼吸感，而非僵硬的机械计时。 3. 多声部线条的独立性与“听觉分离”： 对于巴洛克音乐的演绎，清晰的对位是关键。《弦音秘境》提供了一种独特的“视觉化听觉训练法”。通过对手指触弦点在指板上的精确位置（靠近音孔与靠近琴码）的控制，训练演奏者在同一根琴弦上，通过不同力度的拨弦，区分出主旋律与伴奏声部。书中列举了多段巴赫赋格的分解练习，指导演奏者如何用“更尖锐”的音色拨响主旋律，而用“更圆润”的音色烘托背景声部，从而达到“一架吉他演奏出两把乐器”的效果。 第二部分：音色雕琢：从手指到木材的声学之旅 本部分侧重于对音色（Timbre）的深度控制，这被认为是区分普通吉他手与大师的关键。 1. 动态范围的极限：PPP到FFF的精确控制： 现代吉他演奏对动态范围的要求极为苛刻。本书提供了一套基于感官反馈的动态练习系统。我们探讨了“如何用最小的指力拨出清晰的PPP（极弱）音符，而不产生空气声”，以及“如何通过优化靠弦的深度与速度，实现饱满而不失真的FFF（极强）音色”。书中引入了对指肉与琴弦接触时间（Contact Time）的分析，证明了延长接触时间并不能单纯地增加音量，反而会使音色“发扁”。 2. 颤音的深度与周期： 颤音（Tremolo）是展现吉他表现力的重要手段，但书中强调的不是速度，而是“周期性”和“均匀性”。我们详细剖析了不同作曲家对颤音的偏好（例如，塞戈维亚对持续、均匀的“波浪感”颤音的追求，与现代演奏家对节奏化、分离式颤音的尝试）。提供了基于节拍器节奏变化的颤音训练法，旨在消除手指间的微小不协调导致的“颤抖不均”现象。 3. 和弦的“内在和声”构建： 演奏一个和弦，并非简单地同时拨响所有琴弦。本书深入研究了和弦内声部的“进入时间差”。通过对拨弦顺序的微调，我们探讨如何让根音比其他音符稍微提前进入，从而在听觉上建立一个更稳固的和声基底，避免和弦听起来“松散”。书中专门分析了西班牙吉他音乐中，如何利用琶音（Arpeggio）技巧来模拟曼陀林或班卓琴的扫弦效果，同时保持古典吉他的音色纯净度。 第三部分：舞台应用与音乐诠释 在掌握了技术之后，如何将其融入富有生命力的音乐表达中，是本书的最终目标。 1. 呼吸感与乐句的收尾： 分析了如何将管乐器或人声的“呼吸”概念移植到吉他上。重点在于乐句的“结束处理”。我们研究了尾音的衰减方式（Diminuendo）——如何通过快速提升指甲与琴弦的接触角度，使音符的消逝听起来像一个自然而然的叹息，而非突兀的截止。书中包含了对多段维拉-洛勃斯练习曲中乐句收尾处理的详细谱例解析。 2. 不同历史时期演奏风格的迁移： 本部分不再局限于单一的西班牙浪漫主义风格。它对比了早期浪漫主义（如索尔、费尔南多·索尔）强调的清晰、歌唱性的线条，与20世纪中叶“吉他复兴运动”后，对音色色彩和和声复杂性的强调。书中提供了针对巴赫作品时，如何运用更少的靠弦、更注重指肉触感的演奏指南，以期达到接近鲁特琴的内敛音色。 3. 演奏记忆与心理准备： 区别于基础教程的“识谱”，本书探讨了“演奏记忆”的结构性建立。它侧重于“技术记忆链”的构建，即如何将复杂的指法组合转化为肌肉的本能反应，从而将演奏者的注意力完全解放出来，投入到音乐的诠释之中。针对舞台上的突发状况（如环境噪音、指甲轻微损伤），提供了基于生理学和心理学的即时调整策略。 《弦音秘境》旨在成为古典吉他学习者在掌握了“如何弹奏”之后，寻求“如何弹得更好、更有深度”的进阶阶梯。它要求读者已经具备扎实的识谱和基础技巧，是一部面向严肃音乐探索者的技术参考书。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是把我从完全的乐盲变成了一个能跟着旋律哼唱，甚至尝试自己写点小曲子的小白！我之前对音乐总是有种“远观而不可近玩”的感觉，总觉得乐谱那密密麻麻的符号像外星文一样，看一眼就头大。但这本书真的太友好了，它没有一开始就堆砌一大堆枯燥的理论，而是从最基础的音符、节拍开始，用非常形象的比喻和通俗易懂的语言来解释。我记得它讲到“四分音符”的时候，居然用了“一口气唱一个字”来类比，一下子就明白了！然后是“拍子”，书里画了很多小人儿打拍子，还有“哒哒哒”的声音提示，让我感觉学习过程不是在死记硬背，而是在玩一个有趣的节奏游戏。最让我惊喜的是，它还介绍了不同乐器的简谱记法，虽然我还没开始学乐器，但了解这些让我觉得音乐的世界更立体了，仿佛看到了各种乐器在我的脑海里演奏出不同的旋律。而且，书里有很多练习题，都是从易到难，我每次做完都能获得满满的成就感，这种循序渐进的学习方式，真的让我对学习简谱燃起了极大的兴趣。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，这本书在讲解音乐理论方面做得非常到位，虽然是入门级的，但一点都不马虎。我尤其喜欢它关于“调性”和“拍号”的阐述，以前觉得这些概念很抽象，但在书里，它通过大量的图示和实例，把它们讲得明明白白。比如，在讲解“大调”的时候，它没有仅仅给出音阶的组成，还解释了大调的“明亮”、“愉快”的听感，这让我瞬间就明白了为什么不同调的歌曲听起来感觉不一样。还有“拍号”，它不光解释了上面的数字代表什么，下面的数字代表什么，还结合了不同拍号下的节奏型，让我能直观地感受到不同拍号下的律动感。最重要的是，这本书在讲解乐理的同时，并没有忽视音乐的“表现力”。它会告诉你，理解了这些乐理知识，如何能更好地去“解读”一首曲子，比如通过乐谱中的力度标记、表情符号来体会作曲家的情感。这种将理论与实践相结合的方式，让我觉得学习简谱不仅仅是学会认谱，更是学会如何去“听”和“理解”音乐。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，学习任何技能，最关键的就是要找到适合自己的方法，而这本书恰好给了我这样的“方法论”。它在讲解每个知识点的时候，都会提供多种理解和记忆的角度，而不是死板地只说一种。比如，在讲到“休止符”的时候，它不仅给出了各种休止符的时值，还强调了休止符在音乐中的“呼吸感”和“空间感”，让我明白休止符不仅仅是“停顿”，更是音乐表达的一部分。而且，这本书特别注重“应用”，每一个章节的末尾都有相应的练习，这些练习题的设计非常巧妙，都是从实际乐曲中提取的片段，让我能立刻将学到的知识运用到实践中。我尝试着跟着书里的例谱，用我的手指（虽然还没有乐器，但会在桌子上模拟）去“弹奏”，那种感觉真的很有成就感。这本书让我明白，学习简谱不是为了应付考试，而是为了能真正地去“玩”音乐，去创造属于自己的音乐。

评分☆☆☆☆☆

我是一个音乐的“发烧友”，虽然之前没有系统学习过乐理，但一直对音乐充满了热爱。我平时会听大量的古典乐、流行乐，甚至是一些民族音乐。这本书的出现，真的像是为我打开了一扇新的大门。它没有让我从头开始学习那些我早已在音乐中听到过的旋律，而是让我能够“解析”这些旋律背后的规律。我尤其喜欢它在讲解“乐句”和“乐章”的时候，那种分析音乐结构的方式，让我能够更深入地理解一首作品是如何构建起来的。它会引导你去体会乐句之间的连接、乐章之间的对比，甚至是一种旋律在不同乐章中如何发展和变化。这让我不再是作为一个被动的聆听者，而是能够主动地去“品味”音乐的每一个细节。这本书的深度和广度，远远超出了我原本的期待，它让我对音乐的理解进入了一个全新的层次。

评分☆☆☆☆☆

这本书的设计感也太棒了吧！我拿到手的时候就被它清爽的封面吸引了，打开后发现内页排版也是我喜欢的风格，字迹清晰，留白也恰到好处，看着一点都不费眼睛。而且，它在插图方面也下了功夫，那些小小的漫画和流程图，真的让原本可能有些枯燥的音乐符号变得生动有趣。我记得在讲解“升降号”的时候，它画了一只小兔子在音符上跳来跳去，来表示音高的变化，一下子就形象化了。还有一些乐理概念的解释，都配有彩色的图表，让复杂的知识点一目了然。我特别喜欢它在章节的结尾处都设计了“小贴士”或者“思考题”，这些小小的互动设计，让我感觉书本像一个耐心的老师，一直在引导我思考和巩固。总的来说，这本书在视觉呈现和互动设计上都做得非常出色，让我在阅读的过程中获得了很好的体验。