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张巍 著

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出版社： 武汉大学出版社

ISBN：9787307083332

商品编码：1026390811

出版时间：2011-01-01

作  者:张巍 著作 定  价:26 出 版 社:武汉大学出版社 出版日期:2011年01月01日 页  数:264 装  帧:平装 ISBN:9787307083332 ●  古代音乐
●  音乐的起源
●第二节  早期文明社会的音乐
●第三节  古希腊的音乐
●一、古希腊的音乐理论
●二、古希腊的乐器
●三、古希腊的音乐思想
●四、古希腊的悲剧艺术
●第四节  古罗马的音乐
●
●第二章  中世纪的音乐
●  中世纪的音乐概况
●第二节  格里哥利圣咏
●第三节  教会调式
●第四节  记谱法的演进
●第五节  复音音乐的兴起
●第六节  世俗音乐的发展
●一、游吟诗人
●二、恋歌诗人
●三、名歌手
●部分目录

内容简介

《西方音乐史(第3版)》为通史性著作，共十章，介绍了从远古Y~J20世纪末西方音乐的发展过程。涉及音乐起源、古希腊与罗马的音乐；中世纪格里哥利圣咏、复音音乐的兴起与  “新艺术”；文艺复兴时期的勃艮第等乐派和宗教音乐；巴洛时期意大利、法国、英国、德国和奥地利的歌剧与其他大型声乐、器乐，以及以巴赫、亨德尔为代表的作曲家的创作；古典主义时期格鲁歌剧改革、器乐以及维也纳古典乐派的音乐；浪漫主义早期作曲家的创作、民族乐派的兴起和繁荣．以及欧洲各国晚期浪漫主义的音乐创作；印象主义时期德彪西等人的音乐；20世纪的各种现代流派与作曲家的音乐创作。 

弦音的流转与时代的共振：一部跨越时空的音乐史诗 《西方音乐史（第3版）》 以外，我们打开另一扇通往人类精神与文化深层结构的窗口，去探寻那些与《西方音乐史》的叙事主线并行或交织，却又拥有自身独特光芒的音乐图景。 这部未命名的音乐史著作，将聚焦于非西方主要音乐文化圈的深度考察与比较美学研究。它摒弃了以欧洲中世纪至二十世纪为核心的线性发展模式，转而采取一种全球视野，旨在重建一部真正意义上的“人类音乐地理学”全景图。 --- 第一编：东方之声的根基——古代文明的音律遗产 本篇将深入探讨在欧洲音乐尚处于萌芽阶段时，亚洲、非洲及美索不达米亚地区业已形成的成熟音乐体系。我们的叙事不再是简单的“异域风情”罗列，而是对其理论结构、社会功能与哲学内涵的严谨考证。 第一章：印度古典音乐的“拉格”与“塔拉”宇宙 我们将详细剖析印度南、北两大传统（卡纳提克与印度斯坦尼）的精妙之处。不同于西方基于十二平均律的垂直和声结构，印度音乐的精髓在于旋律的无限展开与微小音程的运用（休提，Śruti）。 拉格（Rāga）的结构与情感谱系： 分析至少五十种重要拉格的音阶排列、上行与下行规则，以及它们与特定时间、季节和情感（Rasa）的对应关系。这不仅仅是音符的组合，更是冥想与精神体验的载体。 塔拉（Tala）的节奏迷宫： 探讨复杂的复节奏循环系统，例如十四拍子的Jhaptal或十六拍子的Tintal，及其在即兴演奏中如何实现时间感知的弹性拉伸与压缩。我们将使用详细的数学模型和口头传统记谱法（Sargam）来呈现其复杂性。 犍陀罗（Ghandarva）与世俗音乐的张力： 考察古代圣歌传统如何演变为今日的宝莱坞电影配乐，揭示文化变迁对音乐形式的渗透。 第二章：中国传统音乐的“礼乐”与“气韵” 本篇将把重点放在中国音乐的形而上学基础——天人合一的思想如何体现在音高、调式和乐器制造上。 律学的奥秘： 从《史记·律书》溯源，解析十二律、五声、七音的生成逻辑，以及“宫商角徵羽”如何映射宇宙的秩序。探讨古代律管的制作精度及其在政治仪式中的意义。 器物世界的密码： 对古琴进行专项研究，剖析其“散、泛、按”三大技法体系，以及“七弦之义”所代表的文人精神。同时，对比编钟在不同朝代音高体系中的演变，尤其关注编钟在“雅乐”复兴中的争议。 戏曲的综合艺术： 聚焦昆曲与京剧的板式结构与锣鼓点（鼓板），揭示这些高度程式化的元素如何服务于叙事，而非仅仅是伴奏。 第三章：中东与北非：阿拉伯“玛卡姆”的即兴哲学 本章将深入解析伊斯兰世界的音乐核心——玛卡姆（Maqam）系统，将其视为一种超越西方调式的色彩与情绪管理工具。 音程与微调： 详细解释四分之三音（Quarter Tone）在乌德琴（Oud）和卡农琴（Qanun）上的实现，以及这些微小音程如何创造出独特的听觉景观。 即兴的规则与自由： 分析“塔克西姆”（Taqsim）的结构，即演奏者如何在既定的玛卡姆框架内，进行个人情感的表达和技巧的展示，探讨这种“有界限的自由”对演奏者提出的要求。 --- 第二编：海洋与森林的旋律——非洲、太平洋与美洲的原生音乐 本编的叙事重心转移到功能性与社群性的音乐实践，强调音乐在生活、仪式与历史传承中的不可分割性。 第四章：非洲鼓点的社会语法 本书将非洲音乐视为一个多样的整体，但集中分析了西非和中非地区多节奏重叠（Polyrhythm）的复杂结构及其社会功能。 节奏的对话： 阐释如何通过不同速度、不同模式的鼓点组合（如Ewe或Yoruba的节奏模式），实现群体间的“对话”与“协调”。节奏不再是时间标记，而是语言和信息载体。 乐器与社会身份： 考察科拉琴（Kora）、姆比拉（Mbira）等乐器在吟游诗人（Griots）传统中的作用，以及它们如何作为口述历史的“硬盘”。 第五章：美洲原住民的自然之音 本章聚焦于北美大平原印第安人和中美洲的祭祀音乐。 呼唤与回应： 分析“歌唱棒”（Song Stick）和骨哨的使用，探讨其音乐形态（通常是简单的五声音阶或四声音阶）如何直接服务于狩猎、战争或治愈仪式。 仪式与转换： 考察南美安第斯山脉地区（如秘鲁、玻利维亚）的排箫（Siku）与竖笛（Quena）音乐，分析其在气候变化和殖民影响下所经历的文化韧性与适应。 --- 第三编：比较美学与现代语境 最后一部分，本书将不再仅仅是描述性的，而是进行理论层面的交锋。 第六章：和声与非和声：结构差异的哲学解读 本章将直接对比西方功能和声体系与非西方主要旋律体系的底层逻辑差异。 垂直与水平的张力： 探讨西方音乐对“张力解决”的追求，与印度、中东音乐对“旋律延长”的偏好之间的根本区别。这不仅仅是技术问题，更是时间观和存在感的不同表达。 噪音与音乐的边界： 考察日本雅乐（Gagaku）中的“余音”（Jo-ha-kyū）概念，以及如何通过慢速的、非和谐的音响来营造一种“空间的音乐”，这与西方音乐中对“不和谐音”的处理方式形成鲜明对比。 第七章：全球化时代的音乐融合与身份重塑 本章探讨二十世纪以来，全球化对这些古老音乐体系的冲击与滋养。 后殖民语境下的传统继承： 研究当代作曲家（如日本的武满彻、印度的拉维·香卡等）如何在面对西方现代主义和爵士乐的影响时，重新诠释和激活本民族的音乐语言。 数字时代的“档案”与“现场”： 讨论录音技术如何改变了原本依赖口传心授的音乐的权威性与即时性，以及新兴的音乐社群如何利用互联网进行跨文化传播。 这部著作旨在为读者提供一个多维度的听觉框架，超越“哪种音乐更高级”的价值判断，转而欣赏每一种文化在其特定历史与哲学背景下所能达到的结构复杂性与精神深度。它是一部关于“人类如何组织声音来理解世界”的宏大编年史。

评分☆☆☆☆☆

作为一名音乐爱好者，我一直在寻找一本能够真正引发我思考的音乐史书籍。《西方音乐史(第3版)》无疑给了我这样的惊喜。它不仅仅是一本关于音乐的“故事书”，更是一本充满智慧的“思想录”。书中对于不同时期音乐所承载的社会功能和哲学思想的探讨，让我耳目一新。例如，书中对宗教音乐在传播教义、构建社群方面的作用的分析，让我看到了音乐的社会价值；对启蒙运动时期音乐如何体现理性与秩序的阐释，让我明白了古典主义音乐的深层内涵。这本书的独特之处在于，它鼓励读者进行批判性思考，不仅仅是接受作者的观点，而是能够通过对史料的分析和对音乐本身的理解，形成自己的判断。在阅读过程中，我常常会停下来，结合自己听过的音乐，去验证书中的观点，这种互动式的阅读体验，让我受益匪浅。书中对20世纪音乐的介绍也相当有份量，对于那些我曾经觉得难以理解的现代派作品，通过这本书的梳理，我似乎找到了理解它们的一把钥匙，也让我对音乐的边界有了更深的认识。总之，这本书不仅增长了我的知识，更重要的是，它激发了我对音乐本体更深层次的思考，让我对音乐的理解进入了一个新的境界。

评分☆☆☆☆☆

这本书实在是太棒了，我是一个对西方音乐充满好奇的初学者，一直想找一本能系统梳理音乐发展脉络的入门读物。《西方音乐史(第3版)》完全超出了我的预期！它以一种非常清晰易懂的方式，从古希腊时期一直讲到20世纪，每个时期都划分得很明确，让我不会感到迷茫。我尤其喜欢它对每个重要时期音乐风格、代表人物以及代表作品的介绍。读这本书的时候，我感觉就像在穿越时空，亲身经历着音乐的演变。比如，在讲到中世纪音乐时，它详细介绍了格里高利圣咏的特点，以及复调音乐的早期萌芽，让我对那个时期的音乐有了生动的想象。然后到了巴洛克时期，书中对巴赫、亨德尔等作曲家的介绍，以及他们作品的分析，让我对那个时期华丽而严谨的音乐风格有了深刻的认识。我还在书中看到了关于歌剧诞生和发展的过程，这对我理解很多古典音乐作品的结构非常有帮助。它不仅仅是罗列史实，更重要的是，它引导我理解了音乐是如何与社会、文化、宗教等因素相互影响的，这种宏观的视角让我对音乐的理解更加深刻。书中的插图也很丰富，虽然我还没有全部细看，但看到一些乐谱片段和历史图片，就感觉更加直观了。总之，对于想系统了解西方音乐史的读者来说，这本书绝对是一个不容错过的选择。它打开了我探索音乐世界的大门，让我对未来继续深入学习充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我一开始拿到这本《西方音乐史(第3版)》时，并没有抱太大的期望，觉得音乐史这种东西，听起来就枯燥乏味，无非就是一些日期、人名和作品列表。《西方音乐史(第3版)》却完全颠覆了我的看法。这本书的叙述方式非常生动，它不像一本冷冰冰的教科书，更像是一个经验丰富的向导，带着你踏上一段精彩的音乐之旅。作者的笔触非常细腻，他不仅仅是讲述“发生了什么”，更重要的是解释“为什么会这样”。比如，在分析某个时期音乐风格转变的原因时，他会深入到当时的社会背景、哲学思潮甚至技术进步，让我明白了音乐的发展并非是孤立的，而是与人类文明的进程紧密相连。我特别欣赏的是书中对不同时期音乐美学思想的探讨，比如浪漫主义时期那种对个人情感的极致抒发，以及印象派音乐如何试图捕捉转瞬即逝的感受。这些深入的解读让我不再仅仅是“听”音乐，而是开始“理解”音乐。书中的一些乐曲分析也很有见地，它能帮助我发现一些我之前忽略的音乐细节，让我对一些熟悉的曲目有了全新的认识。读这本书的过程，本身就是一种享受，我感觉自己不仅仅是在学习知识，更是在提升自己的音乐品味。

评分☆☆☆☆☆

我一直对古典音乐情有独钟，但总觉得自己的知识体系有些零散，尤其是在西方音乐史的梳理上，总感觉缺了那么一块。《西方音乐史(第3版)》的出现，正好填补了我的这个空白。这本书的编排非常有逻辑性，从最早的记谱法开始，一路讲到20世纪的现代音乐，每个阶段的过渡都非常自然。我喜欢它在介绍每个时期的时候，都会先简要地概括当时的历史文化背景，然后再深入到音乐本身。这种方式让我能更好地理解音乐风格是如何在特定的社会环境下孕育出来的。比如，在讲到民族乐派时，书中对各国民族音乐元素的引入进行了详细的分析，让我对不同国家的音乐特色有了更清晰的认识，也更能体会到那种民族自豪感在音乐中的体现。书中还对一些我们耳熟能详的经典作品进行了赏析，不仅仅是简单地介绍，而是深入到作品的结构、和声、旋律等层面，让我听的时候能有更多的发现和感悟。这本书就像一位循循善诱的老师，它不会强迫你记住什么，而是通过引导让你自己去体会和理解，这种学习方式非常有效，让我对西方音乐的理解上升了一个新的台阶，也让我对未来继续深入探究的兴趣更加浓厚。

评分☆☆☆☆☆

对于长期从事音乐教学的我来说，寻找一本既有深度又不失易读性的西方音乐史教材一直是我的追求。《西方音乐史(第3版)》绝对是近期让我最满意的一本。它在内容的严谨性和学术性方面做得非常出色，同时又巧妙地避开了过于晦涩难懂的语言，使得学生们能够轻松地接受和消化。书中对每个重要音乐时期的划分和界定都非常清晰，并且对于每个时期内音乐风格的演变、主要作曲家的生平及其音乐成就，都有详实而精辟的阐述。我尤其看重的是它对音乐形式和作曲技法的讲解，这对于帮助学生理解音乐的内在结构至关重要。例如，书中对赋格、奏鸣曲式等古典音乐重要体裁的详细分析，以及对不同时代作曲家在这些体裁上的创新与发展，都为我的教学提供了极大的便利。此外，书中还穿插了许多与音乐相关的历史事件和文化背景的介绍，这有助于学生们将音乐置于更广阔的历史语境中去理解，从而培养他们更全面的音乐史观。我会在我接下来的课程中大量参考和推荐这本书，相信它能极大地提升教学效果，让学生们在音乐史的学习中收获更多。