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蓝铁 等 著

图书标签:

• 山水画
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• 技法
• 风景画
• 水墨画

出版社： 中国美术学院出版社

ISBN：9787810190091

商品编码：10605099

包装：精装

出版时间：1988-05-01

页数：91

内容简介

《山水画基础技法》的作者都是具有影响的艺术家，他们长期从事艺术教育和艺术创作，积累了丰富的经验，《山水画基础技法》就是他们的经验结晶。《山水画基础技法》立论新颖，深入浅出，图文并茂，各具特色，必将会成为美术爱好者的良师益友。

目录

上编 总论
第一章 山水画的发展概况
第二章 工具与材料
第三章 笔 法
第四章 墨 法
第五章 设色法
第六章 透视法
第七章 构图法
第八章 临摹法与写生法
第九章 创作法

下编 分论
第一章 树 法
第二章 山石法
第三章 云水法
第四章 点景法
第五章 时令、气候表现法
第六章 题款、钤印法

前言/序言

《墨韵山河：中国古典山水画意境探微》 引言 在中国浩瀚的艺术宝库中，山水画占据着举足轻重的地位。它不仅仅是对自然景物的描摹，更是画家胸中丘壑、精神寄托的抒发，是连接人与自然、心灵与宇宙的桥梁。本书《墨韵山河：中国古典山水画意境探微》并非一本教授具体绘画技法的实用指南，而是致力于引领读者深入中国古典山水画的灵魂深处，去领略那些被时光沉淀下来的独特美学思想与哲学意境。我们将一同拨开层层墨迹，感受画中那份“气韵生动”的生命力，理解古人如何在画布上构建出那一方方令人神往的“无境之境”。 第一章：天地精神之源——山水画的哲学根基 中国山水画的产生与发展，与中国古代哲学思想，尤其是道家与儒家思想有着不可分割的联系。本章将从源头出发，探讨这些哲学理念如何渗透并塑造了山水画的独特品格。 道家的“道法自然”与“天人合一”： 老子所言“人法地，地法天，天法道，道法自然”，深刻影响了中国人对自然的态度。山水画并非僵死的物象复制，而是力求捕捉自然的“神韵”和“气机”。画家追求的不是形似，而是“神似”，即表现出自然的内在精神。这种“道法自然”的理念，使得山水画具有了超越功利、回归本真的精神特质。 “天人合一”的思想则强调人与自然的和谐共存，人是自然的一部分，而非凌驾于自然之上。山水画中常常出现的渺小人物，正是对这种人渺小而自然伟大的哲学观的体现。它传达了一种谦逊、敬畏的态度，以及在广阔天地间寻求心灵宁静的愿望。我们将在本章中梳理这些哲学思想如何体现在山水画的构图、笔墨以及意境的营造上。 儒家的“仁者乐山，智者乐水”与“以史为鉴，以教化民”： 儒家思想虽然更侧重于社会伦理，但其对于山水的审美解读也为山水画提供了另一层面的意义。孔子“仁者乐山，智者乐水”的说法，将山水赋予了人格化的道德象征。山之巍峨象征着坚毅、仁厚；水之灵动象征着智慧、变通。这些特质潜移默化地影响了画家对山水的取舍与表现。 此外，古代画家常以山水画作为教化民风、寄寓理想的载体。山水画中的隐士、高士形象，往往寄托着画家对清高、脱俗人格的追求。而对壮丽山河的描绘，也常常包含了对国家、民族的赞美与情感。我们将探讨儒家思想如何为山水画增添了人文关怀与社会意义。 禅宗的“心即山水，山水即心”： 佛教禅宗，特别是中国化的禅宗，对宋元以来山水画的发展产生了深远影响。禅宗强调“见性成佛”，即认识到自心即佛，内心的觉悟与外在的山水并无二致。“心生则种种魔生，心灭则种种魔灭”，同样，“心生则山水现，心灭则山水空”。这使得画家在创作时，不再局限于客观物象，而是将自己的心境、感悟融入其中，达到“触景生情”、“境由心造”的境界。 禅宗的“空寂”观念，也体现在山水画的留白之处。那些看似空无一物的空间，实则蕴含着无限的意趣，引导观者在想象中填补，与画家进行心灵的对话。本章将深入分析禅宗思想如何催生了山水画中那种“虚实相生”、“意在笔先”的艺术特质。 第二章：气象万千的视觉语言——笔墨与皴法的意蕴 中国山水画的独特魅力，很大程度上源于其独特的笔墨语言和多样的皴法。它们不仅仅是描绘形态的工具，更是承载情感、表现意境的载体。本章将着重解析这些视觉语言背后的艺术逻辑与审美价值。 笔墨的“骨法”与“气韵”： “笔墨”是中国画的灵魂，而“骨法用笔”则是指用笔的力度、速度、方向变化所形成的线条骨骼，它决定了物象的结构与力量感。“气韵生动”是六法论之首，强调的是画面的生命力与精神气质。笔墨的运用，直接关乎画面的“气”的流动，是传递画家心绪、表现自然精神的关键。 我们将分析不同用笔方式，如“中锋”、“侧锋”、“逆锋”等，如何塑造出不同的笔触质感，赋予山石、树木、云水以生命。例如，苍劲有力的线条可能表现山石的坚韧，而流畅灵动的线条则能勾勒出溪水的潺潺。 皴法的“形”与“意”： “皴法”是中国山水画中表现山石纹理、体积感和质感的特殊技法。它不是简单的模仿，而是高度提炼和艺术化的表现。每一种皴法，如披麻皴、斧劈皴、雨点皴、米点皴等，都有其特定的表现对象和审美取向。 本章将细致地解析几种经典皴法的形成原因、使用方法，以及它们所能传达的独特意境。例如，披麻皴的层层叠叠，常用于表现江南的山水；斧劈皴的刚劲有力，则适合表现北方山脉的雄浑。更重要的是，我们将探讨皴法如何从“描摹”走向“写意”，画家如何通过皴法的组合与变化，来表达自己对山水特征的理解和感受，从而达到“意”的传递。 墨色的变化与层次： “墨分五色”，是中国画对墨色丰富变化的精辟概括。干、湿、浓、淡、焦，不同的墨色运用，能够营造出空间的深远、物体的质感、光影的变化，以及画面的氛围。我们将在本章中探索墨色在山水画中的具体应用，如何通过墨色的晕染、积墨、破墨等技法，来表现云雾的缥缈、水面的波光、山峦的远近层次，从而丰富画面的表现力，营造出深邃而富有生气的空间感。 第三章：意境的营造——山水画的情感寄托与精神诉求 山水画之所以能够打动人心，关键在于其所营造的独特意境。意境，是情与景的交融，是客观物象与主观情感的统一。本章将深入探讨山水画是如何通过构图、色彩、光影以及留白等手段，来传达画家深沉的情感，抒发其精神诉求。 “意在笔先”与“胸有丘壑”： 中国山水画强调“意在笔先”，即在动笔之前，心中已有丘壑。这种“丘壑”，并非指具体的山水地形，而是画家在长期观察自然、体悟自然基础上，形成的对山水的理解、情感积淀与创作构思。我们将分析画家如何通过对自然素材的取舍、提炼与重组，来构建出符合自己审美理想的画面。 “胸有丘壑”的境界，是通过无数次的写生与创作积累而成的。它意味着画家对自然的深刻理解，以及能够将这种理解转化为艺术语言的能力。本章将通过对经典作品的赏析，来揭示“胸有丘壑”是如何在笔墨间体现出来的。 构图的“虚实相生”与“经营之道”： 山水画的构图，并非简单的平面分割，而是讲究“虚实相生”、“疏密有致”。“实”指的是有笔墨的山石、树木、建筑等具体物象，“虚”则指留白的空间，如云雾、天空、水面等。恰当的虚实对比，能够引导观者的视线，营造出画面的呼吸感和空间纵深。 “经营之道”是指画家在构图时，对画面的整体布局、景物的安排、虚实的取舍所进行的精心策划。我们将分析不同的构图法则，如“高远法”、“平远法”、“深远法”，以及它们如何帮助画家表现出不同类型的山水景象，传达不同的空间感受。 留白的艺术与“言外之意”： 中国山水画的留白，是中国艺术的独特之处。它并非“空白”，而是“未画之画”，是画面的有机组成部分，蕴含着无限的想象空间。留白能够营造出画面的空灵、幽静、深邃之感，让观者在想象中参与到画面的创作之中。 我们将探讨留白如何与画面内容产生对话，如何引导观者的视线，如何烘托气氛。通过对留白的深入解读，可以理解山水画“言外之意”的魅力，即画面所传达的信息，远不止于笔墨所及之处，而是需要观者用心去体会、去感悟。 色彩的运用与意象的表达： 虽然中国山水画以水墨为主，但色彩的运用也同样重要。浅绛山水、青绿山水等，都形成了各自独特的色彩体系。色彩在山水画中的作用，不仅仅是描绘景物的本来面目，更是传达情感、烘托意境的重要手段。 本章将分析不同色彩在山水画中的象征意义和情感倾向。例如，青色常代表春天、生机；绿色常象征着生命力、宁静；赭石则能营造出苍茫、古朴的氛围。我们将探讨色彩如何与笔墨相结合，共同构建出丰富的画面层次和深沉的意境。 第四章：山水画中的人文精神——古人的情怀与寄托 山水画并非冷漠的自然风光写生，而是饱含着古人的情感、理想与寄托。本章将聚焦于山水画中出现的各种人文元素，以及这些元素背后所承载的深厚文化内涵。 隐逸情怀与归隐之乐： 中国古代文人，常有“仕隐”情结。当仕途失意或厌倦官场纷争时，许多人选择归隐山林，寻求内心的宁静与自由。山水画中的隐士、茅屋、孤舟，往往寄托着这种隐逸情怀。画家通过对宁静、纯净的山水景色的描绘，来表达对淡泊名利、回归自然的向往。我们将分析这类题材的作品，理解其背后所蕴含的儒释道思想的交融，以及对自由精神的追求。 高士风骨与人格理想： “高士”是中国山水画中常见的形象。他们通常超凡脱俗，不畏权贵，坚守自己的道德原则。画家描绘高士，不仅仅是对历史人物的纪念，更是对理想人格的塑造与赞美。我们将探讨历代画作中出现的不同类型的高士形象，以及他们所象征的文人风骨与独立精神。 山水作为精神家园的构建： 在动荡不安的时代，山水画为文人提供了一个精神的避风港。他们将理想、情感倾注于山水之间，在画作中构建自己的精神家园。山水成为画家安抚心灵、抒发情志的媒介。本章将通过分析特定历史时期或画家群体的作品，来揭示山水画如何成为古人精神寄托的重要载体。 家国情怀与山河壮丽： 并非所有山水画都表现隐逸。许多作品也以雄浑壮丽的山河来表达对国家、民族的热爱与赞美。长城、高山、大江，在这些作品中被赋予了庄严、厚重、辽阔的象征意义，体现了古人的家国情怀。我们将探讨这类作品如何将宏大的叙事与具体的山水形象相结合，传递出磅礴的力量感。 结论 《墨韵山河：中国古典山水画意境探微》带领我们穿越时空的界限，去领略中国古典山水画那深邃的哲学底蕴、精妙的视觉语言以及丰富的人文情怀。它提醒我们，观赏一幅山水画，不应仅仅停留在对景物的辨认，更应去感受那贯穿其中的“气韵”，去体会那“言外之意”，去领悟那“无境之境”所蕴含的生命智慧与精神追求。本书旨在为读者提供一个理解中国古典山水画的独特视角，希望能够激发您对这一艺术瑰宝更深层次的兴趣与思考，最终在与山水画的对话中，找到属于自己的那份宁静与启迪。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得山水画最吸引人的地方，在于它能够将自然的壮丽与个人的情感融为一体，达到一种“天人合一”的境界。但如何将这种抽象的意境转化为具体的笔墨，是我一直以来面临的难题。《山水画基础技法》这本书，在这方面给了我巨大的启示，它不仅仅是教授技巧，更是在引导一种思维方式。 书中对于“构图”的讲解，是我最看重的部分之一。我过去常常是想画什么就画什么，构图全凭感觉，导致画面失衡，或者重点不明。这本书则系统地讲解了中国画构图的经典法则，例如“散点透视”、“借景”、“虚实相生”等等。它通过大量的实例，分析了不同构图方式所要表达的意境，以及如何通过调整物体的疏密、远近、大小来达到画面的和谐统一。 让我特别受用的是，书中不仅仅提供了“好”的构图范例，还指出了“坏”的构图的常见问题，并且给出了修改建议。这种“反面教材”的讲解方式，让我更容易识别自己作品中的不足。例如，在讲到“高远构图”时，作者会分析一些画面，指出其“死板”、“压抑”的原因，可能是因为景物过于密集，留白不足，或者视点过低。然后，又会给出如何通过拉开景物距离、增加天空的比例、调整物体的形态来达到“高远”的视觉效果。这种细致入微的分析，让我对构图有了更深刻的理解，也更有信心去尝试不同的构图。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我都对山水画中那种“气韵生动”的感觉所着迷，但却苦于不知道如何才能在笔墨中体现出来。《山水画基础技法》这本书，就像一盏明灯，照亮了我前行的道路。 我特别赞赏书中关于“云水画法”的阐释。在中国山水画中，云与水常常是不可或缺的元素，它们不仅能够渲染画面气氛，更能营造出一种虚无缥缈、意境深远的氛围。作者详细讲解了如何用不同的笔法和墨法来表现云的形态，例如“积云法”和“破云法”，以及如何表现水的流动感和质感。 让我惊喜的是，书中还探讨了云水与山体的关系。作者指出，云水的变化，能够极大地影响山体的观感。例如，被云雾环绕的山峰，会显得更加神秘、巍峨；而水流的动态，则能为画面增添动感与活力。书中提供了一些“云水与山石的结合”的范例，演示了如何通过巧妙的勾勒和渲染，让云水与山体相互呼应，构成一个有机整体。这让我明白了，云水并非只是简单的背景，而是能够与主体景物产生互动，共同营造画面的意境。

评分☆☆☆☆☆

我对中国传统山水画情有独钟，尤其是那些能够唤起内心宁静与平和的作品。我曾经尝试过一些教学视频，但总觉得缺乏系统性，难以形成完整的知识体系。《山水画基础技法》这本书，恰恰填补了我的这一空白。 书中对“树木的画法”进行了非常详尽的介绍，这让我大为惊喜。在山水画中，树木的点景并非随意为之，而是构成画面生气与韵律的重要组成部分。作者从树的整体形态入手，分析了松、柏、柳、杂树等不同树种的生长规律和姿态，并详细讲解了点叶、点苔、画枝等具体技法。 令我印象深刻的是，书中不仅讲解了如何画单棵树，还着重强调了树木的“组合”与“疏密”关系。作者指出，树木的排列方式，直接影响着画面的空间感和视觉效果。例如，画远处的树林，可以采用“点簇”的手法，用大小不一、浓淡不同的墨点来表现；而画近处的树木，则需要更细致地勾勒枝干，表现其生长的细节。书中还提供了一些“树木的远近处理”的范例，演示了如何通过墨色的浓淡、线条的虚实来区分树木的远近，从而增强画面的层次感。这种对细节的关注，让我认识到，即使是看似简单的树木，也蕴含着丰富的表现力和学问。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，山水画最迷人的地方，在于它能够将宏大的自然景观与细腻的情感表达融为一体，创造出一种独特的艺术魅力。《山水画基础技法》这本书，恰恰是这样一本能够带领我深入探索这种魅力的指南。 书中对“水墨的晕染与过渡”的讲解，让我眼前一亮。山水画中的水墨，不仅仅是简单的色彩堆砌，更是营造画面层次感和空间感的关键。我过去在晕染时，常常是墨色生硬，缺乏自然的过渡。这本书则详细地介绍了“湿画法”、“干画法”，以及如何运用“提染”、“烘染”等技法，来表现山石的阴阳向背、云水的流动感。 令我惊喜的是，书中还强调了“墨色变化”的重要性。作者指出，不同的墨色，能够传达出不同的意境。例如，浓墨可以表现山体的厚重感和力量感；淡墨可以营造出朦胧、虚幻的氛围；而枯墨则能够表现出一种苍劲、古朴的韵味。书中还提供了大量的“墨色变化示范”，演示了如何通过控制水的用量、笔的干湿，以及墨的浓淡，来创造出丰富多样的墨色效果。这种对水墨韵味的细致解析，让我对山水画的表现力有了更深的认识，也更愿意去尝试运用不同的墨色来表达自己的情感。

评分☆☆☆☆☆

这次偶然的机会，在书店里翻到了这本《山水画基础技法》，实在让我惊喜不已。我一直对中国传统山水画心生向往，但苦于没有门路，从何学起。网上搜索到的教程大多碎片化，要么过于理论化，要么技法讲解不够细致。而这本书，就像一位循循善诱的老师，把复杂的山水画技法掰开了、揉碎了，用最清晰易懂的方式呈现在我面前。 我尤其喜欢书中对于“皴法”的讲解。传统的皴法，如披麻皴、斧劈皴、雨点皴等等，听起来就让人望而生畏。但这本书通过大量的图例，将每一种皴法的笔墨运用、形态特征、适用山石都做了非常细致的剖析。例如，讲解披麻皴时，作者并没有仅仅给出几个简单的线条，而是深入分析了用笔的提按顿挫、墨色的浓淡枯湿，甚至连毛笔的触纸角度都做了提示。让我恍然大悟，原来简单的线条背后蕴含着如此多的讲究。更让我惊喜的是，书中还提供了许多“变化”的示范，比如如何将披麻皴与其他皴法结合，如何根据不同山体的走向调整皴法的疏密。这不仅仅是教你“怎么画”，更是教你“为什么这么画”，以及“如何变通”。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，真正的山水画，不仅仅是对自然景物的描摹，更是画家内心世界的抒发。《山水画基础技法》这本书，在这方面给我带来了深刻的触动。 书中关于“山石的结构与塑造”的讲解，让我大开眼界。我过去画山石，常常是画出个大概轮廓，却缺乏立体感和真实感。这本书则从地质学的角度，分析了不同山体的形成过程和基本结构，例如褶皱、断层、风化等等，然后将其巧妙地融入到笔墨之中。 最让我惊喜的是，作者并没有拘泥于写实，而是强调了“写意”的理念。他鼓励我们在掌握了基本结构的基础上，用夸张、变形的手法来表现山石的“精神”。例如，在表现险峻的山峰时，可以运用更加方折、犀利的笔触，来突出其陡峭和雄伟；而在描绘平缓的山丘时，则可以多用圆润、流畅的线条，来展现其温和与宁静。书中还提供了一些“意象山石”的范例，让我看到了山水画的无限可能性。这种将科学原理与艺术表现相结合的讲解方式，让我对山水画的创作有了更深的理解，也更愿意去尝试表达自己的情感。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对水墨画有着深厚感情的人，我一直渴望能够亲手创作出属于自己的山水画作。然而，缺乏专业指导，让我的学习之路布满了荆棘。偶然翻阅到《山水画基础技法》这本书，我仿佛找到了迷失的航标，它系统、深入地阐述了山水画的诸多奥秘，让我醍醐灌顶。 书中对于“用墨”的讲解，可以说是独具匠心。墨，是山水画的灵魂，其浓淡、枯湿、干湿的变化，直接影响着画面的意境与韵味。我过去常常在用墨上犯愁，要么是颜色太“死”，缺乏变化，要么是墨色太“浮”，不够沉稳。这本书则从最基础的“墨法”开始，详细讲解了“积墨”、“破墨”、“宿墨”等技法，并配以大量的示范图。 尤其令我印象深刻的是，作者对“墨韵”的阐述。他并非简单地告诉你如何调墨，而是引导你去感受墨与纸、墨与水之间的对话，如何通过笔尖的细微动作，在宣纸上创造出丰富多变的墨色效果。书中还提到了如何根据不同的山体、树木，以及想要表达的季节和氛围，来选择合适的墨色。例如，描绘秋天的山林，就可以多运用焦墨和浓墨，营造出萧瑟、苍劲的意境；而描绘春日的山峦，则会多用淡墨和湿墨，表现出勃勃生机的气息。这种对墨色的细腻把握，让我深刻体会到，水墨山水画的魅力，不仅仅在于形似，更在于神似，在于墨色背后所蕴含的情感与意境。

评分☆☆☆☆☆

我一直对中国传统山水画的意境之美深感着迷，但碍于功底不足，总觉得难以驾驭。《山水画基础技法》这本书，就像一本宝藏，为我打开了通往山水画艺术殿堂的大门。 书中对“用笔”的讲解，是我受益最深的部分之一。笔法，是山水画的骨骼，其力度、速度、方圆、枯湿的变化，直接决定了画面的生命力。我过去用笔常常是“一味”的，缺乏变化，导致画面显得呆板。这本书则详细地讲解了“中锋用笔”、“侧锋用笔”的特点和应用，以及如何通过笔的提按顿挫，来表现山石的坚硬、树木的柔韧。 令我惊喜的是，作者还提到了“笔随心走”的境界。他鼓励我们在掌握了基本笔法之后，要学会倾听内心的声音，将自己的情感融入到笔墨之中。例如，在描绘狂风暴雨的山峦时，就可以运用疾风骤雨般的笔触，来表现其磅礴的气势；而在描绘宁静的山间溪流时，则可以运用舒缓、流畅的笔法，来营造出一种平和安宁的氛围。书中还提供了一些“不同情感表达的笔墨示范”，让我看到了笔法背后所蕴含的丰富情感。这种将技巧与情感巧妙结合的讲解，让我对山水画的创作有了更深的感悟。

评分☆☆☆☆☆

最近我迷上了临摹古人的山水画，但总觉得画出来的东西总觉得“不像”，少了那种古朴的韵味和笔墨的苍劲。《山水画基础技法》这本书，恰好解答了我心中的疑惑。虽然它定位是“基础技法”，但其深度和广度，已经远远超出了我对基础的认知。 我非常欣赏书中对“勾勒”技巧的细致讲解。勾勒，看似是最基础的线条，但要勾勒出山石的体积感、纹理感，以及树木的生长姿态，却需要深厚的功力。这本书不仅提供了各种勾勒线条的示范，更重要的是分析了不同线条的“质感”。比如，勾勒山石的线条，有的是坚硬、方折的，有的是圆润、流畅的，作者会告诉你这些线条分别代表着什么样的石质，以及如何通过笔触的粗细、干湿来表现。 让我眼前一亮的是，书中还详细讲解了“染法”。水墨山水画的渲染，是赋予画面色彩和层次的关键。我过去尝试渲染时，常常是墨色一团，或者色彩过于呆板。这本书则详细介绍了“淡染”、“浓染”、“烘染”等多种染法，并且通过大量的范例，演示了如何用不同的颜色（从最常见的赭石、花青、藤黄，到更细致的石绿、石青）来表现山石的阴阳向背、树木的四季变化。最让我惊喜的是，作者还提到了“渍染”的技巧，通过控制水墨的晕染，来表现山峦的朦胧感和云雾的飘渺感，这让我对水墨山水的表现力有了全新的认识。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对水墨意境有着浓厚兴趣的初学者，我一直试图在画面中捕捉那种“可遇不可求”的空灵感和生命力。过去我尝试过一些零散的教程，但总觉得画面缺乏生气，像是一堆死板的线条和墨块的堆砌。《山水画基础技法》这本书，在这一点上给了我极大的启发。它不只是讲解了形，更重要的是讲解了“神”。 书中关于“点景”部分的章节，让我受益匪浅。我之前总觉得点景人物、树木、房屋只是为了填补画面空白，但这本书让我认识到，点景绝非可有可无，而是构成画面意境的关键元素。作者详细讲解了如何根据山体的体量、远近，以及所要表达的季节和氛围，来选择和绘制合适景物。比如，在描绘巍峨的山峰时，作者会提示如何用几笔淡墨勾勒出几个正在劳作的农夫，瞬间就赋予了画面勃勃生机，让人感受到人与自然的和谐统一。 更让我惊喜的是，书中还探讨了“留白”的艺术。对于初学者来说，常常会害怕画面留白过多，显得空洞。但这本书却强调了留白的重要性，它解释了留白如何能够引导观者的视线，营造空间感，甚至烘托出一种神秘、宁静或辽阔的意境。作者通过不同构图的范例，演示了如何通过巧妙的留白，让画面“言有尽而意无穷”。这让我开始重新审视我的画面，不再害怕留白，而是将其视为画面有机的一部分，去主动地经营和运用。

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很不错的东东

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便宜，但是印刷一般，特别是画作为临摹不够清楚

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5折买的 很好 支持京东

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还可以！挺好的！！！

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好书，慢慢读，值得推荐。

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好书，慢慢读，值得推荐。

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山水画基础技法

评分☆☆☆☆☆

好