合唱指挥/全国高等院校艺术教育规划教材 [Chorus and Conduct] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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阎宝林 著

图书标签:

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• 声乐
• 音乐

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103048832

版次：1

商品编码：11632049

品牌：人民音乐出版社（PEOPLE’S MUSIC PIBLISHING HOUSE）

包装：平装

丛书名： 全国高等院校艺术教育规划教材

外文名称：Chorus and Conduct

开本：16开

出版时间：2015-01-01

用纸

内容简介

　　《合唱指挥/全国高等院校艺术教育规划教材》由合唱篇、指挥篇和曲目篇三部分组成。紧密结合教学实际，力求体现基础性、实用性、灵活性以及趣味性的并存，强调基础训练与指挥实践的有机结合，注重理论知识的准确与系统，力求言简意赅。基础知识与基本技能的训练由八个部分组成，其中又分为各课的具体知识与基础技能、技巧的关系说明。教材将科学系统的知识与技能技法的训练有机地融为一体，努力做到既突出内容的人文因素，又为教学提供可操作性。

目录

自序

合唱篇
概述
第一部分 类别与组织
第一课 合唱的类别
一、同声合唱（equal voices）
二、混声合唱（mixedvoices）
第二课 合唱的声部
一、同声合唱的声部组织
二、混声合唱的声部组织
三、划分依据与均衡原则
第三课 合唱的队形
第二部分 基础与训练
第一课 呼吸训练
一、合唱的呼吸类型
二、基本要求与方法
三、呼吸的综合练习
第二课 发声训练
一、起声的类别
二、要求与训练
第三课 音准训练
一、音阶训练
二、音程训练
三、和弦训练
四、音准因素
第四课 共鸣训练
一、共鸣腔体
二、训练要求
三、音域拓展
第五课 语音训练
一、音素与音节
二、声母与韵母
三、归韵与收声
四、综合性练习
第六课 节奏训练
一、同类节奏的训练
二、二声部节奏训练
三、三声部节奏训练
四、童声节奏的训练

指挥篇
概述
第三部分 要求与条件
第一课 学习合唱指挥的要求
一、整体要求
二、部位要求
三、素质要求
第二课 合唱指挥应具备的能力
一、音乐记忆与听辨能力
二、指挥技法与读谱能力
三、总谱缩弹与范唱能力
四、动作协调与表述能力
五、理论知识与审美能力
第四部分 拍线与拍点
第一课 拍线
一、拍线与分类
二、拍线的作用
三、拍线练习的基本要求
第二课 拍点
一、拍点的认识
二、拍点的分类
三、拍点的作用
四、拍点的要求
第五部分 起拍与收拍
第一课 起拍
一、起拍三要素
二、起拍三过程
三、起拍的分类
第二课 收拍
一、收拍三要素
二、收拍三过程
三、收拍的分类
第六部分 图式与手势
第一课 二拍图式
一、基本图式
二、变化图式
三、作品实例《义勇军进行曲》
第二课 三拍图式
一、基本图式
二、变化图式
三、作品实例《小步舞曲》
第三课 四拍图式
一、基本图式
二、变化图式
三、作品实例《黄昏之歌》
第四课 合拍
一、合拍简介
二、合拍运用
三、作品实例《回忆》（Memory）——选自音乐剧《猫》
第五课 分拍
一、分拍简介
二、分拍运用
第七部分 节奏与组合
第一课 各种节奏的指挥手势
一、休止符
二、延长音
三、附点节奏
四、切分节奏
五、变化拍
第二课 不同节奏的组合练习
一、双手同一节奏的组合练习
二、双手分工节奏的组合练习
第八部分 排练与实践
第一课 排练
一、选材
二、案头
三、排练
第二课 演出
一、走台
二、演出
三、总结

曲目篇
1.瑶山夜歌（二部合唱）
2.南海之歌（二部合唱）
3.花儿朵朵唱祖国（三部合唱）
4.伏尔塔瓦河（三部合唱）
5.踏雪寻梅（三部合唱）
6.内依巴河（RioNeiva）（三部合唱）
7.江雪（无伴奏三部合唱）
8.地球大合唱（童声三部合唱）
9.我唱出了世界的声音（童声三部合唱）
10.本事（混声合唱）
11.孤独的小羊羔（无伴奏混声合唱）
12.游击队歌（混声合唱）
13.孤独的树（Mata del Anima Sola）（无伴奏混声合唱）
14.非洲鼓（N'kosi Sikele'i A Frika）（无伴奏三部合唱）
15.枸橘花（无伴奏三部合唱）

精彩书摘

　　《合唱指挥/全国高等院校艺术教育规划教材》：
　　歌唱时的吐气有别于自然状态下的吐气，生活中自然吸气与呼气的时间比大约是1：2，说话时吸气与呼气的时间比约为1：8，而在歌唱时两者的时间比约为1：15至1：60，可见歌唱时需要更持久的气息支持，歌唱时的吐气需要有意识地加以控制。练习吐气时可用“s”、“c”、“f等辅音来检查，基本要求与吸气一样，应“匀、慢、稳”，在练习时教师要用形象的语言来引导，如往前吹蜡烛的火苗，不让火苗左右晃动。值得注意的是，在吐气时应始终保持横膈膜向下、两肋扩张的状态。在吐气过程中，可加入停顿保持（每次停顿不超过六秒），并随训练的进度而逐渐增加停顿保持的次数，以此来训练肺部肌、横膈膜、腹部肌的控制力。但注意在保持停顿和吐气时，不要憋气时的紧张状态，颈部肌肉放松，肩部向下向后打开。
　　三、呼吸的综合练习
　　（一）无音高的气息练习
　　单纯无音高的呼吸训练是较有效的气息训练方法，一般可按照自然吸——自然吐、缓吸——缓呼、急吸——缓呼的顺序，循序渐进加以训练，在此基础上可在其中增加保持停顿的次数，如缓吸——缓呼——停——呼——停——呼——停……急速吐出剩余的气，或者急吸——停——呼——停——呼——停——呼——停……急速呼出剩余的气。呼气时发“s”、“c”或“f，，通过牙齿、唇部阻碍气流有助于气息的控制均匀。
　　由于孩子们对呼吸器官和肋骨、横膈膜等概念并不知晓，对抽象化的描述如打开喉咙、建立管道等也往往不能理解。同时，童声阶段的孩子注意力还不能保持很长时间，枯燥单调的练习很可能会使其失去合唱的兴趣，因此童声合唱的呼吸训练，应多以游戏化方式进行，教师应用形象的语言及正确的示范，让他们去感受、去体会，从而引导孩子树立正确的呼吸概念，形成良好的呼吸习惯。
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前言/序言

《音乐的织体：20世纪中叶交响乐的演变与革新》 引言：时代的共鸣与声响的拓进 二十世纪中叶，西方古典音乐正经历着一场深刻的变革。两次世界大战的硝烟散去，旧有的美学秩序在动荡中瓦解，作曲家们开始以前所未有的力度探索音乐语言的边界。不再满足于浪漫主义的宏大叙事和印象派的色彩描绘，他们转向了对音色、节奏、和声结构，乃至音乐本体论的根本性追问。这部著作，聚焦于1945年至1970年间，欧洲及北美大陆上涌现出的关键性交响作品与创作思潮，旨在剖析在“序列主义”、“偶然音乐”和“极简主义”的冲击下，传统交响曲形式如何被解构、重塑乃至超越的历程。我们试图勾勒出彼时作曲家们如何在继承贝多芬、马勒等巨匠遗产的同时，构建起一个全新的、充满张力的声学世界。 第一部：后序列主义的逻辑重塑与音高控制的极限 二战后，以达姆施塔特夏季课程为中心，对勋伯格十二音体系的进一步发展成为主流。然而，早期的序列主义多侧重于音高，往往导致音乐的“过度组织化”和听觉上的疏离感。本部分将深入探讨“全面序列化”的尝试，以及随之而来的反思。 第一章：序列的超越与结构的严密性 我们首先考察皮埃尔·布列兹（Pierre Boulez）在这一时期的核心思想——如何将时间、力度和音色也纳入严格的序列控制之中。分析其早期重要作品，如《结构》（Structures）系列，展示了数学逻辑如何渗透到每一个音符的选择与排列中。这种对绝对控制的追求，虽然在技术上令人叹服，但也引发了关于听众接受度的讨论。 第二章：斯托克豪森的电子与空间实验 卡尔海因茨·斯托克豪森（Karlheinz Stockhausen）是这一领域最具前瞻性的探索者。他的作品不再仅仅是音符的线性排列，而是将空间感和电子媒介引入到传统管弦乐队编制中。重点分析其在科隆工作室的早期电子音乐实践，及其如何将这些概念融入到如《彼方的声音》（Gesang der Jünglinge）和后来的《 Gruppen》中，探讨五轨、多维声场对传统交响乐“前-中-后”布局的颠覆。 第三章：意大利学派的转向：利盖蒂的微观结构 与德奥体系的严谨逻辑相对，匈牙利作曲家格奥尔基·利盖蒂（György Ligeti）开辟了另一条路径。他转向对音群（Sound Mass）和微观结构的精细雕琢。本章详述利盖蒂如何运用复杂的复节奏和密集的音域运动，创造出具有“涌现感”的音响织体，例如在《大气》（Atmosphères）中，听众感受到的不再是旋律线，而是不断变化、流动的音块。我们还将对比分析其在早期作品中对卡尔·霍克（Carl Orff）的清晰节奏的借鉴，及其向更抽象领域的过渡。 第二部：偶然性的介入与“未完成”的美学 序列主义的机械性促使一些作曲家寻求引入“不确定性”作为创作的驱动力。约翰·凯奇（John Cage）的影响力在此阶段达到了顶峰，他挑战了作曲家、演奏者乃至听众的角色。 第四章：凯奇与“沉默的”音乐 本章核心在于对凯奇哲学思想的梳理——从东方禅宗到梅西安的对节奏的非功能性理解。着重分析《 4’33”》的意义，并非仅仅是噪音的集合，而是对“音乐的定义”的根本性提问。我们也将探讨其在《变化》（Variations）系列中对机会操作（Chance Operations）的运用，以及这如何将乐谱从一个精确的指示本，转变为一系列“可能性”的画布。 第五章：策尔哈的记谱法革命 雅尼斯·策尔哈（Iannis Xenakis），这位同时是建筑师和作曲家的天才，将概率论和集合论引入音乐创作。他的“随机过程”方法与凯奇的偶然性不同，策尔哈的“随机性”是服从于统计学规律的。通过分析《帕拉费》（Pithoprakta）和《 莫诺迪》（Metastaseis），展示了如何运用泊松分布和布朗运动来组织宏大的管弦乐织体，实现音乐的“粒子学”景观。 第六章：费尔德曼与时间的稀释 在极端的密度和极端的偶然性之外，莫顿·费尔德曼（Morton Feldman）提供了一种截然不同的时间体验。他的作品以极慢的速度、极弱的力度和对传统结构（如呈示部、发展部）的彻底放弃为特征。本章将细致分析费尔德曼如何通过对乐器组的独特划分和对“重复”的精心设计，创造出一种近乎冥想、时间被无限拉伸的听觉经验，挑战了听众对“音乐事件”的预期。 第三部：极简主义的崛起与感官的回归 进入六十年代末，对于复杂性理论的反叛逐渐形成一股强大的反潮流——极简主义（Minimalism）。它主张回归可理解的、重复性的、基于过程的音乐结构。 第七章：过程的重复与可感知的变化 以史蒂夫·莱奇（Steve Reich）和菲利普·格拉斯（Philip Glass）为代表的美国作曲家，重新拾起了节奏和调性（或至少是有限音高集合）的魅力。重点解析“相位差”（Phasing）技术在莱奇《同一》（It's Gonna Rain）和《鼓阵》（Drumming）中的运用。这种技术如何使听众的感知成为音乐体验的核心，即音乐的“变化”并非作曲家强加，而是源于听众自身对听觉的实时监测。 第八章：拉蒙特·扬与纯音的探寻 拉蒙特·扬（La Monte Young）将极简主义推向了极致，专注于持久的、不受调性限制的纯音。本章将探讨他如何运用长期持续的固定音高（Drones）和泛音列，探讨“长时间的聆听”对人类听觉生理的影响，以及这如何与音乐中的“现在”这一概念产生关联。 结语：回溯与展望 二十世纪中叶的交响乐创作，是一场与传统工具和美学观念的彻底对话与决裂。从布列兹对序列的绝对控制，到凯奇对偶然性的拥抱，再到极简主义对重复和过程的回归，作曲家们用近乎偏执的热情，探索了音乐表达的全部可能性。这些看似孤立的运动，实际上共享着一个共同的目标：打破既有的听觉习惯，重新定义“音乐是什么”以及“我们如何聆听”。这部作品的意义在于，它不仅梳理了这些复杂的思想脉络，更展示了在那个动荡的时代，声音如何成为承载人类对理性、自由和存在本身进行思考的最为直接的媒介。

评分☆☆☆☆☆

这本书为我提供了一个全新的视角来理解合唱指挥。我一直认为指挥就是一种技术，是熟练掌握一套动作。但这本书让我明白，真正的指挥更是艺术的沟通和情感的传递。它深入探讨了指挥家如何通过自身的音乐理解和人格魅力来影响和感染乐团，从而塑造出富有生命力的合唱作品。我非常欣赏书中关于“指挥者的情感表达”的章节，作者通过引用许多指挥大师的经验和例子，让我深刻体会到，指挥的每一个动作，每一个表情，都应该服务于音乐的情感表达。书中还涉及了一些心理学上的原理，比如如何建立与团员的信任，如何激发团员的内在动力，这些内容对于提升合唱团的整体艺术水准非常有帮助。读完这本书，我感觉自己不仅仅是在学习一套指挥技巧，更是在学习如何成为一名能够真正打动人心的音乐沟通者。它对我未来的指挥之路，指明了更加广阔和深刻的方向。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，这本书的设计和编排非常有心思。我是一名对视觉呈现比较敏感的读者，这本书在这一点上做得非常出色。每一章节的开头都有引人入胜的引言，随后是清晰的图文结合讲解。我尤其喜欢书中关于指挥姿势和身体语言的讲解，配以大量的写实照片，每一个细节都清晰可见，让我能够准确地模仿和练习。作者在讲解基本指挥手法时，并没有停留在表面的动作，而是深入剖析了每一个手势所要传达的音乐信息，比如如何用手臂的弧度表现乐句的连贯性，如何用手指的力度区分重音。另外，书中还提供了一些实际排练中的常见问题及解决方案，这对于基层合唱团指挥来说，简直是救星。比如，如何解决乐团音准问题，如何调动团员积极性等等，这些都是我长期以来非常头疼的问题，而这本书给出了切实可行的建议。整体而言，这本书的实用性和可操作性都非常强，让我觉得学到的知识能够立刻应用到实际指挥中。

评分☆☆☆☆☆

终于找到一本真正能触及灵魂的合唱指挥入门书了！作为一名非音乐专业出身，却热爱合唱的普通爱好者，我常常在指挥时感到力不从心，手势僵硬，无法有效地传达乐句的起伏和情感的递进。这本书的出现，简直像一道曙光。它没有一开始就抛出晦涩难懂的理论，而是从最基础的体态语言和指挥的“呼吸”开始讲起，那种引导感非常棒。我尤其喜欢它对于不同节拍下基本手势的拆解，不是简单地罗列，而是细致地解释了每一个动作背后的用意，比如“向下沉”是为了稳定节奏，“向上扬”是为了舒展乐句。书中还穿插了许多生动形象的比喻，比如把指挥棒比作乐团的“神经末梢”，把指挥的动作比作“语言”，这些都极大地降低了学习门槛，让我觉得指挥并非遥不可及。而且，书中的插图也相当实用，不同角度的示范图，让我能够对照自己的练习，及时发现问题。读完这本书，我感觉自己仿佛打开了一扇新的大门，对指挥有了更深刻的理解，也更有信心在下一次合唱排练中尝试运用学到的技巧了。

评分☆☆☆☆☆

这套教材的深度和广度着实让我眼前一亮。作为一名有着几年合唱经验的指挥者，我一直在寻找能够帮助我提升艺术品味和处理更复杂作品的资源。这本书恰好满足了我的需求。它在深入探讨了指挥技法之后，更着重于音乐的诠释和表达。从和声的分析到织体的处理，再到不同时期作曲家风格的把握，这本书都给出了系统而精辟的论述。我尤其欣赏它关于“音乐的呼吸”这一章节，作者通过对乐句结构、休止符处理的细致讲解，让我明白了如何才能让合唱乐句真正“活”起来，而不是生硬地堆砌音符。书中还包含了大量不同风格的合唱作品片段分析，从文艺复兴时期的复调到浪漫主义时期的宏大叙事，都提供了独到的见解。对我而言，这不仅仅是一本指挥技术手册，更是一本关于音乐美学和艺术品鉴的指南。它帮助我跳出了单纯的“打拍子”思维，开始更深入地思考音乐的内涵，也让我对如何带领乐团塑造音乐形象有了更清晰的方向。

评分☆☆☆☆☆

作为一个曾经对指挥感到畏惧的普通音乐爱好者，我发现这本书简直是为我量身定做的。它非常友好地解释了指挥的各个方面，从最基本的举手到如何让合唱团发出最动听的声音，这本书都一一涵盖。我最喜欢的部分是它关于“如何听”的讲解，不仅仅是听音准，更是听乐句的起伏，听每个声部的配合。这一点对我来说非常重要，因为我总是难以在指挥的同时，还能够准确地捕捉到整个乐团的声音。书中提出的“指挥者的耳朵”训练方法，非常具体，并且提供了很多练习的例子，让我能够循序渐进地提高自己的听辨能力。此外，书中对不同声部平衡的讲解也很有启发性，让我明白如何通过细微的手势调整，来达到更好的声部融合效果。读完这本书，我感觉自己不再是被动的“打拍子者”，而是能够主动地去引导和塑造音乐，对指挥的理解也上升到了一个新的高度。