如何看一幅画

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弗朗索瓦·芭布·高尔 著
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店铺: 文轩网旗舰店
出版社: 中信出版社
ISBN:9787508643038
商品编码:1163577221
出版时间:2014-04-01

具体描述

作  者:弗朗索瓦·芭布·高尔 著作 郑柯 译者 定  价:48 出 版 社:中信出版社 出版日期:2014年04月01日 页  数:309 装  帧:平装 ISBN:9787508643038 暂无

内容简介

暂无
穿越时空的对话:艺术如何触及心灵 《如何看一幅画》并非一本简单的指南,它是一扇通往丰富内在世界的大门,一次与古往今来伟大灵魂的对话。它邀请你放下匆忙,停下脚步,以一种全新的视角去感受那静默却能激起千层浪的视觉语言。这不仅仅是关于“看”,更是关于“理解”、“体验”和“连接”。 一、 唤醒沉睡的眼睛:重拾观察的本能 在信息爆炸的时代,我们的眼睛似乎变得麻木,习惯于快速扫描,却难以捕捉细节。这本册子首先要做的,就是唤醒你久被尘封的观察本能。我们将一同拆解一幅画的构成元素,如同侦探般细致入微。 色彩的低语: 红色代表热情还是危险?蓝色是宁静还是忧郁?我们不止是辨认颜色,更要理解画家如何运用色彩的情感力量,如何通过色彩的冷暖、明暗、对比来引导观者的情绪,营造氛围。你将学会识别画布上跳跃的光影,它们如何雕刻形体,如何诉说时间的流逝,如何制造空间的深度。 线条的叙事: 无论是粗犷有力的笔触,还是细腻婉转的勾勒,线条本身就承载着力量与情感。直线传递坚定,曲线则柔美多姿;斜线暗示动感,曲线则带来平静。我们将探索不同时代、不同流派的画家如何利用线条来勾勒人物的轮廓,描绘景物的肌理,甚至表现内心的律动。 形体的语言: 画面中的物体并非孤立存在,它们通过形状、体积、透视等方式相互关联,共同构建出整个视觉空间。我们将学习如何辨识画中的几何形态,理解透视法则如何创造出三维幻觉,以及画家如何通过对形体的塑造来表现生命的质感与力量。 构图的玄机: 画面中的每一个元素都被精心安放。黄金分割、对称、对角线……这些构图的“秘密武器”,如何影响着画面的平衡感、节奏感和视觉焦点?我们将一起破解画家在构图上的巧思,理解为什么有些画面能瞬间抓住你的眼球,而有些则让你久久沉浸其中。 二、 穿越历史的长河:理解艺术的脉络与传承 艺术并非凭空产生,它深深根植于历史、文化和社会之中。每一幅画都是一个时代的印记,一段文明的缩影。 古老的智慧: 从古埃及壁画中庄严的仪式感,到古希腊雕塑中对人体美的极致追求,我们将在画作中寻觅人类早期文明的痕迹。了解这些艺术形式如何反映当时的宗教信仰、社会结构和价值观念,理解它们如何奠定后世艺术发展的基础。 信仰与哲思: 中世纪的宗教绘画,不仅仅是虔诚的表达,更是当时人们世界观和精神追求的体现。文艺复兴时期,人文主义的觉醒如何催生了对人本身的关注,对科学与自然的探索,并在艺术中留下浓墨重彩的一笔。我们将探究这些宏大叙事如何融入到艺术家细腻的笔触之中。 时代的变迁与艺术的革新: 巴洛克时期的奢华与动感,洛可可的精致与优雅,新古典主义的理性与庄重,浪漫主义的激情与幻想……每一个艺术流派的出现,都与当时的社会变革、思想潮流紧密相连。我们将跟随艺术史的脚步,理解“为什么”会有这样的转变,以及艺术家如何用他们的画笔回应时代的呼唤。 东方韵致的独特魅力: 东方艺术,以其独特的写意精神、哲学内涵和审美情趣,为我们提供了另一种看待世界的方式。从中国水墨的写意山水,到日本浮世绘的市井风情,我们将感受东方艺术的留白之美、线条之韵,以及其中蕴含的“天人合一”的哲学思想。 三、 走进艺术家的内心:感受情感的共鸣与灵魂的碰撞 艺术最动人的力量,在于它能够跨越时空的界限,直击我们的心灵,引发最深层次的情感共鸣。 情绪的传递: 梵高笔下燃烧的向日葵,是生命不息的热情;莫奈的睡莲,是光影流转的宁静;伦勃朗的光影,是人性的深刻洞察。我们将学习如何从画面的色彩、笔触、构图以及人物的神态表情中,捕捉艺术家想要传递的情感,体会他们内心的喜悦、忧伤、孤独或激昂。 故事的讲述: 许多画作本身就是一个完整的故事,或是一个历史场景的定格,或是一个神话传说的演绎,亦或是一个瞬间的情感爆发。我们将学会“读”懂画面中的叙事线索,理解画面背后的人物关系、情节发展,以及艺术家试图通过画面传达的道德寓意或社会批判。 象征与隐喻: 艺术并非总是直白的表达,很多时候,它善于运用象征和隐喻来传递更深层次的含义。一朵花,一只鸟,一束光,都可能蕴含着特殊的意义。我们将一起探索这些“密码”,理解艺术家如何用含蓄而富有诗意的方式,表达他们对生命、死亡、爱情、信仰的思考。 艺术家的生命痕迹: 每一位伟大的艺术家,都将他们的生命体验、个人情感以及对世界的独特见解融入到作品之中。了解艺术家的生平经历,他们的创作动机,他们的挣扎与追求,将帮助我们更深刻地理解他们的作品,感受艺术的温度和人性的光辉。 四、 拓展你的观看维度:成为一个有见地的鉴赏者 《如何看一幅画》的终极目标,是帮助你从一个被动的观看者,转变为一个积极主动、富有见地的艺术鉴赏者。 流派的辨识: 从印象派的光影捕捉,到野兽派的色彩解放,从立体派的解构重组,到超现实主义的梦境探索,我们将逐步认识不同的艺术流派及其核心特征,学会从宏观上把握艺术史的发展脉络。 技法的奥秘: 油画的厚重,水彩的通透,版画的纹理,摄影的瞬间……不同的媒介和技法,赋予了艺术作品独特的质感和表现力。我们将浅显地了解一些常见的绘画技法,理解它们如何影响画面的最终效果。 个人解读的自由: 艺术的魅力在于它的开放性和多义性。虽然有历史背景和艺术家意图作为参考,但最终的解读权在你。我们鼓励你带着自己的经验、情感和思考去与画面对话,形成自己独特的理解和感受。这本册子提供的是一把钥匙,而非一道锁。 培养你的审美判断: 通过持续的观察、学习和思考,你将逐渐建立起自己的审美标准,能够辨识出作品的艺术价值和思想深度,从而在浩瀚的艺术海洋中,找到最能触动你的那片星辰。 《如何看一幅画》是一场自我发现的旅程。它邀请你拥抱艺术的魔力,感受那些穿越时空而来的灵魂的低语,在色彩、线条和光影的交织中,找到属于自己的那份宁静与启迪。这不仅仅是关于“看”,更是关于“感受”,关于“理解”,关于“连接”——连接艺术,连接历史,连接自己。

用户评价

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作为一名曾经的艺术学院学生,我现在回想起学院派的那种教学模式,真是让人头疼。每天都要分析各种复杂的理论,背诵一大堆拗口的术语,感觉艺术变成了一门纯粹的学问,而不是一种情感的表达。这本《如何看一幅画》,让我找回了最初对艺术的那份纯粹的热爱。它没有用那些高高在上的学术腔调,而是用一种非常人性化的方式,带领我重新认识绘画。我尤其喜欢书中对于“情感传达”的分析,它不是泛泛地说“这幅画很感人”,而是具体地分析,是什么样的色彩搭配,什么样的构图安排,什么样的笔触运用,能够触动观者的内心。我记得有一章讲到“光影的叙事”,它通过几个经典的画面,分析了光线如何在画面中扮演角色,有时候它是希望的象征,有时候它是神秘的引导,有时候它甚至能揭示人物内心的状态。这让我觉得,原来光影不仅仅是技术,更是情感的载体。书中还详细讲解了不同材质的绘画颜料对画面质感的影响,比如油画的厚重感,水彩的通透感,以及版画的独特肌理,这些细微之处,都能极大地丰富我们的观赏体验。我还特别喜欢书中对于“空间感”的营造的解读,它教会我如何通过透视、色彩、以及物体之间的比例关系,来感知画面中的深度和距离。之前我觉得自己看画都是二维的平面观察,这本书让我学会了如何在二维平面中感受到三维的空间。这本书让我觉得,艺术欣赏是一项可以通过学习和练习来不断提升的技能,它并不需要你天生具备某种天赋。它就像学习一门新的语言,只要你掌握了基本语法和词汇,就能逐渐读懂其中的奥秘。

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我一直觉得,我对艺术的理解,就像一只刚刚走出象牙塔的小白兔,对周围的一切都充满了好奇,却又不知道从何下手。每次去美术馆,我都像是在一个巨大的图书馆里,面对着无数本看不懂的书,感到无所适从。这本《如何看一幅画》,则像是给我指明了一条清晰的路径。它没有一开始就抛给我一大堆术语,而是从最基础的“看”开始,引导我去观察画面的细节,去感受画面的整体氛围。我记得书中有一章讲到“笔触的温度”,它让我意识到,不同的笔触,就像不同的文字,能够传递出不同的情感。粗犷的笔触带来力量和激情,细腻的笔触带来温柔和内敛。我曾经以为,画家只是在画布上涂抹颜料,但这本书让我明白,每一笔下去,都蕴含着画家的思考和情感。它还教我如何去分析画面的“构图”和“比例”,让我明白,画面中的每一个元素,都不是随意放置的,而是经过画家精心安排的。斜线可以带来动感,圆形可以带来稳定,黄金分割比例更是能够带来视觉上的和谐。这让我觉得,看画不仅仅是看内容,更是看画面的“结构”和“骨架”。书中还花了很大篇幅讲解了“色彩的语言”,让我了解到,色彩不仅仅是视觉上的吸引,更是情感的载体。暖色调的激情,冷色调的宁静,对比色的冲突,和谐色的统一,这些都能够极大地影响观者的情绪。这本书,让我觉得看画不再是枯燥的任务,而是一场充满探索和发现的旅程。它让我觉得,我也可以成为一个懂得欣赏艺术的人。

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我一直觉得,自己是个非常“务实”的人,对于那些形而上的、虚无缥缈的东西,总是提不起兴趣。艺术,对我来说,也曾经是这样一种存在。我无法理解为什么有人会对着一堆颜色或者模糊的线条,看得入迷。直到我偶然间接触到这本《如何看一幅画》,我才发现,原来艺术,也可以有如此扎实的理论基础和如此清晰的解读方法。它并没有让我去“感受”那些虚无缥缈的情感,而是从最基本的视觉原理出发,一点点地构建起一个观赏的框架。我尤其欣赏书中关于“视觉焦点”的分析,它教会我如何判断画面中最吸引人眼球的地方,以及画家是如何通过各种技巧,比如明暗对比、色彩突出、或者线条引导,来将观者的视线聚焦在特定的区域。这让我觉得,每一幅画都像一个精心设计的迷宫,而作者就是那个为我提供地图的人。书中还详细讲解了不同时期、不同流派的绘画风格特点,但它并不是以枯燥的列表形式呈现,而是通过具体的画面案例,让我能够直观地感受到这些风格的差异。比如,文艺复兴时期绘画的严谨和写实,巴洛克时期绘画的华丽和戏剧性,印象派绘画的光影变幻和捕捉瞬间。这些讲解,让我觉得艺术史不再是冰冷的史实,而是鲜活的生命。我特别喜欢书中关于“象征意义”的解读,它让我了解到,很多在画面中出现的物件,并非仅仅是装饰,而是承载着画家特定的思想和情感。这本书,让我觉得艺术欣赏是一项可以通过学习和实践来掌握的技能,它让我从一个门外汉,变成了一个能够辨识和欣赏艺术品的人。

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作为一名从小就对绘画有着朦胧喜爱,但又因为种种原因,一直未能深入了解的普通人,我一直渴望找到一本能够真正指导我如何欣赏绘画的书。市面上有很多艺术普及类的书籍,但大多要么过于学术化,要么过于浅显,很难真正打动我。直到我遇见了《如何看一幅画》,我才真正找到了属于我的“艺术启蒙书”。这本书最大的特点,在于它的“实践性”和“引导性”。它不是简单地告诉你“这幅画好在哪里”,而是通过一系列的问题和分析,引导你去自己去发现画面中的奥秘。我特别喜欢书中关于“细节的力量”的讲解。它让我明白,一幅伟大的画作,往往藏着无数值得玩味的小细节,比如人物脸上的一个微表情,背景中一个不起眼的小物件,甚至画笔在画布上留下的痕迹。这些细节,都能够极大地丰富画面的内涵,提升观赏的乐趣。它鼓励我去放大画面,去仔细观察,去思考这些细节的意义。书中还详细讲解了不同时期、不同文化背景下的绘画风格特点,但它并不是以枯燥的陈述为主,而是通过具体的作品,让我能够直观地感受到这些风格的差异和演变。比如,中国画的意境和留白,西方油画的写实和光影,这些都在书中得到了非常精彩的阐释。这本书,让我觉得艺术欣赏不再是一件高不可攀的事情,而是每个人都可以通过学习和实践去掌握的技能。它让我从一个“看热闹”的人,变成了一个真正懂得“看门道”的欣赏者。

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老实说,我之前对绘画的认知,大概停留在“好看”和“不好看”的阶段。看到美女的肖像就觉得养眼,看到风景画就觉得心旷神怡,但除此之外,我似乎就没什么更深的理解了。偶然的机会,我朋友向我推荐了这本《如何看一幅画》,我一开始并没有抱太大的期望,但读完之后,我真的觉得非常震撼。它完全颠覆了我对“看画”这件事的理解。作者并没有像一些艺术评论家那样,用大量晦涩的词汇来“指导”你,而是像一个循循善诱的朋友,一步一步地带你走进画面的世界。我印象最深刻的是关于“主题”和“意境”的讲解。之前我总是觉得,画什么内容就是什么主题,但这本书让我明白,画家在描绘具体事物的同时,往往还蕴含着更深层的情感和思考,也就是所谓的“意境”。它教会我如何去捕捉画面传递出的那种朦胧而又微妙的情感。书中还有很多关于“符号学”的运用,让我了解到,很多看似普通的物品,在绘画中可能带有象征意义,比如一把钥匙可能代表着开启,一本书可能代表着知识,一盏灯可能代表着启迪。这些细节的解读,让我觉得看画的过程就像在破译一个谜语,充满了趣味性。而且,这本书还特别强调了“个人感受”的重要性,它鼓励我去思考,这幅画带给我的第一印象是什么,我有什么样的情绪被唤起,我对画面的哪些元素最有共鸣。它告诉我,艺术欣赏是一个非常主观的过程,没有绝对的对错,关键在于我是否能够真诚地与画面进行交流。这本书让我觉得,艺术不再是遥不可及的高雅殿堂,而是可以融入生活,丰富我日常体验的一部分。

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这本书的出现,简直就是我这种“伪文青”的福音。我一直觉得自己对艺术有那么一点点兴趣,但每次去美术馆,看到那些抽象的、或者说是“看不懂”的画作,总是免不了有些尴尬。总觉得别人都看得津津有味,就自己像个局外人。这本《如何看一幅画》,它提供了一种非常实用的方法论,让我能够更自信地去面对那些曾经让我感到困惑的画作。我特别喜欢书中关于“形式美”的讲解,它不仅仅是说画面是否和谐,而是深入到构成画面的基本元素,比如点、线、面之间的关系,以及它们是如何相互作用,共同营造出视觉上的韵律和节奏。它让我意识到,即使是看似杂乱的画面,也可能遵循着某种内在的秩序。书中还花了很大篇幅讲解了“色彩的心理学”,这对我来说非常有启发。我一直觉得色彩只是好看不好看的问题,但读了这本书才知道,不同的颜色组合会唤起我们内心不同的情绪,比如暖色调带来的活力和温暖,冷色调带来的冷静和深邃。它还教我如何去分析画家的色彩运用,是如何通过色彩来塑造空间,如何通过色彩来引导视线。我记得有一个章节讲到“画面的叙事性”,让我惊叹于画家如何能够用静止的画面来讲述一个生动的故事。它教会我如何去关注人物的表情、手势,以及画面中的道具和环境,去推断出画家想要传达的信息。这本书,让我觉得看画不再是一件被动接受的事情,而是一个主动探索和解读的过程。它让我觉得,我也可以像一个侦探一样,去发掘画作背后隐藏的秘密。

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对于我这样一个对艺术史理论深恶痛绝的人来说,这本《如何看一幅画》简直是一股清流。我一直觉得,艺术应该是流淌在血液里的东西,是内心的感受,而不是那些冷冰冰的定义和标签。很多书上来就告诉你莫奈是印象派的代表,梵高是后印象派的巨匠,然后开始罗列他们的生平事迹,我读着读着就感觉像在背高考历史试题,完全失去了兴趣。但这本书,它从一个非常“接地气”的角度出发,让我觉得看画是一件非常有趣的事情。它不会告诉你“这是什么派”,而是教你“这个画面在说什么”。比如,它会引导我去关注画家的笔触,是细腻的、还是粗犷的,不同的笔触会带来什么样的视觉效果和情感冲击。它还会让我留意画面的色彩运用,为什么有些画家喜欢用鲜亮的颜色,有些则偏爱沉郁的色调,这些色彩背后隐藏着怎样的情绪和意境。书中还有很多关于“留白”和“空寂”的讨论,这让我意识到,画面中没有画出来的部分,有时候比画出来的内容更重要。我一直对东方绘画中的留白很感兴趣,但一直不理解其中的妙处,这本书给了我很好的启示。而且,书中还穿插了一些关于不同时代、不同地域的绘画风格的探讨,但它不是以教条的方式灌输,而是将这些风格特点融入到具体的画面分析中,让我能更容易地理解这些风格的独特性和它们所反映的时代精神。我特别喜欢书中关于“叙事性”的讲解,教会我如何从画面的人物姿态、眼神交流,甚至是背景的细节中,解读出画家想要讲述的故事。这本书让我觉得,看画不仅仅是看色彩和线条,更是一场与画家的对话,是一次穿越时空的交流。我真心推荐给所有那些觉得艺术高不可攀,或者曾经被枯燥的艺术史理论吓退的人。

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在阅读这本书之前,我对于“看画”这件事,总有一种“看热闹”的心态,看到绚丽的色彩,精美的构图,就觉得“好”,但除此之外,就没了。我曾经尝试着去阅读一些艺术评论,但那些过于专业的术语和抽象的理论,总是让我望而却步,感觉自己永远也无法真正理解艺术。这本《如何看一幅画》,则完全改变了我的看法。它以一种非常温和、且极具启发性的方式,带领我走进艺术的世界。我最喜欢的部分是关于“画面的叙事性”的解读。作者通过对不同作品的分析,让我明白,即使是静止的画面,也能够讲述一个完整的故事。人物的眼神、姿态,周围的环境,甚至是光影的投射,都能够成为故事的线索。这让我觉得,看画就像在听一个没有声音的故事,需要我用眼睛去捕捉,用心去解读。书中关于“象征意义”的讲解也让我大开眼界。我曾经以为,画家描绘的每一个物体,都只是画面的组成部分,但这本书让我意识到,很多看似不起眼的物件,可能都承载着画家深刻的寓意。比如,一束鲜花可能象征着短暂的美丽,一只鸟可能象征着自由,一本书可能象征着知识。这些象征意义的解读,让我的观画体验变得更加丰富和立体。它让我觉得,每一次观画,都是一次与画家的对话,一次对人类情感和思想的探索。这本书,让我觉得艺术不再是遥不可及的艺术品,而是可以融入生活,丰富我精神世界的宝贵财富。

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这本《如何看一幅画》绝对是我近年来最惊喜的一本书。我一直觉得自己是个对艺术不太开窍的人,看到那些挂在美术馆里的画作,常常是走马观花,即便停下来,也只是看看颜色是否鲜艳,构图是否对称,然后就默默走开,内心深处总觉得遗漏了些什么。我曾试图自己去钻研一些艺术史书籍,但那些枯燥的年代、流派的介绍,加上大量我不认识的艺术家名字,总是让我望而却步。直到我偶然翻开这本《如何看一幅画》,我才发现,原来“看画”这件事,也可以如此引人入胜,如此富有逻辑。作者并没有上来就给你灌输一套高深的理论,而是循序渐进地引导我,从最基本的视觉元素入手,比如线条的走向如何传达情绪,色彩的冷暖如何影响氛围,光影的明暗如何塑造空间感。我记得其中有一章讲到“构图的语言”,我以前只觉得画面的安排是随意的,但读完才知道,原来横线能带来平静,竖线能传递力量,斜线则充满动感。作者甚至举了很多不同画作的例子,让我能够立刻对照着书中的讲解去观察,那种豁然开朗的感觉,真的难以言喻。而且,这本书的语言风格非常平实,没有故弄玄虚,也没有使用太多艰涩的专业术语,哪怕是像我这样的艺术小白,也能轻松理解。它不是让你成为艺术家,而是让你成为一个更懂得欣赏美的普通人。它让我重新审视了自己对艺术的认知,原来我并非不懂艺术,只是缺乏一把开启欣赏之门的钥匙,而这本书,恰恰就是那把金钥匙。它改变了我逛美术馆的习惯,我现在不再是匆匆忙忙地打卡,而是会放慢脚步,细细地去“读”每一幅画,去感受画家的笔触,去揣摩画家的心思。这本书,绝对是值得每一个热爱生活、渴望提升审美的人拥有的。

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我一直认为,艺术应该是直觉的、感性的,是那种“懂就是懂,不懂就是不懂”的东西。所以,对于很多讲解艺术的书,我总是持保留态度,总觉得它们在试图将艺术“科学化”,反而失去了原有的魅力。然而,《如何看一幅画》这本书,却给了我完全不同的体验。它没有用那些让人望而生畏的理论公式,而是从最直观的视觉元素入手,一点一点地引导我去观察和思考。我印象最深刻的是关于“光影的雕塑感”的讲解。作者通过分析一些大师的作品,让我明白,光影不仅仅是画面明暗的对比,更是能够塑造物体形态、营造空间深度、甚至影响人物情感的重要手段。他举的例子非常生动,让我能够清晰地看到,同样的物体,在不同的光线照射下,会呈现出截然不同的质感和氛围。此外,书中关于“色彩的情感魔力”的论述也让我受益匪浅。我一直以为色彩只是用来区分物体和美化的,但这本书让我意识到,色彩本身就蕴含着丰富的情感信息。暖色调的奔放与热情,冷色调的沉静与忧郁,它们能够直接触动观者的内心,引发共鸣。它还教会我如何去分析画家的色彩搭配,是和谐的、还是冲突的,这种色彩的选择背后隐藏着怎样的意图。这本书,让我觉得看画不再是一件被动的接受,而是一个主动的、富有创造力的过程。它让我学会了如何去“读”懂画面,如何去体会画家想要传达的情感和思想。

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很好很喜欢!!!!!

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买了居然就看不下去了,这心态有点问题啊....另外,对行文语法有点不太喜欢,非常主观的一本书。

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买了居然就看不下去了,这心态有点问题啊....另外,对行文语法有点不太喜欢,非常主观的一本书。

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比书店真是便宜太多了???

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啊评价评得我好烦躁!

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比书店真是便宜太多了???

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很好很喜欢!!!!!

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随便看了看,内容保留意见,画不错~

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