实在的回归：世纪末的前卫艺术 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 哈尔·福斯特 著，杨娟娟 译

图书标签:

• 艺术史
• 现代艺术
• 世纪末艺术
• 前卫艺术
• 文化研究
• 艺术理论
• 西方艺术
• 回归
• 历史
• 艺术批评

出版社： 江苏凤凰美术出版社

ISBN：9787534474897

版次：1

商品编码：11780216

包装：平装

开本：16开

出版时间：2015-08-01

用纸：纯质纸

页数：336

编辑推荐

　　

　　20世纪60年代以来，艺术与批评理论越来越紧密地交织在一起，这是由艺术家和评论家共同促成的。在《实在的回归：世纪末的前卫艺术》中，美国著名艺术史家和艺术批评家哈尔·福斯特提出了对新前卫与历史前卫艺术之间关系的新解释，讨论了多种多样的当代艺术与理论，从极简主义与波普，到仿真画、商品雕塑等新范式；从语言学转向、人类学转向，到实在界的回归。此书见解深刻，极富独创性，出版20年来在西方学术界卓有影响力，是书写当代艺术史与艺术理论的杰出的著作之一。
　　
　　

内容简介

　　《实在的回归:世纪末的前卫艺术》是美国当代著名艺术批评家和艺术史家哈尔·福斯特的批评论文集，广泛而深刻地探究了多种艺术现象和理论模型。作为后现代批评家的代表人物，福斯特认为，新前卫艺术不是对历史前卫艺术的简单模仿或重复，后现代主义也绝非对现代主义的简单突破或决裂。相反，在过去和当下之间有一种复杂的辩证关系，一种延迟效应（精神分析中的后遗效应）。
　　本书的第一章论证了新前卫艺术对于历史前卫的延迟效应，在这一铺垫之后，第二章立即提出了一种以极简主义与波普为核心的当代艺术谱系，之后的章节则讨论了当代艺术实践中的语言学转向、犬儒理性、对“实在”的表现和人类学转向等。本书运用文学、哲学和心理学的前沿理论来解读林林总总、光怪陆离的艺术现象，展现了20世纪的创新艺术和理论之间的复杂纠葛。尤其是本书的第一章和第五章，从弗洛伊德的创伤理论、延迟效应理论，到拉康的三界理论，再到克里斯蒂娃的卑贱理论，层层深入，洞隐烛微，是运用精神分析模型解读艺术现象的经典文本。

作者简介

　　哈尔·福斯特（Hal Foster, 1955-），美国著名艺术批评家和艺术史家，现任普林斯顿大学艺术与考古系汤森·马丁讲席教授，《十月》的编辑。曾主编著名的《反美学：后现代文化论集》（1983），是后现代批评家的杰出代表。他的批评实践活跃而多元化，著述甚丰，从早年的《重新编码：艺术，景观，文化政治》（1985）、《强迫性的美》（1993）、《实在的回归：世纪末的前卫艺术》（1995）和《设计之罪》（2002）等等，到近期的《艺术X建筑》（2011），迄今共计15本之多。
　　2010年，他获得了克拉克艺术中心颁发的杰出艺术写作奖。2013年，他获得了美国大学艺术学会颁发的马瑟奖，表彰他的写作“为我们这个时代艺术与文化的严肃研究工作，引入、激发并设立了一个极高的标准”。
　　他的批评目光遍及日益复杂的种种文化工业机制，以细密的观察拓展了文化批评的边界，让艺术家、赞助人和批评家似乎完全不相干的活动之间，有了生机勃勃的紧密链接。

内页插图

精彩书评

　　★哈尔·福斯特的论著一次次地刷新了艺术实践中的紧急问题与理论联想的交汇点。他为那些在关于美国文化的轮廓与方向的广泛争议中想知道当代艺术为何重要的人，提供了一份导向情报。
　　——托马斯·克洛（Thomas Crow），耶鲁大学艺术史系罗伯特·雷曼讲席教授

前言/序言

实在的回归：世纪末的前卫艺术 图书简介 本书并非探讨世纪末（Fin de Siècle）时期艺术思潮的流变，更不涉及任何关于“回归”或“实在性”的哲学探讨。它聚焦于一个完全不同的领域：二十世纪中叶至后半叶，特别是1950年代至1970年代间，在北美和西欧蓬勃发展的特定类型抽象表现主义和后绘画性抽象（Post-Painterly Abstraction）运动的物质性与技法革新。 我们摒弃了对“世纪末”文化忧郁或象征主义美学的关注，转而深入剖析艺术创作材料本身所经历的剧烈转变。本书的核心论点是，在战后艺术生态中，艺术家们如何通过对新材料的运用、对画布结构的颠覆以及对颜料流变特性的极端控制，完成了对传统架上绘画语言的一次彻底的结构性解构。 第一部分：材料的解放与工业时代的印记 本部分追溯了二战后，艺术界对传统油画媒介的集体反思。传统油画颜料的厚重感、光泽度以及固有的“尊贵”地位，在原子能时代和大众消费文化的冲击下，显得日益滞后。 1. 丙烯酸的崛起与流变学（Rheology of Acrylics）： 详细考察了美国化学工业进步如何催生了丙烯酸聚合物乳胶颜料。这种新型媒介的干燥速度、透明度、以及其在不同载体（如未上底的粗麻布、工业纤维板甚至塑料薄膜）上的附着力，彻底改变了绘画的物质基础。我们不仅分析了其化学性质，更侧重于艺术家如何利用其快速干燥的特性，实现色彩的平涂（Color Field）效果，避免传统油画中笔触的“雕塑感”。 2. 工业涂料与非艺术材料的挪用： 本章着重分析了坦培拉（Tantamount）和工业清漆在抽象艺术中的应用。艺术家们开始有意识地从建筑工地和汽车喷漆车间获取材料。这些材料的非艺术性标签，是对艺术精英主义的直接挑战。书中通过对一系列关键作品的显微分析，揭示了这些工业涂料在时间流逝中展现出的非预期氧化和降解模式，它们构成了艺术品“生命周期”的全新维度。 3. 载体的反叛：从画布到结构： 我们不再将画布视为被动的背景，而是将其视为参与构建作品的活跃元素。书中详尽比较了硬边艺术（Hard-Edge Painting）对精准几何裁切的追求，以及早期极简主义倾向的艺术家如何使用铝板或模制纤维板，完全消除传统织物的纹理感。这是一种对“绘画即表现”这一传统观念的物质性否定。 第二部分：技法的革命：从笔触到过程 本书的第二部分将注意力集中在创作方法的演变上，特别是如何从“艺术家有意识的构建”转向“媒介的自发行为”。 1. 滴流与倾泻：对重力的驯服与释放： 我们深入探讨了那些将绘画行为转化为一种物理事件的艺术家。这不仅仅是风格的模仿，而是对颜料粘度和表面张力的精确计算。书中通过大量的实验记录和工作室照片，解析了艺术家如何通过倾斜画架、控制颜料的初始速度和量度，使颜料在二维平面上产生三维的流体动力学效果。重点分析了色彩间的相互渗透和边界的消融，这与传统绘画中清晰的色彩界限形成鲜明对比。 2. 平涂与色域的边界：感知的空间重构： 本部分聚焦于那些致力于消除笔触和视觉错觉，以实现色彩对观者感官的直接冲击的流派。我们分析了色彩如何被处理成一个均匀、近乎无限的“场域”（Field）。这些作品的成功不在于描绘对象，而在于其尺寸如何迫使观者沉浸其中，模糊了作品与观看空间之间的界限。这是一种对传统透视法和空间深度的彻底告别。 3. 绘画的“去技能化”：结构与偶然性的平衡： 探讨了艺术创作中“偶然性”（Chance Operation）在战后抽象艺术中的作用。一些艺术家引入了非传统的工具——如刮刀、滚筒、甚至水管——来涂抹、刮除或稀释颜料。这种“去技能化”并非是对技艺的摒弃，而是对“何为必要的技艺”的重新定义。作品的完成度越来越依赖于材料本身的物理反应，而非艺术家传统意义上的手部控制。 第三部分：上下文的重置：艺术体制的物质反馈 最后，本书将目光投向了这些物质革命对艺术展示和收藏体制产生的影响。 1. 尺寸的膨胀与环境的适应： 战后抽象画作的尺寸普遍增大，这并非仅仅为了气势磅礴，而是为了匹配新生的博物馆建筑空间以及更广阔的室内设计需求。我们分析了大型作品在运输、装裱和光照条件下的物质挑战，这些挑战反过来又促使艺术家更加关注作品的背部结构和边缘处理，使其成为一个完整的“物体”。 2. 批评的语言与物质性的疏离： 考察了当时艺术评论如何努力用现有的、基于传统美学的词汇来描述这些革命性的物质实践。许多批评在试图用“情感深度”或“内在精神”来解读这些高度物质化和去个人化的作品时遭遇了困难。本书试图通过聚焦于材料和技法，为理解这些作品提供一个更坚实的、基于“可观察的物理事实”的分析框架。 结论：走向后绘画的实在 《实在的回归：世纪末的前卫艺术》并不试图为任何特定流派贴上“终结”或“开始”的标签。它旨在提供一个细致的、基于物质证据的考察报告，阐明在二十世纪中叶的特定历史节点，艺术家们如何通过对颜料、载体和工具的重新定义，创造出一种全新的、与工业时代物质环境紧密耦合的视觉艺术形式。这是一部关于颜料如何成为思想、以及结构如何取代叙事的物质史。

评分☆☆☆☆☆

从语言风格来看，这本书展现出了一种罕见的、近乎冷酷的精确性，但这种精确性并非枯燥，反而因为它对术语的精准运用，使得理论的重量感十足。作者似乎毫不留情地剥离了那些空洞的赞美，直击艺术作品的核心肌理。尤其是在批判那些盲目追逐潮流的现象时，其笔锋犀利而精准，不带一丝温情。但奇怪的是，在这种近乎苛刻的分析背后，又潜藏着一种深沉的同理心，仿佛作者对那些在时代洪流中挣扎的创造者们，抱有一种近乎悲悯的理解。这种复杂的情感张力，让阅读过程充满了张力，你既为那些天才的洞见感到震撼，又为他们所处的困境感到唏嘘。这本书的句子结构多变，长句中夹杂着短促有力的断言，如同交响乐中忽强忽弱的力度对比，极具感染力。

评分☆☆☆☆☆

阅读体验上，这本书像是在走一条极其蜿蜒曲折的迷宫，你以为走到了尽头，却发现前方还有更深邃的空间。它的行文节奏非常自由，时而如同冷静的学术论文，大量引用晦涩的理论文本，需要读者极高的专注力去解码；时而又像一位激情四射的策展人在对你娓娓道来那些不为人知的故事，充满了戏剧性的冲突和人物的鲜活生命力。我尤其欣赏它在章节间的过渡处理，那种跳跃感并非杂乱无章，而是遵循着一种内在的、非线性的逻辑流淌，就像是不同流派艺术家的思想碰撞现场。它很少提供明确的答案，更多是抛出问题，引导你去思辨，这对于一个习惯了标准答案的读者来说，既是一种挑战，更是一种解放。读完某一章节，我常常需要停下来，点上一支烟，整理一下脑海中被激活的无数联想，那感觉，就像是进行了一场马拉松式的精神对话。

评分☆☆☆☆☆

这本书最令人称道的一点，在于它对不同媒介和文化现象之间界限的消融处理。它不仅仅局限于传统的绘画、雕塑，而是将新兴的影像艺术、电子乐、甚至城市游击文化都纳入了考察范围。作者构建了一个宏大的文化场域，将那些在那个特定历史时期中萌芽的、充满实验性的创作实践串联起来，形成了一个有机的整体。比如，它对某一波次工业噪音音乐如何反哺到视觉艺术创作中的分析，简直是教科书级别的跨学科论证。我原以为这些分散的元素难以整合，但作者高超的组织能力，使得看似无关的碎片最终拼凑出了世纪末艺术那张复杂而迷人的全景图。这不仅仅是艺术史，简直就是一部关于“反体制”与“自我重塑”的文化人类学著作，它让我们看到，真正的先锋性是如何从边缘地带野蛮生长出来的。

评分☆☆☆☆☆

对于任何想要深入了解特定历史时期文化精神内核的读者来说，这本书都是一个不可或缺的参考坐标。它不仅仅记录了“发生了什么”，更重要的是，它试图解释“为什么会以这样的方式发生”。作者对时代精神的捕捉能力令人印象深刻，那种在技术飞速发展与社会结构松动时，艺术家们所体验到的集体焦虑和希望，被描绘得入木三分。它提供了一套解析复杂文化现象的底层逻辑框架，读完之后，你在审视当下任何一种新兴的艺术表达时，都能找到历史的回响和理论的支撑。这本书的价值在于，它提供了一种“回溯性理解”的能力，让你明白，今天的看似理所当然的艺术表达，在当时是多么具有颠覆性和前瞻性。这是一部需要被反复阅读和细细咀嚼的文本，每一次重读，都会因为自身阅历的增长而带来新的发现。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直就是一场视觉盛宴，充满了后现代主义的解构与重组，那种粗粝的质感和跳跃的色彩搭配，一下子就将你拉入了一个充满矛盾与张力的艺术世界。我特别喜欢它对“真实”和“虚构”边界的模糊处理，仿佛每翻开一页，都在挑战你对既有美学观念的固有认知。作者在引言部分对世纪末文化思潮的梳理，那种细腻的笔触和深刻的洞察力，让我立刻意识到这不是一本泛泛而谈的艺术史读物，而是一次深入骨髓的文化考古。特别是它对那些被主流艺术史边缘化的独立艺术家的挖掘和重估，那种带着些许叛逆和批判精神的叙事方式，让人读起来酣畅淋漓。装帧的用心程度也值得称赞，纸张的厚重感和油墨的沉稳气息，都衬托出内容本身的力量。我甚至能感觉到，这本书不仅仅是在讲述艺术，更是在重构一种看待世界的视角，一种在喧嚣与迷惘中寻找立足点的哲学姿态。这种对细节的执着，恰恰体现了作者对主题的敬畏之心。

评分☆☆☆☆☆

此套书都不错，从中了解一下西方的东西。

评分☆☆☆☆☆

慢慢研读

评分☆☆☆☆☆

不错的书，读读会有收获。

评分☆☆☆☆☆

好书，值得收藏，买来好好看看！

评分☆☆☆☆☆

1、书是阶梯，帮助人们登上理想的高峰。

评分☆☆☆☆☆

内容丰富，印刷很好，书中论述的观念、思想正是我所关注的。喜欢！

评分☆☆☆☆☆

此套书都不错，从中了解一下西方的东西。

评分☆☆☆☆☆

8、书店里的书真多啊！这里是书的矿藏，每一本书中都蕴含着学问的智慧锦囊；这里是书的海洋，每一本书都汹涌着知识的金沙银浪；这里是书的丛林，这里每一本书都鼓励着你我把幽秘探访。

评分☆☆☆☆☆

1、书是阶梯，帮助人们登上理想的高峰。