哥特式雕塑與繪畫中的理想主義與自然主義 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

簡體網頁||繁體網頁

☆☆☆☆☆

[奧] 德沃夏剋 著

圖書標籤:

• 哥特藝術
• 雕塑
• 繪畫
• 理想主義
• 自然主義
• 中世紀藝術
• 藝術史
• 西方美術
• 哥特式風格
• 藝術理論

齣版社： 北京大學齣版社

ISBN：9787301262290

版次：1

商品編碼：11794348

包裝：平裝

叢書名： 美術史裏程碑

開本：16開

齣版時間：2015-10-01

用紙：膠版紙

頁數：262

內容簡介

　　《哥特式雕塑與繪畫中的理想主義與自然主義》是德沃夏剋的一部方法論著作，也是他的《作為精神史的美術史》的姊妹篇，1918年在慕尼黑一經齣版便引起轟動，使他躋身於德語國傢美術史傢的前列。德沃夏剋以此書開創瞭美術史領域中精神史的研究方法，從而豐富瞭維也納學派的方法論。
　　正是在哥特式雕塑與繪畫中，德沃夏剋發現，自然主義與理想主義之間的衝突，是與同時代實在論與唯名論之間的衝突相平行的。但德沃夏剋並不是簡單地從神學傢的著述中推斷齣中世紀藝術的精神品質，而是認為，它們都是中世紀世界觀的産物；中世紀藝術既源於這種世界觀，又反映瞭這種世界觀--基督教唯靈論。德沃夏剋的思想在當時具有極大的影響力與性，也對20世紀諸如豪澤爾、潘諾夫斯基等一大批20世紀美術史傢産生瞭深刻的影響。

作者簡介

　　德沃夏剋（MaxDvorak，1874—1921)，維也納美術史學派的後起之秀，繼維剋霍夫和李格爾之後重要的學者。

前言/序言

雕塑中的自然之魂：從古典到巴洛剋的視覺變遷 一書簡介 本書深入探討瞭自古希臘城邦時代至巴洛剋盛期的西方雕塑藝術，聚焦於藝術傢如何在不同曆史時期處理“理想化”與“自然再現”之間的張力。我們旨在描摹一條清晰的脈絡，展示雕塑語言如何從追求永恒的、超越個體的完美形態，一步步轉嚮對瞬時情感、物質紋理和具體人物的精微捕捉。 第一部分：古典的秩序與對美的定義（公元前5世紀—公元前1世紀） 本部分首先迴溯到古希臘古典時期的藝術哲學基礎。在伯裏剋利時代，雕塑傢們如菲狄亞斯和波留剋列特斯，緻力於構建一種基於數學比例和幾何學的“理想美”。我們詳細分析瞭波留剋列特斯提齣的“規範”（Canon），以及這種規範如何被應用於人體的描繪中，以錶達城邦公民的美德和神性的和諧。重點探討瞭“對立平衡”（Contrapposto）的誕生，這種姿態的革新，使得原本僵硬的雕塑獲得瞭內在的生命感，但這種生命感仍處於嚴格的理性控製之下。 隨後，我們將目光投嚮希臘化時期。隨著亞曆山大大帝的東徵，藝術的關注點開始從城邦的宏大敘事轉嚮個體的情感體驗。我們細緻考察瞭《米洛的維納斯》和《薩莫色雷斯的勝利女神》等作品，分析瞭這些作品如何開始注入戲劇性的動態和對材質（如衣物的褶皺）的逼真處理，這預示著對純粹理想的鬆動。 羅馬雕塑的齣現標誌著對“自然主義”的強力迴歸。羅馬人繼承瞭希臘的技藝，卻將其服務於政治宣傳和傢族紀念。本書詳盡分析瞭羅馬的“肖像頭”傳統。與希臘雕塑傢力圖消除個體特徵、追求普遍性不同，羅馬的元老和皇帝的半身像以其毫不留情的真實感著稱——皺紋、下垂的眼袋、甚至禿頂都被精確地記錄下來。這種對“真實麵容”的執著，構成瞭古典世界中自然主義的第一個高峰。我們通過對奧古斯都胸像的分析，展示瞭如何在高度寫實的政治肖像中，巧妙地融入瞭古典的理想化手法，以塑造“永恒的領袖”形象。 第二部分：中世紀的形變與精神的超越（公元4世紀—14世紀） 基督教的興起徹底顛覆瞭西方藝術的關注點。本書指齣，從中世紀早期（如加洛林和奧托王朝）到盛期哥特時期，雕塑的焦點從對肉體的贊美轉嚮瞭對靈魂的引導。 在這一時期，理想與自然的關係被神學徹底重塑。人體比例不再受製於任何世俗的“規範”，而是服務於敘事和教義的需要。我們深入研究瞭羅馬式大教堂的雕塑群——那些緊湊、扭麯的人物形象，它們常常被擠壓在楣拱和柱頭上。這些形體的“失真”並非源於技藝的倒退，而是有意識地服務於精神的錶達：聖徒的消瘦是為瞭體現禁欲的虔誠，而地獄場景中的惡魔則被賦予瞭病態的、非人的形態。 中世紀盛期哥特式雕塑的演變，是本書討論的重點之一。以沙特爾大教堂和蘭斯大教堂的雕像為例，雕塑傢們開始從建築的桎梏中解放齣來，人物形象逐漸變得圓潤、衣褶的下垂也更加自然。這並非是對古典的簡單迴歸，而是在保持宗教敘事核心的前提下，對人類情感和形態的溫和探索。維納斯形象的缺席，使得對“人性”的探索，主要在聖母和聖徒的形象中得以體現，關注點在於慈悲、痛苦和虔誠。 第三部分：文藝復興的迴歸與對立的平衡（15世紀—16世紀） 文藝復興的曙光意味著對古典價值的係統性重估。佛羅倫薩的藝術傢們，如多那太羅和米開朗基羅，不僅重新發現瞭古典雕塑的技法（如對人體解剖的精確理解），更重要的是，他們重新確立瞭人作為宇宙中心的地位。 多那太羅的《大衛》標誌著一個裏程碑：它是西方藝術史上第一件獨立的人體青銅雕像。本書詳細對比瞭多那太羅的少年大衛與古典時期的英雄雕像，分析瞭如何通過對少年身體的柔和處理，將古典的理想美與文藝復興初期對“人性”的細膩觀察結閤起來。 米開朗基羅的創作則將“理想主義”推嚮瞭極緻，甚至超越瞭古典的限製。他的“神性”雕塑（如西斯廷教堂的摩西、未完成的“囚徒”係列）不再是對既有完美的復製，而是雕塑傢內心“理念”的掙紮與釋放。我們分析瞭米開朗基羅如何運用“未完成”（Non-finito）的手法，暗示瞭從大理石母體中解放“理想形式”的艱辛過程。他的作品展現齣一種高度緊張的、內在張力，這是一種超越簡單自然主義的、充滿意誌力的理想主義。 第四部分：風格主義的異化與巴洛剋的感官衝擊（16世紀後期—17世紀） 文藝復興的和諧被風格主義（Mannerism）所打破。這一時期的藝術傢，如詹波隆那，開始故意扭麯和拉長人體，以錶達更復雜、更不安的精神狀態。書中探討瞭這種“形式的解放”如何為巴洛剋的爆發奠定瞭基礎。 巴洛剋雕塑，以貝尼尼為代錶，實現瞭對自然與理想的宏大綜閤。貝尼尼的《大衛》與米開朗基羅的版本形成瞭完美的對讀：如果說米開朗基羅的雕塑凝固瞭英雄齣徵前的意誌，那麼貝尼尼捕捉的則是投石瞬間的全部動態——肌肉的收縮、眼神的聚焦、衣物的飛揚。這是一種對“瞬間”的絕對捕獲，是對自然主義在時間維度上的極緻延伸。 本書最後分析瞭貝尼尼如何將雕塑與建築、光綫融為一體（如《聖特蕾莎的狂喜》）。他不僅再現瞭雕塑的自然形態，更利用大理石的材質特性，賦予其前所未有的光影效果和情感深度，使觀眾仿佛置身於神跡發生的那一刻。這種將完美形式（理想）服務於戲劇化敘事（自然經驗）的技藝，標誌著西方雕塑對美學張力的探索達到瞭一個階段性的高潮。 本書旨在為讀者提供一個跨越兩韆年的雕塑史的視角，理解藝術傢們如何不斷地調整他們在“永恒的完美”與“易逝的真實”之間的平衡點。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計非常引人注目，封麵采用瞭深邃的墨綠色，配以燙金的文字和一幅精美的中世紀手稿插畫局部。初次翻閱時，就被那種撲麵而來的曆史厚重感所吸引。作者在引言部分就展現齣深厚的學術功底，對於文獻的梳理和史料的挖掘都達到瞭極高的水準。尤其是在探討早期基督教藝術嚮羅馬式過渡時期的圖像學變遷，敘述得極為精煉，沒有絲毫的拖泥帶水，直指核心問題。我特彆欣賞作者在描述那些晦澀難懂的雕塑細節時，所采用的精確而富有畫麵感的語言。例如，他描述某件聖徒雕像的麵部錶情時，不是簡單地用“悲傷”或“寜靜”來概括，而是細緻入微地分析瞭顴骨的起伏、眼瞼的下垂角度，以及光綫在其褶皺上的反射效果，仿佛讓人真的站在瞭那座冰冷的石像前。全書的排版也十分考究，大量的精美黑白拓片和高清彩圖穿插其中，且圖片說明詳實準確，這對於研究者來說無疑是極大的便利。這本書的學術價值和藝術鑒賞價值都毋庸置疑，它不僅僅是一本教科書，更像是一部沉靜而有力的藝術史詩。

評分☆☆☆☆☆

這本書的閱讀體驗，坦率地說，需要極大的專注度和時間投入，它絕不是可以用來消遣的“咖啡桌讀物”。每一頁都充滿瞭信息密度極高的論述，作者傾嚮於使用嚴謹的學術術語，這使得初讀時會有些吃力。我甚至需要時不時停下來，查閱一些古老的拉丁文術語的含義，纔能完全把握作者在闡述某一特定雕刻技法時的微妙之處。然而，一旦你適應瞭這種節奏，它帶來的學術迴報是巨大的。我特彆喜歡作者在批判性迴顧前人研究成果時所錶現齣的那種審慎態度。他不會輕易推翻經典論斷，而是通過引入新的考古發現或更精細的文本分析，對舊有的結論進行“修正”和“完善”。這種學術上的謙遜與銳氣並存的寫作風格，令人十分欽佩。這本書更像是一份厚重的、需要反復研讀的工具書，適閤在安靜的書房裏，伴著一杯熱茶，進行深度學習和研究。

評分☆☆☆☆☆

這本書的語言風格給我一種強烈的“沉浸式體驗”。作者的文筆如同他所描繪的那些精美的彩繪玻璃窗，色彩豐富且結構復雜。他擅長使用長句和排比，來營造齣一種史詩般的宏大敘事感。比如，在描述“天堂之門”浮雕時，作者描繪瞭光綫如何穿透陰影，賦予瞭人物栩栩如生的生命力，文字本身仿佛也帶有瞭雕塑的立體感。這種藝術性的文字錶達，讓原本枯燥的文物分析變得生動起來。不過，不得不承認，這種高度風格化的寫作方式，也造成瞭一定的閱讀障礙，尤其是在處理那些需要快速獲取信息的時候。但對於那些真正熱愛藝術史的人來說，這種文采無疑是一種享受。它不隻是在“告知”你知識，更是在“感染”你，讓你感受到中世紀匠人們在泥土和石頭中傾注的全部心血與信仰。這本書似乎在邀請讀者，放下現代的視角，真正走入那個充滿虔誠與神秘的時代。

評分☆☆☆☆☆

讀完此書的幾章後，我最大的感受是作者在處理不同地區、不同時期藝術風格的差異性上，展現齣瞭驚人的敏感度和分析力。比如，他並沒有將“哥特式”視為一個僵硬的、鐵闆一塊的風格標簽，而是巧妙地將其拆解為法蘭西的“光之建築”與德意誌的“木刻傳統”等多個分支進行深入對比。這種“去中心化”的研究視角，極大地拓寬瞭我對中世紀晚期藝術的理解邊界。其中關於聖母形象演變的一章尤其精彩，作者對比瞭巴黎聖母院宏偉的聖母雕像與意大利地方小教堂中更為質樸、更具人間煙火氣的聖母塑像，深入剖析瞭這種差異背後所反映的世俗生活與神學觀念的細微差彆。他引用瞭大量當時教士的布道詞和貴族的私人信件作為佐證，使得對藝術作品的解讀不再是孤立的圖像分析，而是真正融入瞭當時的社會語境之中。這本書的論證邏輯層層遞進，邏輯鏈條非常清晰，即便是初次接觸該領域的新手，也能被作者清晰的思路引導，逐步領悟到復雜的藝術史脈絡。

評分☆☆☆☆☆

我發現這本書在對不同媒介的交叉分析上做得尤為齣色。很多關於“哥特式”的論著往往側重於建築，或者孤立地看待繪畫，但這本書卻能將哥特式雕塑的綫性和繪畫的平麵感、以及晚期玻璃畫的色彩邏輯，放在一個統一的“視覺語言”體係下進行考察。作者花瞭大量篇幅討論雕塑的“外嚮性”——即雕塑如何被設計來與周圍的建築空間（如飛扶壁或門楣）進行對話，以及這種對話如何影響瞭人物的姿態和比例。這種跨學科、跨媒介的綜閤分析，避免瞭將藝術史研究碎片化的傾嚮。整本書的論述脈絡清晰得像是中世紀大教堂的哥特式肋拱結構，每一個支點都支撐著上方的知識穹頂。讀完此書，我對中世紀藝術的理解不再局限於單一的形象識彆，而是上升到瞭對其背後所承載的文化哲學和審美標準的深度認知。它成功地為讀者搭建瞭一個理解中世紀晚期藝術觀念體係的堅實框架。

評分☆☆☆☆☆

還不錯。包裝沒問題，送的也算及時。

評分☆☆☆☆☆

贊嘆

評分☆☆☆☆☆

贊嘆

評分☆☆☆☆☆

內容簡介

評分☆☆☆☆☆

當代學術棱鏡譯叢 萌在他鄉：米勒中國演講集

評分☆☆☆☆☆

這套書都很好，值得購買

評分☆☆☆☆☆

德沃夏剋（MaxDvorak，1874—1921)，維也納美術史學派的後起之秀，繼維剋霍夫和李格爾之後重要的學者。

評分☆☆☆☆☆

收到 滿減加優惠券 3摺多一點 很便宜

評分☆☆☆☆☆

內容簡介