火之鸟：爵士、摇滚、疯克与融合音乐的创立 [Jazz,Rock,Funk and the Creation of Fusion] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 凯文·费尔利兹（Kevin Fellezs） 著，刘研 译

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• 爵士乐
• 摇滚乐
• 融合音乐
• 放克音乐
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• 火之鸟

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810967952

版次：1

商品编码：12062011

包装：平装

外文名称：Jazz,Rock,Funk and the Creation of Fusion

开本：16开

出版时间：2016-12-01

用纸：胶版纸

页数：318

正文语种：中文

内容简介

　　《火之鸟：爵士、摇滚、疯克与融合音乐的创立》着重研究盛行于美国1960-1970年代，被称为“融合”风格的流行音乐。作者凯文·费尔利兹认为，“融合”风格的音乐呈现出的混杂状态并不属于任何流派，音乐创作者通过混合不同音乐和文化的传统，试图寻求对风格界限、文化阶层和价值预设的突破。全书共七章，前三章从观念层面上讨论了与“融合”相关的问题；后四章则分析了当时具有代表性四位演唱者。他强调了这些“融合”艺术家们对习俗的挑战，同时也关注在什么情况下一个流行音乐人能够被视作艺术家。

作者简介

　　凯文·费尔利兹，博士，美国哥伦比亚大学音乐系、非裔美国人研究所助理教授，《跨现代性》《金属音乐研究》和《金属音乐与文化研究》期刊编委。毕业于美国旧金山州立大学、加利福尼亚大学圣克鲁斯分校。主要研究领域：流行音乐与身份之间的关系，特别是非洲裔、亚洲裔以及环太平洋岛屿美国社群的关系。他的研究涉猎广泛，从爵士乐、夏威夷松弦吉他、重金属到日本演歌。曾发表《奇特的相遇：亚裔美国人与流行文化》（2007）、《重金属：论战与反主流文化》（2013）及《创作歌手的剑桥指南》（2016）等论文。
　　
　　刘研，天津音乐学院音乐学系副教授，科研与研究生处副处长，天津市宣传文化“五个一批”人才，美国哥伦比亚大学音乐系访问学者，中华美学会会员，中国音乐美学学会会员，西方音乐学会会员。毕业于华南师范大学、中央音乐学院，主要研究领域：西方音乐美学、实用主义与身体美学、美国流行音乐。曾发表论文《瓦格纳“整体艺术”观念的美学研究》《审美经验的复兴——身体实用主义美学与流行音乐》《通过身体思考——理查德·舒斯特曼身体美学及其对音乐研究的启示》等。

目录

中文版作者前言
Preface to the Chinese translation
译者前言
致谢

引言
一、高手制造/对流派的思考
二、我曾在哪里见过你？/融合音乐的基础
三、重大转变/融合音乐的不满
四、非常时刻！/托尼·威廉姆斯
五、精神的汇聚/约翰·麦克劳夫伦
六、唐璜的鲁莽女儿/琼妮·米歇尔
七、变色龙/赫比·汉考克
结论
参考书目
中文人名索引

精彩书摘

　　《火之鸟：爵士、摇滚、疯克与融合音乐的创立》：
　　随着威廉姆斯在鼓上发出节奏改变的信号，器乐部分果断地回应了歌词的挑战，并通过提高音量穿过威廉姆斯轻描淡写的演唱，运用失真强调了他们的出现。威廉姆斯的鼓点持续发出节奏律动，并与拉里·杨的固定音型相对，同时又与麦克劳夫伦的独奏产生了互动。乐队合奏中拉里·杨的固定音型标志着麦克劳夫伦第一段副歌的结束。乐队的变化在麦克劳夫伦开始演奏第二段之前，随着简短的间奏回到了模糊迷幻的开始部分。
　　相对坚定而清晰的节奏，威廉姆斯用镲和铙钹发展出一串高度抽象的旋律线，麦克劳夫伦的单音主导旋律展示了他在速度和技术上的处理。在极具表现力的独奏结束之时，麦克劳夫伦和其他伙伴们突然再一次合奏并迅速回到开始部分平和的节奏律动，以及他与拉里·杨开放式的音色探索。很快，威廉姆斯又低声演唱第二段歌词：“他们要去哪儿？”
　　拉里·杨和麦克劳夫伦一起在相同的歌词处开始独奏，他用热烈的旋律回应威廉姆斯正准备演唱的“我知道他们可以说”。拉里·杨组织的管风琴独奏与麦克劳夫伦具有歌曲特征的固定音型相对。唱片中许多声音的不足就是这种不规则：拉里·杨的管风琴被混入音响空间的背景中，使得麦克劳夫伦的伴奏听起来像是前景。所有这些声音，管风琴独奏听起来像是从其他乐队成员录音的麦克风里流淌出来的，而不是一个独立的分离音轨。
　　拉里·杨第二遍的独奏副歌以低沉开始，他的管风琴始终躲在麦克劳夫伦生硬的节奏之后。杨开始演奏另一段旋律，麦克劳夫伦迅速停止之前的演奏并以更强烈的节奏重新进入，相对拉里·杨分外绚丽的独奏，麦克劳夫伦对应以急剧的下行旋律线。在管风琴独奏的中间，还出现了任意的跳接剪辑，一个拉里·杨仓促使用的缩减旋律。拉里·杨的独奏被编辑过吗？还是技术出了问题（录音机、调音台、磁带）？他的管风琴被设计在融合音乐中的低声部，删减管风琴管独奏证明了拉里·杨在Lifetime乐队中的存在有问题：作为独奏者，在管风琴三重奏中听不见他的声音；他的唱片在商业市场中一直都有，但后来关于他的事情却听不到；他的声音仅仅作为个人声音，而不是占主导地位或次一级地位的所谓管风琴三重奏的声音。
　　各种元素反复出现的形式结构——充满活力且音调色彩暗淡的节奏律动通常用在引子部分，以及作为乐器独奏之间声乐部分的间奏；这种突然变化力度的统一合奏标志着段落的转换；作为伴奏的固定音型模进；一种稳定的感觉，处于最抽象部分之下的基础律动——显示出录音作品中自我意识的歌曲结构。不过，显然乐队成员之间的互动是对话式的，蒙森（Monson）、伯利纳（Berliner）和菲尔德（Feld）将表演这种对话的含义归功于美国黑人音乐作品的特权，他们突然的变化一致暗示了现场的信号-一这些音乐家们在同一间房里共同演奏。通过Lifetime乐队交织结构和即兴元素的编排，更紧密地将它的音乐与爵士乐连在了一起。然而同一时间，乐队以开放的心态接纳了来自摇滚乐的节奏、技术和声音元素，明确表示这种音乐不同于爵士乐。
　　……

前言/序言

　　2012年，我有幸认识了来自中国北京中央音乐学院的音乐学者刘研，她在纽约研究美国当代流行音乐，我和妻子劳拉陪研和他的先生到一个小音乐酒吧听歌。2013年，劳拉和我有机会到北京拜访他们夫妇，他们热情地在一家精致的餐馆里招待了我们。在那里，我们还认识了他们的音乐家朋友。一位是中阮演奏家冯满天，据说他父亲也是演奏同类乐器的著名音乐家，他还曾是中国重金属乐队“白天使”的组建者和吉他手。另一位是中央民族乐团的箜篌演奏家吴琳，我们很荣幸在一间非常讲究的茶室中聆听了他们的私人演奏。好客的研和他的先生以及朋友们给了我们一个难以忘怀的中国旅程。
　　研在纽约的时候就和我提起想翻译《火之鸟》，我当然很高兴，但我更感兴趣的是，中国读者如何理解这种混合了源自美国——爵士、摇滚和疯克——等风格的音乐，而那个时期中美官方鲜有交流。中国听众聆听融合音乐能听到什么？然而，在我到了北京并遇见像冯满天这样的演奏家后，事情变得清晰起来，至少对于中国那个时期的“中产阶级”而言，西方流行音乐唱片拥有一个巨大的灰色市场。就像世界上的其他国家（包括苏联和古巴）一样，录音带交易是20世纪80年代北京音乐事件中的一部分，虽然首都以外的地方并不那么普及，但已经让许许多多中国青年可以接近西方流行音乐。我们相遇的那个晚上，品尝着各式各样的烤鸭美食的同时，冯和我沉醉于空灵的吉他声中，唱着老蝎子乐队和汤姆·拉什的歌。
　　这些都说明，融合音乐可能已经渗透藩篱，中国音乐家们也已意识到发生在他们国家之外的音乐流派的混合。我在北京只停留了3天，虽然收藏者和磁带商人对我书中提到的融合乐队如“一生”“玛哈维希奴乐团”和“猎头族”还不感兴趣，但他们已经触摸到了西方流行音乐的潮流。希望这本书可以参与中国学者对音乐之王——我称之为（某种程度上）”融合音乐“——的讨论中。
　　从《火之鸟》出版到我写这篇序言（2016年10月）已经5年。这本书收获的关注超出了我的预期（包括友善的和不那么友善的），我很感谢这些读者，特别是那些批评的声音。然而，即使今天写，我也不打算做太多改变。我会采用同样的研究方法去讨论更多的乐队或音乐家，并给予“回到永远”或“迪克斯废物”这些乐队更多的空间。我坚持认为，本书中研究的音乐处于一个中间地带，正如我在引言中说的“一种在两个或更多音乐传统之间，具有争议的、永不停止的重叠阈限空间”。我仍然会继续关注托尼·威廉姆斯的一生乐队、约翰·麦克劳夫伦与扎基尔·侯赛因的沙克蒂乐队的形成、琼妮·米歇尔与杰柯·帕斯特瑞斯和查尔斯·明格斯，以及赫比·汉考克的猎头族乐队。尽管在当今过度发展的世界中大量现代生活混乱异化，我仍坚持认为，即使没有根基，整体风格的混合在当下”后风格“流行音乐的语境中已经成为主导，它标志着对寻找联系和文化锚定效应的迫切要求。
　　最后，衷心地感谢刘研将我的书带给中国读者，感谢她的辛勤、努力和热情完成了你们手上这本书。希望这部译著能够促进中国国内外音乐学者与乐迷之间的对话，我也期待在不久的将来可以与他们一起讨论融合音乐。

乐章的回响：一部关于二十世纪音乐演进的深度考察 作者：[请自行填入作者姓名] 出版社：[请自行填入出版社名称] 出版日期：[请自行填入出版日期] --- 内容简介 本书并非一部关于特定流派（如爵士、摇滚或放克）的编年史，而是一次穿梭于二十世纪中后期音乐文化景观的宏大旅行。它聚焦于那些推动音乐边界、挑战既有范式的艺术思潮、技术革新与社会背景，探讨音乐家如何在历史的洪流中，构建起全新的听觉体验与审美体系。 我们的叙事始于战后北美大陆的文化复苏与重构。二十世纪五十年代，广播、黑胶唱片以及新兴的电视媒介，以前所未有的速度将音乐传播至更广阔的受众。然而，真正的变革并非仅仅源于传播速度的提升，而是源于对“原创性”和“权威性”的质疑。本书详尽剖析了在这一背景下，音乐家如何从对既有音乐形式（如传统布鲁斯、乡村音乐的早期形态）的继承，转向对自身身份的探索与表达。 第一部分：声场的裂变——从结构到自由的张力 本书首先深入探讨了战后音乐结构上的松动与解放。这部分着重描绘了声音如何从严谨的、预设的框架中挣脱出来。我们审视了在技术层面上，对传统乐器演奏技法的“非常规”使用如何成为一种新的创作语言。 1.1 节奏的重塑：从律动到断裂 节奏不再是简单的时间度量，而是成为一种具有攻击性或内省性的表达手段。我们考察了如何通过对鼓点重心的偏移、低音线的复杂化，以及对多重拍号的实验性应用，来解构听众对音乐稳定性的固有期待。这并非简单的速度变化，而是对时间感知本身的哲学性拷问。书中通过分析特定时期录音技术对节奏准确性的“妥协”（或称“修正”），展现了演奏者如何在录音室这一“新乐器”上，实现了传统舞台上难以企及的复杂交织。 1.2 音色的拓扑学：电声的介入与改造 本书的重点之一在于对“音色”的本体论考察。当电吉他、电贝斯和电子合成器进入主流视野，声音的物理属性本身就成为了创作的核心。我们详细分析了失真（Distortion）、哇音（Wah）、反馈（Feedback）等效果器如何从技术缺陷，被提升为不可或缺的表达工具。这些声音不再是模仿原声乐器，而是创造了全新的、带有工业或迷幻色彩的听觉景观。书中特别对比了不同流派的制作人如何对待“噪音”——是试图将其驯服，还是将其推向无限的边缘。 第二部分：即兴的哲学——个体意志与集体对话 音乐的即兴性，是连接不同创作群体的隐形纽带。本书认为，二十世纪中后期的音乐创新，很大程度上是基于对“即兴”概念的重新定义和拓宽。 2.1 语法的颠覆：超越既定和声 在和声领域，我们探讨了从功能和声向“开放和声”体系的过渡。这涉及对调式、音阶以及和弦色彩的极端探索。书中详尽分析了音乐家如何借鉴其他艺术形式（如抽象表现主义绘画）的理念，在音乐中创造出“密度”与“空间感”。即兴不再是围绕既定主题的变奏，而是一次全新的、不可重复的“声场构建”。我们审视了不同文化背景下的音乐家，如何将本土的旋律结构融入到这种全新的、全球化的音乐语境中，创造出复杂的对话张力。 2.2 舞台上的仪式与反文化 音乐不仅仅是听觉现象，也是一种身体的、视觉的仪式。本书关注了音乐家在舞台上的表演方式如何成为其音乐宣言的一部分。从精心编排的灯光秀到完全自发的身体动作，舞台成为了艺术家与观众之间进行权力博弈与情感共鸣的场所。这种仪式感，深刻地反映了当时社会对权威结构的反思与疏离。 第三部分：技术、商业与艺术的交叉路口 任何重大的音乐变革都离不开背后的技术进步和商业驱动力。本书跳出了纯粹的音乐分析，进入到文化产业的运作层面。 3.1 录音室：从记录工具到创作主体 我们详细考察了磁带录音技术（尤其是多轨录音）的普及，如何彻底改变了音乐创作的流程。音乐家不再需要等待演出，可以在录音室中通过“剪辑”、“叠加”和“回放”来构建出在现场无法实现的声音层次。这使得音乐作品本身，而非现场表演，成为了艺术的最终形态。书中收录了对多位开创性录音工程师的访谈记录，他们是定义新声音的“幕后建筑师”。 3.2 媒介的角力：从电台到唱片旗舰店 在商业层面，本书分析了音乐产业如何应对不断变化的技术和受众口味。从早期的电台主导，到后来的专辑（LP）作为艺术载体的地位确立，再到独立厂牌的崛起，这些商业决策直接影响了哪些声音得以被大规模推广，哪些声音则只能在地下社群中存活并演化。我们特别关注了地域性音乐市场（如特定城市或大学社区）如何为前卫音乐提供了生存土壤。 结语：声音的永恒追问 本书旨在提供一个广阔的框架，去理解二十世纪后半叶音乐的驱动力——即对既有规范的挑战，对技术潜能的挖掘，以及对人类情感表达的极致追求。它不是一部“谁发明了什么”的清单，而是一部关于“为什么会这样发生”的深度探讨，它揭示了在那些标志性的乐章背后，潜藏着的文化焦虑、技术兴奋和不屈的艺术意志。 通过对这些音乐现象的细致梳理，读者将能更好地理解，音乐是如何超越娱乐的范畴，成为记录和塑造现代人集体意识的重要档案。 --- 核心主题提炼： 声音的本体论： 探讨技术如何重塑“声音”本身的意义。 节奏与时间的解构： 分析复杂节拍与多重时间感知的形成。 即兴的哲学： 从个人表达工具到集体对话机制的演变。 文化产业的反思： 技术、商业与艺术创造力的互动关系。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就足够吸引人，那一团跳跃的火焰，既像是音乐的激情迸发，又像是历史的燃烧与蜕变。光是看到“火之鸟”这个名字，就让人联想到蓬勃的生命力与不羁的精神。我一直以来都对爵士乐那种自由洒脱的即兴演奏心驰神往，而摇滚乐则是我青春的呐喊，那种纯粹的能量至今仍能点燃我的血液。至于疯克，那充满律动的节奏和强烈的身体感染力，简直是让人不由自主跟着摇摆的魔力。我很好奇，当这些截然不同的音乐元素开始碰撞、融合时，会产生怎样令人惊艳的火花？这本书似乎在描绘一个音乐史上的重要转折点，一个跨越流派界限的伟大实验，它将如何改变我们对音乐的认知，又将如何塑造出那些我们耳熟能详的经典作品，这其中的过程一定充满了戏剧性和创新，我迫不及待地想翻开扉页，去探寻那些隐藏在音乐背后的故事。

评分☆☆☆☆☆

这本书的名字《火之鸟：爵士、摇滚、疯克与融合音乐的创立》，仅仅从标题就能感受到一种史诗般的叙事感。我一直对音乐史的发展脉络非常感兴趣，尤其是那些对后世产生深远影响的艺术变革。爵士乐的自由灵魂，摇滚乐的叛逆不羁，以及疯克音乐那种直接到位的律动感，这三种音乐风格各自都有着庞大的粉丝群体，也都有着深厚的文化根基。而当它们被赋予“创立融合音乐”这样一个宏大的主题时，就预示着这本书将不仅仅是简单的风格梳理，而是在探究一种音乐融合的哲学，一种艺术边界被打破的宣言。我很好奇，这本书会如何描绘那些先行者们，如何在各自熟悉的领域基础上，大胆地借鉴、吸收、甚至是颠覆，最终催生出一种全新的音乐语言。这种从无到有的创造过程，一定充满了智慧、勇气和不为人知的艰辛，而这本书，我想就是记录这段辉煌历史的史诗。

评分☆☆☆☆☆

当我看到“爵士、摇滚、疯克与融合音乐的创立”这几个关键词时，我的兴趣瞬间被点燃了。这简直就是我对音乐痴迷的根源所在！我从小就着迷于爵士乐的即兴魅力，那种随性而又不失逻辑的旋律，仿佛能带我进入另一个时空。后来又被摇滚乐那股原始的能量和呐喊深深吸引，每一个音符都充满了力量。而疯克音乐，那种让人无法抑制的节奏感，总能瞬间激活我的身体，让我只想跟着舞动。一直以来，我都觉得这三种音乐风格虽然各有特色，但内在又有着某种奇妙的联系，仿佛是同根生长的不同枝桠。这本书的出现，无疑为我提供了一个深入探索这种联系的绝佳机会。我迫不及待地想知道，究竟是什么样的时代背景，什么样的音乐家，什么样的理念，促成了这三种看似迥异的音乐风格，最终走向融合，开创出全新的“融合音乐”时代。

评分☆☆☆☆☆

读到这本书的标题，我的脑海中立刻浮现出一些画面：昏暗的爵士俱乐部里弥漫着迷离的萨克斯风旋律，舞台上摇滚乐手们挥汗如雨，吉他失真音色如同野兽的咆哮，而疯克音乐则带着一股不可抗拒的，让你想立刻跳舞的冲劲。我一直觉得，音乐的魅力就在于它的无限可能性，而“融合音乐”这个概念，恰恰是这种可能性的极致体现。它就像是一位技艺精湛的厨师，将不同风味的食材巧妙地组合在一起，创造出全新的、令人惊喜的味道。这本书想必会深入探讨，在爵士乐的复杂性和即兴性、摇滚乐的原始力量和爆发力、以及疯克音乐的驱动性和感染力这三者之间，是如何找到一个完美的平衡点的。它不仅仅是关于音乐风格的介绍，更像是对一种音乐精神的探索，一种打破常规、勇于创新的精神，而这种精神，我想在任何时代都是弥足珍贵的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的标题“火之鸟”本身就带着一种神话般的色彩，暗示着一种新生与凤凰涅槃的意象。当我看到后面紧接着的“爵士、摇滚、疯克与融合音乐的创立”时，我立刻意识到，这绝非一本简单的音乐流派介绍。它似乎是在描绘一场音乐界的革命，一次对既有边界的挑战和超越。爵士乐的精巧与自由，摇滚乐的狂放与激情，疯克音乐的律动与力量，这三者各自都是一种文化现象，本身就蕴含着丰富的表达。而“创立融合音乐”，则是一个更为宏大的命题，它指向的是一种跨越风格、跨越界限的全新音乐探索。我非常好奇，这本书将如何深入挖掘，在这些不同音乐风格的核心特质中，找到能够相互激荡、相互启发的共鸣点。它会讲述那些敢于打破常规的音乐家们的故事吗？他们又是如何将这些看似不兼容的元素，编织成令人耳目一新的音乐篇章的？这本书，或许就是关于一场音乐艺术上，一次深刻而又辉煌的蜕变史。