现代对位及其赋格 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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刘永平 著

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• 对位法
• 赋格
• 音乐理论
• 作曲
• 和声
• 古典音乐
• 现代音乐
• 音乐分析
• 音乐教育
• 音乐史

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552314045

版次：1

商品编码：12318392

包装：平装

开本：16

出版时间：2018-01-01

用纸：胶版纸

内容简介

音乐的建筑师：对位法的古典与革新 一、引言：声音的逻辑与情感的交织 音乐，作为时间中的雕塑艺术，其内在的秩序与结构往往根植于严谨的逻辑。在西方音乐的漫长发展历程中，对位法（Counterpoint）无疑是构建这种逻辑体系的基石。它不仅是一种作曲技巧，更是一种深邃的思维方式——如何让两条或多条独立的旋律线在和谐与对比中并存共生。 本书将带领读者深入探究对位法的历史脉络、理论精髓及其在不同音乐时期所展现出的惊人生命力。我们将摈弃那些将对位法仅仅视为枯燥规则集合的刻板印象，而是将其视为一种充满创造力与无限可能性的艺术实践。从格里高利圣咏（Gregorian Chant）的原始二部曲式，到巴洛克盛期的赋格大师的巅峰之作，再到近现代作曲家对传统对位语法的解构与重塑，我们将全面审视这一核心音乐语汇的演变轨迹。 二、对位法的历史根源与早期发展 对位法的起源可以追溯到中世纪早期的教会音乐。最初，单一的圣咏旋律（Cantus Firmus）之上叠加出辅助性的声部，这便是“奥尔加农”（Organum）的雏形。早期的对位法充满着尝试与试验，其规则远不如后世那般体系化，但其核心精神——独立声部的互动——已然确立。 1. 记谱法的演进与“等距”原则的形成： 随着记谱法，特别是纽姆谱（Neumes）的发展，对位关系得以被更精确地记录和分析。这一时期，横向（旋律）与纵向（和声）的张力开始被自觉地关注。中世纪的音乐家在实践中逐渐摸索出被后世称为“纯粹对位”的基础规则，尤其是在处理音程关系和声部进行上的倾向性。 2. 奥尔加农到经文歌的过渡： 从严格的平行五度、四度，到后来的自由增值对位，音乐的织体变得日益复杂。13世纪的巴黎乐派（Notre Dame School）代表人物，如列奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin），将复调音乐推向了第一个高潮。此时的对位，更多地体现为一种对齐和声骨架的技巧，但旋律线的流畅性已不容忽视。 三、文艺复兴时期：对位法的黄金时代 文艺复兴时期，是人本主义精神在音乐中得以充分体现的阶段，对位法达到了前所未有的平衡与精妙。彼时的作曲家们追求声部的清晰、旋律的优美以及整体的统一性，使得人声复调音乐成为那个时代最辉煌的成就。 1. 帕莱斯特里那风格（Palestrina Style）： 罗马乐派的代表人物乔万尼·皮尔路易吉·达·帕莱斯特里那，将五声部或六声部对位法推向了炉火纯青的境界。他的作品展示了“白描式”的纯净美感，通过对不协和音的谨慎处理（通常在弱拍引入，迅速解决），达到了完美的平稳与虔诚。我们将详细分析其对“借用和弦”（Passing Tones）和“倚留音”（Suspensions）的精妙运用，这些技巧是其风格的灵魂所在。 2. 模仿技法与卡农的成熟： 文艺复兴时期，模仿（Imitation）成为组织对位结构的核心手段。通过将一个动机在不同声部中依次引入，作曲家们创造出织体上的统一感和连续性。卡农（Canon）作为最严格的模仿形式，在这一时期得到了充分的探索，它考验着作曲家对音高和节奏的绝对控制力。 四、巴洛克：对位法的巅峰与赋格的诞生 巴洛克时期（约1600-1750年），对位法不再仅仅是纯粹的技术演练，它成为表达强烈情感、构建宏大结构的首选工具。这一时期的音乐特点是清晰的结构感、强烈的动力性和戏剧性的对比。 1. 调性体系的最终确立与对位法的结合： 随着大小调调性体系的巩固，对位法必须适应新的和声语言。原先基于中古调式的对位规则，必须融入更强的导音意识和功能和声的驱动力。 2. 赋格曲的结构原理： 赋格（Fugue）是巴洛克对位法的集大成者。它是一种以主题（Subject）和对题（Answer）的模仿与发展为核心的复调形式。本书将细致解析赋格的各个要素：呈示部（Exposition）中各声部的进入顺序与关系，间插部（Episode）中主题材料的转化与发展，以及中、外间奏中的结构性再现。 3. 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的遗产： 巴赫是这座对位高峰上的巨匠。他的《平均律键盘曲集》、《赋格的艺术》不仅是技巧的展示，更是音乐哲思的体现。我们将从他的作品中提取关于对位法最深刻的见解，例如如何处理不协和的“转调对位”和不同声部之间的逻辑对话。巴赫的对位，是自由与约束之间最完美的动态平衡。 五、古典主义的转向与对位法的“实用化” 进入古典主义时期，音乐的审美趣味转向了清晰、平衡和旋律的主导地位。奏鸣曲式（Sonata Form）成为主导结构，对位法并未消失，但其地位发生了变化。 1. 主调音乐的统治地位： 海顿、莫扎特等大师的作品中，主旋律与伴奏声部（通常是和声支持）的结构更为突出。对位技巧此时被更多地视为一种“润饰”和“加强”宏大结构的手段，而非构建作品的唯一支柱。例如，在奏鸣曲的展开部，或是在赋格风格的乐章中，对位法会重新被唤醒，以增加段落的复杂性和戏剧性。 2. 对位法在协奏曲与室内乐中的应用： 分析莫扎特晚期作品，如《安魂曲》或部分四重奏，可以发现他对巴赫对位语法的深刻理解，他巧妙地将严谨的对位处理融入到流动的古典句法之中，使得音乐在保持优雅的同时，具有了强大的内在张力。 六、浪漫主义的反思与现代的拓展 19世纪的浪漫主义浪潮，将个人情感的表达置于结构严谨之上，这使得对位法一度退居次要地位。然而，一些作曲家仍然在探索其新的可能性。 1. 瓦格纳与对位法的“消融”： 瓦格纳等作曲家通过不断拉伸和模糊调性边界，使得传统的对位规则（尤其是对不协和音的解决要求）变得越来越难以适用。对位元素更多地体现在管弦乐配器中多重动机的交织，而非严格的声部独立性。 2. 20世纪的“回归”与“反叛”： 20世纪初，随着德彪西、拉威尔等人的影响，以及新古典主义的兴起，对位法经历了一次重大的反思。作曲家们开始重新审视巴赫和帕莱斯特里那的遗产，但他们不再受限于传统调性框架。 新对位法（Neo-Counterpoint）： 一些作曲家（如欣德米特）主张“横向音乐”（Horizontal Music）的回归，重新建立基于协和音程和自由调性的对位语法。 十二音体系与对位： 在序列音乐中，对位原理被抽象化并应用于音列（Tone Row）的排列与组合，声部的独立性被技术性地保障，尽管其听觉效果与传统对位大相径庭。 七、结语：永恒的对话 对位法是音乐结构思维的“元语言”。它教会我们如何在有限的资源内，创造出无限的变化与深度。无论音乐潮流如何变迁，对位法的核心——即让独立的个体（旋律线）以协调和张力的方式共同构建一个整体——永远是衡量作曲家技艺和洞察力的试金石。本书旨在提供一个全面的视角，使读者能够欣赏到音乐织体背后那精妙的逻辑之美。

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翻开《现代对位及其赋格》这本书，我首先被其中对于乐句处理的细致描绘所吸引。作者似乎非常注重音乐语言的“呼吸感”，那些关于旋律线如何起伏、如何在不同声部之间呼应的阐述，让我在阅读时仿佛能听到音符在脑海中跳跃。我一直对赋格的“模仿”与“答辩”环节感到着迷，而这本书似乎将这个过程剖析得更为透彻，不仅仅是机械的模仿，更是声部之间思想的碰撞与交流。我想知道，在现代的语境下，这种“交流”是否有了更广泛的解读？比如，是否可以涉及到更复杂的节奏型、更自由的调性安排，甚至是电子音乐元素？书中的图例和乐谱片段，如果能够更具代表性，能够涵盖不同时期、不同风格的作品，那就更好了。我期望这本书能像一位经验丰富的向导，带领我穿越错综复杂的音乐织体，理解那些看不见的联系，体会音乐的内在逻辑是如何形成的。也许，通过这本书，我能更好地欣赏那些看似凌乱却又井然有序的现代作品，更能从中感受到作曲家独特的音乐“签名”。

评分☆☆☆☆☆

《现代对位及其赋格》这本书的名字，就足以点燃我对音乐创作背后逻辑的探索欲。我一直觉得，赋格的魅力在于其高度的理性和精密的组织，但“现代”二字又预示着一种突破与解放。我迫切想知道，在现代音乐的大背景下，对位法是如何被重新审视和应用的？它是否还遵循着传统的规则，或者已经被赋予了全新的含义？我希望书中能够展现，作曲家们是如何在纷繁复杂的和声体系中，依然能够保持声部的清晰与独立，并使它们相互呼应、层层递进，最终构成一幅完整的音乐画卷。我期待书中能够提供一些能够激发我自身创作灵感的案例，例如，一些在现代音乐中巧妙运用对位手法的片段，能够让我从中学习到如何将理论知识转化为实际的音乐语言。这本书，在我眼中，不仅仅是关于理论的阐述，更是关于音乐思维的启发，是关于如何理解和创造那些能够触动人心的声音艺术的宝贵指南。

评分☆☆☆☆☆

在翻阅《现代对位及其赋格》的过程中，我被其中对于音乐“空间感”的描绘所吸引。作者似乎不仅仅在谈论音高的逻辑，更在描绘声音在不同维度上的延展与交织。那些关于声部独立性与融合性的阐述，让我联想到建筑学中的结构美，每一根梁柱都自有其功能，但又共同支撑起宏伟的殿堂。我特别关注书中对“赋格”这一古老形式在现代语境下的“再创作”的论述。我想知道，在经历了20世纪各种激进的音乐实验之后，我们今天的作曲家是如何看待并运用赋格的？是延续其严谨性，还是对其进行解构与重塑？我期待书中能有对不同作曲家作品的深入分析，特别是那些我耳熟能详却又难以言说的作品。如果作者能够带领我，一步步拆解这些作品的对位结构，让我理解那些看似“抽象”的声音背后，有着怎样的精妙设计，那就太有价值了。这本书，在我看来，不仅是一部技术手册，更是一次关于音乐理性与感性辩证关系的深刻探讨。

评分☆☆☆☆☆

这本书的取名就让我产生了一种强烈的求知欲。《现代对位及其赋格》——这个标题本身就蕴含着一种发展与演进的意味。我对于“现代”的解读，并非仅仅是近些年出现的，更多的是指那些在传统框架下，寻求突破和创新的方法论。我对书中对于“赋格”的现代演绎充满了好奇。传统的赋格，有着严格的结构和逻辑，但如果将其与现代的和声语言、节奏观念结合，会产生怎样的奇妙化学反应？我希望作者能够深入探讨，例如，在非功能性和声环境下，对位关系会发生怎样的变化？抑扬顿挫的节奏模式如何影响声部之间的独立性与统一性？我尤其期待书中能够提供一些具体的分析案例，能够是那些不那么“古老”的、但又遵循着某种对位原则的作品。如果这本书能够帮助我理解，那些现代音乐作品中看似“混乱”的音响，其背后可能隐藏着怎样精密的对位结构，那就再好不过了。我希望能在这本书中找到连接古典与现代的桥梁，理解音乐发展脉络中的深刻洞见。

评分☆☆☆☆☆

这本《现代对位及其赋格》的封面设计，就给我一种扑面而来的学术气息，淡淡的米白色封面上，一行行严谨的黑色宋体字，透露着一丝古老而又神圣的音乐智慧。我拿起它的时候，脑海中已经勾勒出许多关于复调音乐精妙织体的想象，那些在巴赫的赋格中层层叠加、相互辉映的声部，是否在这本书中被赋予了新的生命与解读？我特别期待作者如何将古典赋格的严谨逻辑与现代和声的丰富色彩进行融合，毕竟，“现代对位”这个词本身就充满了张力，它暗示着在传统技法的土壤上，孕育出了怎样的创新之花？我希望书中能有深入浅出的讲解，不仅仅是枯燥的理论堆砌，更要有生动的实例分析，也许是那些现代作曲家如何巧妙运用对位手法，为他们的作品注入灵魂。我想知道，在这位作者的笔下，巴赫的精神是如何穿越时空，与勋伯格、韦伯恩们的探索交织在一起的。这本书，在我看来，不仅仅是一本技术指南，更可能是一次通往音乐深层结构的朝圣之旅，引领我拨开迷雾，窥见那些构成音乐骨架的精妙逻辑，以及它们如何最终汇聚成撼动人心的宏伟乐章。