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吕立新 著

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出版社： 吉林出版集团股份有限公司

ISBN：9787558146978

版次：1

商品编码：12360870

包装：平装

开本：16

出版时间：2018-01-01

用纸：纯质纸

页数：256

正文语种：中文

内容简介

藏画这一行为真好，它本身就是一种高雅的投资理财行为，可给读者带来可观的财富收益；书中推荐给读者收藏的画更好，有巨大的收藏价值，幅幅都是珍品。《藏画真好》向读者介绍了为什么一幅画中能蕴藏着巨大的财富，并通过数据的对比让我们看到藏画的升值空间到底有多大。书中详细讲述了“什么样的画才能称得上是真正的艺术品”、“我们应该收藏什么样的画”以及“如何去藏画”等读者所关心的内容。书中并配有大量精彩真画，值得收藏！

作者简介

吕立新，著名文化学者，中央电视台《百家讲坛》、《文明之旅》主讲人，艺术品鉴赏与投资专家，北京皇城艺术品交易中心总经理，北京大学产业与文化研究所常务理事、研究员，清华大学美术学院授课专家，国家《艺术品经营管理办法》起草小组成员，《20世纪美术作品档案》项目负责人，中共中央对外联络部中促会理事，民政部中国社会工作协会社会公益工作委员会常务理事，英国《金融时报》FT中文网专栏作家。

内页插图

《山海秘录》：失落文明的古老回响 这是一部探寻人类文明起源与终结的恢弘史诗，一部关于时间、记忆与遗忘的深刻寓言。 本书并非专注于某一特定艺术形式或收藏领域，而是将视角投向了更广袤的人类历史图景，聚焦于那些在历史长河中被刻意或无意抹去的、关于远古文明的碎片化记忆与知识体系。 第一卷：创世的残响 《山海秘录》的开篇，带领读者穿越数万年的时空迷雾，进入一个由地质变迁和神话叙事交织而成的蛮荒世界。我们不再关注具体的地貌，而是深入探讨早期人类认知世界的底层逻辑——那些塑造了早期社会结构和宇宙观的“原型符号”。 本书的重点在于对已失传的、影响了后世文明形态的“先民知识库”进行理论重构。这包括： 1. 声波建筑学（Acoustic Architecture）： 探讨了某些古代遗址，如巨石阵、某些山洞壁画群，可能并非单纯的祭祀场所，而是基于特定频率的声学共振原理构建的“信息储存器”。书中详细分析了不同材质和几何结构如何影响声波的聚焦与衰减，推测了古人如何利用自然声场来记录信息或进行远距离交流，而非依赖视觉符号。 2. 元素炼金术的真相： 摒弃传统炼金术中对“点石成金”的浪漫化描述，本书将其视为对物质结构、能量转换的早期科学尝试。重点剖析了某些被视为“魔药”的混合物，实则蕴含了对催化剂、氧化还原反应的朴素理解。我们追溯了那些在特定气候和地理环境下才能出现的、近乎奇迹般的物质转变记录，并试图用现代化学原理进行逆向工程分析。 3. 星象与地下观测的交汇： 传统天文学多关注仰望星空，但《山海秘录》则引入了“地核同步学”的概念。它研究了古代文明如何通过监测地磁场的微小波动、地下水流的律动，来校准其对宇宙周期的认知。书中详细比对了不同大陆上，关于“地下之火”和“海洋脉搏”的古老记载，认为这是对地球内部活动的一种早期、非书面化的观测体系。 第二卷：失语的文明与符号的漂移 本卷聚焦于文明的断裂点——那些突然消失的、拥有高度复杂知识体系的社会。我们探讨的不是灾难本身，而是灾难发生后，知识如何被“降级”和“扭曲”的过程。 核心分析对象是“符号的熵增”： “时间轴折叠”的记录： 书中对比了中美洲、地中海东岸及东南亚岛屿文化中，关于“大洪水”或“纪元更迭”的不同叙事模式。这些模式在表面上截然不同，但在深层次的数学结构和周期性上却惊人地相似。作者提出，这些相似性并非源于交流，而是源于它们共同继承了一个已被遗忘的、关于“时间计量标准”的底层模板。 非线性叙事的语境： 深入剖析了某些古代的编年史和神话，它们并非按线性时间展开，而是采用多维度的叙事结构。例如，某一事件可能在不同的篇章中以不同的“年龄”和“后果”出现。本书试图破译这种叙事逻辑，将其还原为一种对多重现实可能性（Many-Worlds Interpretation的早期形态）的直观感知。 “命名权”的争夺： 探讨了特定动植物、矿物名称在不同语言系中产生的“语义漂移”。这种漂移并非语言演化的自然结果，而是权力结构更替后，新主导文化对旧知识体系进行“概念阉割”的体现。例如，某种重要的药用植物，在被征服者的口中代表着“生命的连接”，而在征服者的记录中则简化为“普通灌木”。 第三卷：记忆的考古与未来的拓扑学 在第三卷中，叙事从对过去的解读转向了对“如何重建”的思考。《山海秘录》拒绝一切浪漫的考古发现，转而采用一种更为冷峻的“知识拓扑学”方法。 1. 环境的编码信息： 关注特定的、不易腐烂的自然环境（如深海热泉附近、高山冰川下的沉积层）所记录的非人为痕迹。这些痕迹包括微生物的基因突变路径、特定元素的同位素比例变化，这些是比任何陶器碎片都更古老、更诚实的“信息载体”。 2. 噪音中的信号： 作者利用先进的信号处理技术，对全球各地采集的“背景噪音”进行深度分析——包括地壳微震的规律性、大气电离层的周期性干扰等。这些看似随机的自然噪声中，是否潜藏着古代文明留下的、与自然周期同步的“嵌入式信号”？本书提出了一种激进的假设：一些古老的图腾或乐谱，实际上是特定自然频率的“谐振器设计图”。 3. 认知的局限与自我修正： 最终，本书回归到对人类认知的审视。它指出，我们对“先进”的定义往往受限于我们当前的技术范式。真正的失落文明可能并非技术落后，而是它们的“技术”是完全内化于生物体、社会结构或自然环境中的，以至于在我们的外部观察框架中，它们表现为“魔法”或“彻底的虚无”。《山海秘录》的最终目的，是提供一种全新的框架，用以识别那些我们因为自身视角限制而错过的、关于人类潜能的真正记录。 总结： 《山海秘录》是一部挑战传统历史观的非虚构学术探索。它不提供确定的答案，而是构建了一套严密的逻辑工具，用于重新审视我们所认知的文明连续性。它是一次深入人类集体潜意识深处的探险，揭示了知识的脆弱性，以及记忆在面对绝对的自然力量时的无力与坚韧。本书适合对人类学、古代史、信息论及认知科学有深度兴趣的读者。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书，我立刻被那种毫不做作的真诚所打动。它不是那种故作高深的学院派著作，语言平实易懂，但内涵却丝毫不浅薄。作者似乎拥有一个极其敏锐的“眼睛”，能够捕捉到那些常人容易忽略的细节。比如，它花了整整一个章节来探讨“点苔”这一看似微小的技法在宋代花鸟画中的重要性，分析了不同时期画家用笔的力度变化，如何通过苔点的疏密和干湿来暗示季节的更迭和环境的湿度，这种对“微末之处见真章”的执着，简直令人叹服。我一直觉得，中国的传统绘画高手，都是隐秘的植物学家和气象学家，而这本书恰恰验证了我的猜想。阅读的过程中，我时不时会停下来，对着书里的插图反复摩挲，试图用自己的眼睛去解码那些线条背后的信息。更让我惊喜的是，它并没有回避不同流派之间的争论和演变，而是以一种近乎辩论赛的视角，清晰地呈现了文人画与院体画在审美取向上的根本冲突与融合，使得整个中国绘画史的脉络清晰可见，绝不含糊其辞。

评分☆☆☆☆☆

这本关于东方传统艺术的精装书，光是捧在手里就能感受到那种沉甸甸的历史厚度。内页的纸张处理得极佳，那种微微泛黄的米白色调，使得印上去的那些山水画和人物肖像，看起来仿佛真的带着泥土和墨香的气息。我尤其喜欢它对唐宋时期绘画风格演变的梳理，作者没有仅仅停留在对名家名作的简单罗列，而是深入剖析了当时社会结构、文人思想乃至气候变迁是如何潜移默化地影响着笔触和设色的。举个例子，它详细对比了荆浩与关仝在描绘北方山势时的不同侧重，前者是雄浑磅礴的气势感，后者则多了几分冷峻的疏离，这种细致入微的比较，让那些原本只是在博物馆里匆匆一瞥的画作，瞬间立体了起来，仿佛能听到画中松涛阵阵。书中的版式设计也非常考究，大量留白的处理，恰到好处地衬托了画面的意境，读起来完全没有现代印刷品那种咄咄逼人的压迫感，更像是在一本年代久远的古籍中徜徉，让人心绪平和。对于那些想真正领会中国古典美学精髓的人来说，这本书绝对是不可多得的入门与进阶指南。它不只是图册，更是一部浸润着哲思的艺术史诗。

评分☆☆☆☆☆

最让我印象深刻的是，这本书对于绘画中的“留白”艺术有着近乎偏执的深入探讨。它不仅将留白视为构图的一部分，更是上升到了中国哲学中“虚实相生”、“有无相生”的高度。作者通过一系列的图例解析，清晰地展示了画家如何在“无笔处”经营意境，如何通过画面边缘的空白来引导观者的视线，并最终达到一种“此时无声胜有声”的审美效果。这种对“不言之美”的捕捉和梳理，极大地拓展了我对艺术表达的理解边界。我过去看画，总习惯于关注那些被画出来的内容，而这本书则让我学会了去“阅读”那些没有被画出来的地方，理解空白如何成为画面叙事不可或缺的一部分。它教会了我一种更深层次的欣赏方式，不再满足于表面的形似，而是去探寻画面背后蕴含的东方天人合一的哲学观照。这本书的价值，在于它将艺术欣赏从单纯的视觉体验，升华为一种心灵的沉思与体悟，让人在喧嚣的生活中，找到一处可以静心观照的“空境”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直可以单独拿出来进行一次学术研讨。它并非那种为求廉价而牺牲质感的平装本，而是那种即便放在书架最显眼的位置，也不会显得过时的“传家宝”级别制作。纸张的选择极其讲究，印刷色彩的还原度高得惊人，尤其是一些青绿山水和设色的人物画，那鲜活的矿物颜料的质感，透过纸面几乎能触摸到，这在很多其他艺术书籍中是很难实现的。我甚至发现，书中对不同时期纸张特性的介绍，也侧面反映了当时的造纸工艺和经济状况，这是一种非常高明的交叉学科叙事。每一次翻阅，都像是一次对古代工匠精神的致敬。它不仅仅是关于“看画”，更是关于“感受媒介”的过程。对于那些热衷于研究艺术品复制技术的朋友来说，这本书提供的印刷细节分析，简直是一份宝贵的参考资料，细节控绝对会爱不释手，你会忍不住去对比不同章节中为了适应原画色域而做出的细微调整。

评分☆☆☆☆☆

说实话，一开始我对这种厚重的艺术理论书籍是有点抗拒的，总担心会陷入晦涩难懂的专业术语泥潭。然而，这本书完全打破了我的固有印象。它采用了非常现代的叙事手法，把原本枯燥的艺术史讲得跌宕起伏，像在听一位博学的长者在温暖的炉火旁，娓娓道来一个个关于美和技艺的故事。作者对明清时期文人画家的生活状态描写得尤其生动，仿佛能闻到那些书斋里焚香的气味，感受到他们面对仕途不顺时的那种潇洒与无奈。尤其是关于“写意”哲学的阐释，它不再仅仅是抽象的概念，而是通过大量生动的案例，比如某位画家如何在短短几笔中勾勒出竹子的气节，让人真切体会到“不着形似，但求神似”的境界。这本书的价值在于，它成功地架起了一座桥梁，让一个对传统艺术知之甚少的门外汉，能够毫不费力地跨入这个古老而迷人的殿堂，并且爱上这种“不完美中的完美”的东方智慧。