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周积寅著 著

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店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787558602085

商品编码：13665163876

出版时间：2017-05-01

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作  者:周积寅 著 定  价:128 出 版 社:上海人民美术出版社 出版日期:2017年05月01日 页  数:450 装  帧:平装 ISBN:9787558602085 ●I中国画论析要
●绪论
●一中国画本质与特征
●本质
●特征
●二中国画起源与发展
●三中国画功能论
●审美认识
●审美教育
●审美娱乐
●审美调剂
●四中国画创作论
●感物
●感兴
●神思
●凝虑
●虚静
●理法
●养气
●立身
●部分目录

内容简介

画论是历代画家长期实践经验的总结与升华，故不能孤立地去研究它，必须扩大到与画史、画派及画家创作实践结合起来进行研究，才能做到言之有物，有的放矢。许多画家又多受儒、道、释三家哲学思想影响，不从这方面下功夫，上升到美学高度去分析，也是难以将画论深入研究下去的。
周积寅著的《中国画学精读与析要》是从关于中国画学的300多篇文稿及30余种著作中精选出来的篇章，以中国绘画史的发展逻辑编排组合而成，分为三个部分：《中国画论析要》《中国画类析要》《中国文人画画论析要》，涵盖了中国画学的方方面面。
周积寅 著 周积寅，1938年10月25日生于江苏泰兴黄桥周家庄。南京艺术学院教授、博士生导师、中国美术家协会会员。享受特殊津贴专家、荣获国家“卓有成就的美术史论家”称号。主编并参与撰写《中国画论大辞典》，《中国画艺术专史丛书》人物画、山水画、花鸟画三卷，《中国美术通史》明清卷，《中国画派研究丛书》15卷，《明清中国画大师研究丛书》16卷，《扬州八怪研究资料丛书》13卷，《扬州八怪》多媒体光盘，《中国古典艺术理论辑注》等50余卷；出版专著有：《中国历代画目大典》战国至宋代卷、辽至元代卷(与王凤珠合作)，《中国画论辑要》(本科生教材)，《中国历代画论》上下编(研究生教材)，《董源巨然》，《吴派绘画研究》，《等

《中国画学精读与析要》简介： 本书旨在为读者深入浅出地剖析中国画的精髓，并对其核心要义进行提炼与阐释。全书围绕中国画这一悠久而独特的艺术形式，从理论、技法、审美、历史文化等多个维度展开，力求为读者构建一个全面而深刻的认知框架。我们不求面面俱到，不追求列举繁多的画派或画家，而是聚焦于那些最能代表中国画精神内核的元素，通过精读与析要，让读者能够抓住中国画的“魂”与“魄”。 第一章 理论基石：意境与神韵的探寻 中国画与其他画种最显著的差异，在于其追求的“意境”。意境并非简单的景物描绘，而是艺术家主观情感、哲学思考与客观物象的深度融合。本章将从“得意忘形”的哲学思想出发，探讨意境如何在画面中得以营造。我们将分析“气韵生动”作为中国画的首要标准，是如何贯穿于中国画的创作始终的。这不仅是对形似度的超越，更是对生命力的捕捉与表现。 “神韵”是中国画的另一灵魂所在。它是一种难以言说的、微妙而动人的生命气息，是画家内在修养与对外在世界的感悟交织的产物。本章将通过对历代画论的梳理，特别是对谢赫“六法”的深入解读，来阐明“神韵”的内涵及其在绘画实践中的体现。我们将分析“应物象形”与“随类赋彩”等基本原则，但更着重于它们如何服务于“传神写意”这一最高目标。读者将了解到，中国画并非对现实的复制，而是经过艺术家心灵过滤与升华后的精神再现。 第二章 笔墨之道：线条与皴法的运用 笔墨是中国画最核心的物质载体与表现手段。本章将聚焦于“笔”与“墨”二字的奥妙。我们将从书法与绘画的血脉相连出发，分析线条的物质性与精神性。不同的用笔方式，如中锋、侧锋、顿挫、转折，如何能够传达出不同的力量、质感与情感。线条的粗细、疏密、疾徐，更是画家心绪的直接流露。 而“墨”，在中国画中则具有丰富的表现力。从浓、淡、干、湿的“墨分五色”，到泼墨、积墨、破墨等技法的运用，墨色的变化无穷，能够创造出深邃的空间感、丰富的层次感与独特的质感。本章将通过具体的案例分析，展示墨色如何在渲染、勾勒、点染中塑造物象，并营造出朦胧、苍劲、润泽等不同意境。 “皴法”是中国画处理山石、树木等物质形态的独特技法。它并非对物象表皮的简单描摹，而是通过不同形态的笔触来表现物体的体积、质感、纹理和光影。本章将精选几种代表性的皴法，如披麻皴、斧劈皴、解索皴、雨点皴等，深入剖析其形成原理、笔墨特点以及适用的对象。我们将强调，皴法的运用不仅是为了造型，更是为了赋予山石树木以生命和性格，使其成为具有“人格”的物质存在。 第三章 构图之玄：虚实相生与留白的艺术 中国画的构图，讲究“虚实相生”，追求画面的均衡与和谐，却又打破了西方绘画严格的对称与比例。本章将探讨构图在中国画中的核心作用。我们将从“计白当黑”的原则出发，解析“留白”在中国画中的特殊意义。留白并非画面的“空白”，而是充满想象空间的“虚境”。它能够引导观者的视线，突出主体，营造意境，并赋予画面呼吸与回旋的余地。 我们将分析各种经典的构图方式，如“散点透视”、“移步换景”等，以及它们如何不同于西方绘画的“焦点透视”。这些构图方式，使得中国画在二维平面上能够呈现出更为广阔的空间感和更为丰富的叙事性。本章还将探讨“取景”的重要性，画家如何通过对自然景物的裁剪与重组，来提炼出最具表现力的视觉元素，并通过巧妙的布局，使画面既有“形”，更有“神”。 第四章 意象世界：物象的象征与精神的寄托 中国画中的物象，往往不仅仅是自然界的一种形态，更是承载着丰富的象征意义和文化内涵。本章将聚焦于中国画中的“意象”。我们将分析梅、兰、竹、菊“四君子”为何能够成为文人画的宠儿，它们所代表的清高、正直、坚韧等品质是如何通过绘画语言得以传达的。 我们将探讨松、鹤、山水、人物等题材背后所蕴含的吉祥、长寿、隐逸、志向等精神寄托。中国画的意象，是艺术家将个人情感、哲学观念与自然物象相结合的产物。画家通过对某一物象的描绘，实际上是在表达一种生命的态度，一种对世界的理解。本章将通过对经典作品的赏析，揭示这些意象在画面中的具体运用，以及它们如何与观者的文化背景产生共鸣。 第五章 笔墨的传承与创新：古法与时代的对话 中国画是一门讲究传承的艺术，历代画家在前人的基础上不断发展，形成了丰富多彩的艺术传统。本章将探讨中国画的传承与创新。我们将回顾历史上重要的画学思潮，以及它们如何影响了中国画的发展。但我们更强调的是，传承并非简单的模仿，而是对古人精神的理解与发扬。 同时，我们也将关注中国画在近现代的发展与变革。如何在继承传统笔墨精神的前提下，融入新的时代精神与审美观念？如何应对西方绘画的挑战与影响，并探索出适合当代中国社会土壤的艺术表达方式？本章将通过对一些具有代表性的当代中国画家的作品进行简要分析，来展示中国画在传承与创新之间所进行的积极探索。 结语 《中国画学精读与析要》并非一本包罗万象的艺术史著作，也不是一本枯燥的技法手册。它是一次对中国画精神内核的深入挖掘，一次对核心价值的提炼与阐释。我们希望通过这本书，能够帮助读者超越对中国画的表面认知，真正理解其背后蕴含的深厚文化底蕴、哲学思考与独特审美追求。通过精读与析要，让读者领略中国画那“笔简意赅”、“韵味无穷”的独特魅力，并从中获得启迪与感悟。

评分☆☆☆☆☆

《中国画学精读与析要》的另一大亮点，是对中国画“法度”的探讨。许多初学者可能会认为，中国画的写意精神便是随心所欲，但本书则纠正了这一误解。作者强调，中国画的“无法”并非是没有规矩，而是在深谙“法度”之后，方能达到“无法之法”。书中对“勾勒”、“皴法”、“点染”等基本技法的讲解，都建立在对古代大师作品的严谨分析之上。例如，在讲解“披麻皴”时，作者不仅分析了其形态特点，更探讨了不同画家如何运用“披麻皴”来表现不同的山石质感和情感氛围。这种“法”与“度”的结合，让我明白了中国画并非是自由散漫的，而是建立在扎实的功底和深刻的理解之上。作者对“骨法”、“传移模写”等古代绘画理论的解读，也让我认识到，中国画的传承并非是简单的模仿，而是要在继承前人经验的基础上，进行创新和发展。这种对“法度”的辩证理解，为我提供了学习中国画的清晰路径，让我知道如何在掌握基本功的同时，不失个人风格和创新精神。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的惊喜，远不止于其对理论的精辟阐述，更在于它所构建的中国画的“意境”图景。在阅读过程中，我深刻体会到中国画的灵魂在于“气韵生动”和“意在笔先”。作者并非空谈概念，而是通过大量的实例，将抽象的审美原则具象化。例如，在讲解山水画的构图时，书中深入剖析了“虚实相生”、“计白当黑”等原则，并结合古代山水画的经典构图进行分析，让我恍然大悟，原来那些看似“留白”的部分，实则承载了无限的空间和意蕴。这种对“留白”艺术的解读，让我重新审视了中国画与西方绘画在空间处理上的根本差异。此外，书中对花鸟画的论述，也让我眼前一亮。不仅仅是描绘花鸟的形态，更在于捕捉其“神”——花鸟的生命力、情感的流露。作者引用了大量的古代诗词歌赋来印证画作中的情感表达，将绘画与文学紧密地联系起来，让我感受到了中国画“诗中有画，画中有诗”的独特魅力。我尤其喜欢书中对“墨分五色”的细致讲解，从浓、淡、干、湿、润，每一个层次都蕴含着丰富的表现力，作者通过对比不同名家的用墨特点，生动地展现了墨色的变化如何营造出不同的视觉效果和情感氛围。阅读此书，仿佛置身于一个古老而充满智慧的艺术殿堂，与历代大师对话，感受着他们对自然、对生命、对艺术的深刻理解。

评分☆☆☆☆☆

初次翻开《中国画学精读与析要》，就被其厚重感和典雅的装帧所吸引。这不仅仅是一本书，更像是一位智者在低语，娓娓道来中国画那深邃而迷人的世界。作为一个对中国画一直抱有浓厚兴趣，但又常感到力不从心、不得其法的爱好者，我一直在寻找一本能够真正引导我进入其精髓、理解其内在逻辑的读物。市面上相关的书籍不少，但大多流于表面，或是过于学术化，让人望而却步。《中国画学精读与析要》则恰恰填补了这一空白。它并非简单罗列画家的生平和作品，而是深入剖析中国画的“学”，即其理论体系、审美原则、创作技法背后的文化根源与哲学思考。书中对笔墨的论述，不仅仅是技法层面的讲解，更上升到了精神层面的升华，让我明白了为何“写意”不仅仅是“画”，更是“写”。从勾勒、皴擦、点染，到设色、构图，每一个环节都被细致地拆解，并赋予了深刻的文化内涵。我尤其欣赏书中对历代名家作品的解读，作者并非简单地赞美其技艺高超，而是挖掘出其作品在当时历史背景下的创新之处，以及其对后世产生的深远影响。这种抽丝剥茧式的分析，让我得以站在巨人的肩膀上，去审视中国画发展的脉络，感受艺术家们在传承与创新中付出的心血。即便是我这样初窥门径的读者，也能从中获得启发，不再是雾里看花，而是能初步辨识出作品的妙处与精义。

评分☆☆☆☆☆

本书的结构安排，也考虑到了不同读者的需求。对于初学者，书中提供的清晰的入门引导和基础理论讲解，能够帮助他们建立起初步的概念。而对于有一定基础的读者，书中对复杂技法的深入剖析和对高级审美的阐释，则能提供更具深度的启发。我特别欣赏书中在讲解某一绘画理论或技法时，会引用来自不同时期、不同流派的代表性作品进行对比分析。这种“举一反三”的讲解方式，让我能够从多个角度去理解同一概念，并从中发现中国画发展的多样性和包容性。例如，在讨论“构图”时，书中对比了宋代山水画的宏伟全景与元代山水画的简洁意境，让我看到了构图上的不同追求与表现。这种严谨的学术态度和丰富的实例支撑，让本书的论述更具说服力，也更容易被读者所接受。

评分☆☆☆☆☆

《中国画学精读与析要》在对“意境”的解读上，更是达到了一个新的高度。我一直认为，中国画最吸引人的地方，在于它能够营造出一种超越画面的氛围，引人遐想。本书则为我揭示了营造“意境”的奥秘。作者深入剖析了“虚实”、“疏密”、“聚散”等构图元素如何共同作用，来创造出画面的空间感和呼吸感。同时，对“色彩”的运用，也并非仅仅是描绘物象的真实色彩，而是通过色彩的象征意义和情感色彩，来烘托画面的整体意境。我尤其喜欢书中对“墨韵”的阐述，认为墨色的浓淡干湿变化，本身就能够营造出丰富的层次感和空间感，达到“墨分五色”的奇妙效果。这种对“意境”多维度、深层次的解读，让我明白了中国画为何能够以简胜繁，以少胜多，用寥寥几笔，便能描绘出无限的诗意与哲思。

评分☆☆☆☆☆

《中国画学精读与析要》在处理“写意”与“写实”的关系上，也给了我深刻的启示。很多人对中国画的“写意”存在误解，认为它不注重细节，甚至有些“粗糙”。但本书则通过对大量写实功底深厚的作品的分析，说明了真正的写意，恰恰建立在对物象的深刻理解和高度提炼之上。作者在讲解“勾勒”的技巧时，强调了“以形写神”的重要性，并引用了许多以精准线条描绘物象的作品作为范例。让我明白，无论是精细的工笔，还是挥洒的写意，最终的目标都是要抓住物象的“神”。书中对“笔墨”的论述，也从另一个角度论证了这一点。笔墨的丰富变化，能够极大地增强画面的表现力，使得单纯的线条能够传达出丰富的质感、光影和情感。这种对“写意”的深入解读，让我明白了中国画的写意并非是“不写实”，而是“以意写实”，是用艺术家的主观情感和精神，去解读和表现客观世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事方式，也极具特色。作者并没有采用流水账式的线性叙述，而是将各个主题有机地穿插起来，使得阅读过程既有条理又不失趣味。我尤其欣赏书中在讨论某一技法时，会立即引申到相关的哲学思想或文学典故，这种多维度的解读方式，让原本枯燥的技法讲解变得鲜活生动。例如，在讲解“骨法用笔”时，作者不仅分析了笔法的刚劲、提按、转折，更将其与中国书法中的“力透纸背”和“龙跳虎卧”等概念联系起来，让我体会到中国画用笔的力度与神韵。同时，书中对“气韵”的论述，也让我印象深刻。作者并非简单地将“气韵”定义为“生气”，而是深入分析了其包含的“动”与“静”、“虚”与“实”、“浓”与“淡”等辩证关系，以及如何通过笔墨的运用，来达到“气韵生动”的艺术效果。这种深入浅出的讲解，让我在品味艺术的同时，也接受了一次思想的洗礼。书中的每一个章节，都像是一次精心策划的艺术导览，带领我穿梭于中国画的宏大叙事之中，感受着不同时期、不同流派的独特魅力。

评分☆☆☆☆☆

不得不提的是，这本书在语言表达上，也极具匠心。作者的文字，既有学者严谨的考据，又不失艺术评论的诗意与感染力。阅读过程中，我常常被书中生动的比喻和形象的描绘所打动。例如，在形容笔墨的流动时，作者会用“如云卷舒”、“如龙蛇飞动”等词语，让我仿佛亲眼看到笔墨在纸上舞动。这种文学性的语言，不仅增强了阅读的趣味性，更帮助我更直观地理解抽象的艺术概念。书中对古代画家创作心境的描绘，也充满了人文关怀。作者通过挖掘史料和文献，力图还原艺术家们在创作时的真实状态，让我感受到他们对艺术的执着追求和对生命的深刻体悟。我尤其喜欢书中对“文人画”的解读，作者深入分析了文人画的“逸趣”和“雅致”，以及其背后所体现的士大夫阶层的精神追求。这种对艺术作品背后人文精神的挖掘，让这本书超越了一本单纯的艺术史或技法书，而成为了一部关于中国传统文人心灵史的写照。

评分☆☆☆☆☆

总而言之，《中国画学精读与析要》是一本真正能够引领读者深入理解中国画精髓的著作。它不仅仅是一本技法指导手册，更是一部融合了哲学、文学、历史和美学的艺术宝典。阅读此书，我感受到了前所未有的启发，不仅对中国画的理论和技法有了更深的认识，更重要的是，我从中体会到了中国画背后所蕴含的深邃的东方智慧和独特的民族精神。这本书的价值，在于它能够激发读者对中国画的热情，帮助他们建立起正确而深刻的认知，从而能够更自信、更有方向地去探索和学习中国画。我将这本书视为我个人艺术学习旅程中的一座里程碑，它为我指明了前进的方向，也点燃了我对中国画艺术的无限热爱。我相信，任何一个对中国画感兴趣的读者，无论其起点高低，都能从这本书中获益良多，感受到中国画艺术的博大精深与无穷魅力。

评分☆☆☆☆☆

《中国画学精读与析要》的价值，还在于它为我打开了一扇理解中国传统文化的大门。中国画并非孤立的艺术形式，而是深深植根于中国哲学、文学、历史的土壤之中。书中对“天人合一”思想在山水画中的体现，对“禅宗”意境在写意花鸟中的渗透，都进行了深刻的阐释。我从未想过，一幅看似简单的水墨画，竟然能够蕴含如此丰富的哲学智慧。作者引用了大量儒、释、道经典中的论述，来解释中国画的审美追求，让我看到了艺术与思想的交融，看到了艺术家如何通过笔墨来表达对宇宙人生的感悟。例如，在探讨中国画的“写意”精神时，作者深入剖析了“得意忘形”的含义，让我理解到，真正的写意并非是对物象的简单模仿，而是通过捕捉其内在的神韵和精神气质，来达到“传神写照，不在皮毛”的境界。这种解读，让我对“意境”有了更深的认识，也让我明白了为何中国画能够超越单纯的视觉再现，而触及到观者的心灵深处。这本书的阅读过程，也是一个自我认知和文化认同的过程，它让我更加珍视中华民族璀璨的文化遗产，也更加坚定了自己学习和传承中国画的决心。