具体描述
内容简介
《中国画构图艺术》对中国画的构图法以中国绘画的哲学思维方法和时代的视角分类序列，纳百川，立干仞，条理清晰，详而不繁，深入浅出，论述分明。不仅将古人分散零碎的关于中国画构图学的论述予以条理化、系统化，而且结合自己的艺术实践，中西对照，许多难以说清的问题在其笔下部变的平实明晰，可谓举重若轻，化难为易。没有深厚的理论修养和丰富的艺术实践是难以至此境界的。其理论深度与学术含量远非一般的技法？论书籍所能比拟。此书的出版，必定对广大中国画创作者具有重要的指导意义。目录
修订版前言
序
概述
第1章 中国画构图学的基本原理
一 传统人文思想的影响
二 观察方法的运用
三 透视与空间
四 布白
五 造化与心源
六 创造意境
第2章 中国画构图的形式美
一 视觉心理
二 S型律动
三 起承转合
四 开合呼应
五 三线交叉效应
六 画眼与构图中心
七 幅式变化
八 综合运用
第3章 中国画构图的物象布置
一 开合叠压
二 穿插变化
三 虚实疏密
四 奇偶聚散
五 张敛藏露
六 清浑互助
七 色墨相辅
八 动静相依
九 均衡合度
十 起伏参差
十一 边角处理
十二 伸、引、回、堵、接、泻
附：折枝法与截取法
第4章 款钤印与中国画构图的关系
一 题款的形式
二 题款的方法
三 印章的分类及其使用
第5章 中国画构图的常与变
一 借古开今
二 引西益中
结束语：关于传统与创新
后记
精彩书摘
书法与画法相得益彰中国画的表现形式各不相同，表现风格亦备呈风貌，故而题款书法与画法的谐调，是产生题款美的一个重要方面。一般来说，工笔宜题工致的楷书。字体大小也要与画面谐调，如款书是章法的组成部分，则大小以适宜为好；如款书与章法无关，字体则以较小为宜。如不长于楷，则隶篆亦可。写意则以行、隶、篆为宜，大写意除上述三体外，也可用草书。如行云流水，行其不得不行，止其不能不止。清疏秀丽者，款书亦须潇洒飘逸；大气磅礴者，款书亦须纵横跌宕；画法古拙者，款书亦须高古奇拙，方能使画面“由题而益妙”。
文辞与意境的结合
题款美的产生，除款处得宜、书法相称外，文辞亦要与画材相关。功力相称、文笔优美方能与画相互生发，诗中有画、画中有诗，诗画高度完美结合，融为一个艺术整体，从而以题发画，增加绘画的艺术性。
文辞除诗外，对艺术的感受与见解、生活的回忆等都是题款常见的内容，但却要有感而发。或寓意深远，或优美抒情，或简洁风趣。既与画材发生联系，又与观者产生共鸣，切不可有一味长吟而画蛇添足或故作高深之嫌。
作为中国画构图重要组成部分的题款方式，变化很多，概括起来大致有以下几种相应的形式。
横题法
用户评价
这本书《中国画构图艺术》是我在学习中国画过程中遇到的一个里程碑式的作品。我之前尝试过临摹一些名家画作，但总觉得画面总少了点“味道”，或者说，不够“有神”。这本书恰恰解答了我长久以来的疑惑。它让我明白，构图不仅仅是物体的堆叠，更是画家精神世界的映射。书中对“意境”与构图的结合，让我看到了构图的灵魂。它并非僵硬的几何分割，而是随着画家的情感和思想而流动，通过对空间的经营，营造出一种独特的艺术氛围。我印象最深刻的是，书中对于“动势”的讲解，它不是简单的线条的走向，而是整个画面的生命力，是画家在画面中注入的情感和力量。例如，在一幅山水画中，如何通过山石的连绵起伏、云水的聚散变化，来营造出一种磅礴的气势；在人物画中，如何通过人物的眼神、手势、身体的倾斜，来传达人物内心的情感。书中还提到了“分割”与“融合”的辩证关系，如何将画面分割成有机的整体，同时又保持画面的灵活性和生命力。我特别欣赏书中对“留白”艺术的深入剖析，它不仅仅是画面上的空白，更是一种留有想象空间的艺术处理，让观者能够参与到画面的创作过程中，去体会画家的意图。这本书让我认识到，构图是中国画的骨架，是支撑起画面精神世界的关键，也让我对中国画的艺术魅力有了更深层次的认识。
评分这本《中国画构图艺术》真是让我大开眼界，原本以为构图只是简单的元素摆放，但深入阅读后才明白，它背后蕴含着如此深厚的东方哲学和视觉美学。书中对“计白当黑”的阐释尤其令我印象深刻，它不仅仅是留白，更是一种空间上的经营，一种意境的营造，是将“无”转化为“有”的智慧。我曾以为中国画的构图总是拘泥于山水画的“三远法”或是花鸟画的“S”形构图，但这本书打破了我固有的认知，它从历史的长河中梳理了历代名家的构图思想，从南北朝的“高远”、“平远”、“深远”，到宋元时期更加精妙的虚实相间，再到明清时期更加强调笔墨韵味的布局，都进行了细致的讲解。更难得的是，书中并非只是理论的堆砌，而是结合了大量的经典画作进行分析，比如马远、夏圭的“残山剩水”构图，如何寥寥数笔便营造出深邃的山川意境；吴镇的“渔父图”，如何通过人物的动态和环境的烘托，表现出隐逸的情怀。这些实例分析让我仿佛置身于大师的创作之中，亲身感受他们对空间的把握和对意象的提炼。书中还对不同题材的中国画，如山水、人物、花鸟、走兽等，分别给出了构图上的重点和难点，并提供了多种解决方案。例如，在描写宏大山水时，如何运用“开合”的手法，让画面既有气势又不显拥挤；在描绘人物群像时，如何通过人物之间的顾盼呼应，营造出故事感和生活气息。我尤其欣赏书中对于“韵律感”的强调，它不仅仅是指画面的视觉平衡，更是一种内在的节奏，一种气的流动，让观者在欣赏画作时能够感受到生命的律动。这不仅仅是一本关于绘画技法的书，更是一本关于东方审美观的启蒙读物，让我对中国画的理解上升到了一个新的高度。
评分《中国画构图艺术》这本书，如同一场甘霖，滋润了我对中国画构图的干涸理解。我曾一度认为，中国画的构图，无非是山水的“三远”法，花鸟的“S”形，但这本书彻底打破了我的固有认知。它从历史的维度，梳理了历代画家在构图上的探索与创新，让我看到了中国画构图的丰富性和多样性。书中对“势”的解读，让我明白，构图不仅仅是元素的排列，更是生命力的流动，是画家情感的表达。例如，马远、夏圭的“残山剩水”构图，如何用极简的笔墨，营造出雄浑的山川意境；吴镇的“渔父图”，如何通过人物的动态和环境的烘托，表现出隐逸的情怀。这些经典的案例分析，让我仿佛置身于大师的创作之中，亲身感受他们对空间的把握和对意象的提炼。书中还对不同题材的中国画，如山水、人物、花鸟、走兽等，分别给出了构图上的重点和难点，并提供了多种解决方案。例如，在描写宏大山水时，如何运用“开合”的手法，让画面既有气势又不显拥挤；在描绘人物群像时，如何通过人物之间的顾盼呼应，营造出故事感和生活气息。这本书让我对中国画的构图有了更深刻的认识，也让我对自己的创作充满了信心。
评分《中国画构图艺术》这本书，对我来说，不仅仅是一本技术指导书，更是一次关于东方美学和哲学思想的深度探索。我之前对中国画的构图，总停留在“对称”或者“黄金分割”这些比较西化的概念上，但这本书彻底打开了我的新视野。它详细讲解了中国画构图中“势”的重要性，这种“势”不是外在的形态，而是内在的生命力，是画家通过对线条、墨色、虚实等元素的运用，在画面中注入的“精气神”。书中对“计白当黑”的阐释，让我深刻理解到，留白在中国画中并非是“空”，而是“充实”的，是一种意境的营造，一种留给观者想象的空间。我曾以为山水画的构图总是“远近”法，但这本书让我看到，构图是可以更加自由和灵活的，例如“散点透视”、“移步换景”等手法，让画面能够容纳更多的信息和情感。书中对“呼应”的讲解，让我明白，画面中的每一个元素都不是孤立存在的，而是相互联系、相互呼应的，这种呼应让画面形成一个有机的整体，具有更强的生命力。我尤其喜欢书中对“笔墨”与构图的结合的分析，笔墨不仅仅是绘画的工具，更是构图的载体，是画家情感和思想的表达。这本书让我对中国画的构图有了全新的认识，也让我对自己的绘画创作充满了信心。
评分这本书《中国画构图艺术》对我来说，绝对是一次视觉和思维的双重洗礼。我之前学画，总是觉得画面“散”，或者“塌”，总找不到那种“气”贯通的感觉。读了这本书，我才明白，原来构图不仅仅是画面元素的摆放，更是一种“章法”的经营，是一种“气势”的营造。书中对“经营位置”的讲解，让我理解到，画家在动笔前，就已经在脑海中构建了一个完整的世界，构图就是这个世界的骨架。它不只是简单的二维空间，而是蕴含着东方哲学的深邃智慧，比如“阴阳”、“虚实”、“动静”等等。我尤其欣赏书中对“势”的讲解，它不是简单的线条走向，而是整个画面内在的生命力，是画家注入的情感和精神。比如，一幅山水画，如何通过山势的连绵、云水的聚散，来营造出一种磅礴的气势；一幅人物画，如何通过人物的姿态、眼神，来传达人物内心的情感。书中还提到了“呼应”的重要性，画面中的每一个元素都不是孤立存在的，而是相互联系、相互呼应的，这种呼应让画面形成一个有机的整体，更具生命力。我曾以为工笔画的构图会比较刻板，但书中分析的工笔人物画，人物的姿态、眼神，即使是背景的几笔淡墨，都充满了灵动感，构图恰到好处地烘托了人物的情感。这本书让我对中国画的构图有了全新的认识，也让我对自己的绘画创作充满了期待。
评分我一直对中国画的构图感到困惑，总觉得画面要么不够饱满，要么显得杂乱无章，难以把握那种“气韵生动”的感觉。《中国画构图艺术》这本书，像一位循循善诱的老师，一步步地引导我走向了清晰的理解。它将复杂的构图原理，分解成一个个易于理解的概念，并辅以大量的图例，让我能够看得懂，也学得会。书中关于“主次关系”的讲解，让我明白，画面中的每一个元素都有其存在的价值，但也有其轻重缓急之分，如何通过构图来突出主体，引导观者的视线，是构图的关键。我印象最深的是书中对“呼应”的强调，无论是线条的呼应、色彩的呼应，还是虚实的呼应，都能够让画面形成一个有机的整体，而不是孤立的元素堆砌。书中还提到了“负空间”的概念，这与西方绘画的“留白”有所不同，它更强调负空间在画面中的引导作用和意境的营造，是一种更具东方哲学意味的表达。我曾以为工笔画的构图会比较死板，但书中分析的工笔人物画，人物的姿态、眼神，即使是背景的几笔淡墨，都充满了灵动感，构图恰到好处地烘托了人物的情感。书中还提到了“节奏感”在构图中的重要性，就像音乐一样，有快有慢，有张有弛，才能让画面富有生命力。我从这本书中获得的，不仅仅是构图的技巧，更是一种对中国画艺术的深刻理解和热爱。
评分读完《中国画构图艺术》后，我最大的感受是，构图不再是枯燥的规则，而是充满生命力的语言。书中对于“形”、“神”、“气”在构图中的融合，给予了我全新的启发。我之前画画，总觉得画面“空”，或者“乱”，找不到问题的根源，这本书就像一盏明灯，指引我找到了方向。它详细讲解了中国画构图中“势”的重要性，不是简单地指画面的走向，而是蕴含着一种内在的动力和生命力，让画面“活”起来。书中对“透视”的处理也让我耳目一新，它并非照搬西方的几何透视，而是根据东方绘画的审美需求，提出了“散点透视”、“移步换景”等概念，让画面在表现空间的同时，能够更自由地表达情感。我特别喜欢书中对“留白”艺术的解读，它不仅仅是物理上的空白，更是精神上的留白，是给观者想象的空间，是“虚实相生”的体现。书中列举了许多不同风格的画作，从写意的泼墨山水到精工的工笔人物，都展现了构图的无限可能性。比如，在写意山水画中，如何用极简的笔墨勾勒出雄浑的山势，留白之处既可以是云雾缭绕，也可以是遥远的天际；在工笔人物画中，如何通过人物的姿态、服饰的搭配，以及背景的虚实处理，来烘托人物的心境和故事。书中还提到了“框景”的手法，如何利用自然的景物，如树枝、门洞等，将画面的焦点引导出来，形成一种“画中有画”的意境。这些细致的讲解和丰富的案例，让我对中国画的构图有了更深刻的认识，也让我对自己的创作充满了信心。我迫不及待地想将这些学到的知识运用到实践中，去创作出真正有生命力的作品。
评分对于《中国画构图艺术》这本书，我只能用“相见恨晚”来形容。我曾经花费了大量的时间和精力，试图去理解中国画构图的奥秘，但总是不得其法，画面总是显得生硬，缺乏灵气。这本书就像一位经验丰富的导师，用清晰的语言和丰富的案例，将复杂的构图原理娓娓道来。书中对“经营位置”的强调，让我明白，构图并非是临场发挥，而是在落笔前就经过深思熟虑的谋划。它让我理解到，构图是画家在创作过程中，对画面空间、内容、意境进行整体把握的过程。我印象最深刻的是，书中对“虚实相生”的讲解，它不仅仅是画面上的对比，更是一种哲学上的辩证统一，是画面张力的来源。书中用大量的名家画作进行分析，比如如何通过疏朗的笔墨和恰到好处的留白，来营造出空灵的山川意境；如何通过人物的姿态和眼神，以及背景的虚实处理，来烘托人物的情感。书中还提到了“框景”的手法，如何利用自然的景物，如树枝、门洞等，将画面的焦点引导出来，形成一种“画中有画”的意境，这让我大开眼界。这本书不仅仅教授了构图的技巧，更传授了一种中国画的审美观，让我对中国画有了更深层次的理解和感悟。
评分《中国画构图艺术》这本书，让我从一个“看热闹”的读者，变成了一个“看门道”的欣赏者。我曾经对中国画的构图感到神秘而遥远，觉得那是大师们的独门秘籍，但读了这本书，才发现原来这些看似高深的原理，都可以通过学习和实践来掌握。书中对“章法”的讲解，让我明白，构图不仅仅是局部的安排，更是整体的布局，是画家在创作过程中对画面整体的把握。它强调了“经营位置”的重要性，即在动笔之前，就要对画面的空间、内容、意境有一个清晰的规划。我特别喜欢书中对“宾主关系”的分析，如何让次要的景物或人物，起到烘托主体、丰富画面的作用，而不是喧宾夺主。书中用大量的实例，比如山水画中的树木、岩石，人物画中的背景、配景，花鸟画中的枝叶、花朵，都做了细致的讲解，让我能够清晰地看到构图在不同元素之间的运用。书中还提到了“虚实对比”的重要性，如何利用虚实的变化，来突出画面的主体，增强画面的空间感和层次感。我曾以为构图是静止的，但这本书让我看到了构图的动态美，比如线条的走向、墨色的浓淡、物体的疏密，都能在画面中形成一种动态的韵律，让画面“活”起来。这本书不仅让我学会了如何欣赏中国画的构图，更给了我创作上的指导，让我对自己的绘画之路充满了期待。
评分《中国画构图艺术》这本书，彻底颠覆了我之前对绘画构图的刻板印象。我一直以为构图就是把画面的东西安排好，让它看起来舒服就行，但这本书让我看到了构图的灵魂所在。它不只是关于“如何画”，更是关于“为何这样画”。书中对“意在笔先”的阐释，让我理解到，构图是画家在落笔前就已经在脑海中构建好的世界，是情感和思想的载体。它强调了“气韵生动”与构图之间的密切关系，画面中的“气”并非抽象的概念，而是通过线条、色彩、虚实、疏密等元素的合理配置，在画面中形成一种流动、一种生命力。我特别欣赏书中对“分割”和“组合”的深入探讨，它不是简单的平面分割，而是遵循着中国传统哲学中的“阴阳”、“五行”等原理，让画面在整体的统一中，又充满变化。书中提到了“均齐”、“均衡”、“平衡”等不同的构图原则，并用大量的经典作品进行佐证，让我能够直观地理解这些原则在实际应用中的效果。我记得书中分析了一幅山水画，画面主体部分占据了大部分空间，但通过右上角几笔的留白和一处渺小的人物，却营造出了磅礴的气势和深远的意境，这让我深刻体会到“少即是多”的东方智慧。此外，书中还对不同形式的画幅，如长卷、册页、扇面等，分别提出了构图上的建议，让我认识到，构图需要根据画幅的特点来调整，才能达到最佳的视觉效果。这本书不仅仅是教授构图技巧，更是传授一种东方绘画的审美理念，让我受益匪浅。
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