正版包邮加德纳艺术通史 克雷纳编著李建群译 艺术学书籍 世界艺术史美院翻译团队 哈佛大学 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李建群 译

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出版社： 湖南美术出版社

ISBN：9787535632630

商品编码：20901543819

出版时间：2012-12-01

目录

前言
绪论
艺术史的研究对象与词汇
21世纪艺术史
艺术史家所面临的问题
艺术史家所使用的词汇
艺术史与其他学科
不同的观看方式
一、艺术的诞生
石器时代的非洲、欧洲与近东艺术
旧石器时代艺术
新石器时代艺术
小结
二、文明的起源
古代近东艺术
阿卡德、新苏美尔、巴比伦与赫梯艺术
埃兰与亚述艺术
新巴比伦与阿契美尼德波斯艺术
萨珊艺术
小结
三、法老与来生
古埃及艺术
前王朝时期及早王朝时期
古王国
中王国
新王国
晚期
小结
四、米诺斯与荷马的英雄
史前爱琴海艺术
基克拉泽斯艺术
米诺斯艺术
迈锡尼艺术
小结
五、神，英雄与运动员
古希腊艺术
希腊人文主义
几何风格与东方化时期
古风时期
古典早期与盛期
古典晚期
希腊化时期
小结
六、罗马人之前的意大利
伊特鲁里亚艺术
早期伊特鲁里亚艺术
晚期伊特鲁里亚艺术
小结
七、从七丘之城到三洲之国
古罗马艺术
共和国时期
庞贝与维苏威火山
帝国早期
帝国盛期
帝国晚期
小结
八、异教徒、基督教徒和犹太教徒
古代晚期艺术
地下墓穴和墓葬艺术
建筑与镶嵌画
艺术
小结
九、东方的罗马
拜占庭艺术
拜占庭早期艺术
圣像破坏运动
拜占庭中期艺术
拜占庭晚期艺术
小结
十、罗马陷落之后的欧洲
西方早期中世纪艺术
封建领主割据时期
爱尔兰-撒克逊艺术
穆萨拉比艺术
加洛林艺术
奥托艺术
小结
十一、朝圣的时代
罗马式艺术
建筑
雕塑
绘画
小结
十二、伟大主教堂的时代
哥特式艺术
法国哥特式
法国以外的哥特式
小结
十三、从哥特到文艺复兴
14世纪意大利
城市国家
一场与中世纪精神背道而驰的艺术运动
小结
十四、虔敬、激情与政治
15世纪北欧与西班牙艺术
法国的插画手抄本
15世纪的佛兰德斯艺术
15世纪的法国艺术
15世纪的德国艺术
15世纪的西班牙艺术
小结
十五、人文主义和古代遗产的魅力
15世纪的意大利艺术
佛罗伦萨
肖像画的兴起
虔诚与爱
慷慨的宫廷
世纪末的骚乱
小结
十六、意大利艺术中的美、科学和精神
盛期文艺复兴和样式主义
盛期文艺复兴
样式主义
16世纪晚期建筑
16世纪晚期的威尼斯艺术和建筑
小结
十七、宗教改革的时代
16世纪的北欧和西班牙艺术
新教改革
基督教人文主义
神圣罗马帝国
法国
尼德兰
西班牙
小结
十八、教皇、农民、君主和商人
巴洛克艺术
17世纪的欧洲
17世纪的巴洛克艺术
18世纪初的晚期巴洛克艺术
小结
十九、思想启蒙运动及其遗产
18世纪晚期到19世纪中期艺术
洛可可： 法式趣味
启蒙运动: 哲学和社会
启蒙运动：科学和技术
伏尔泰与卢梭: 科学与“自然”品位
对古典主义兴趣的复苏
从新古典主义到浪漫主义
浪漫主义的兴起
风景画中的想象和情绪
各种建筑风格的复兴
摄影
小结
二十、现代主义的兴起
19世纪晚期艺术
现代主义的发展
前卫的兴起
世纪末文化
19世纪晚期的其他建筑风格
小结
二十一、现代主义的发展
20世纪早期艺术
社会革命与世界大战
20世纪早期的欧洲表现主义
接受抽象
挑战艺术传统
横跨大西洋的艺术对话
一战后的欧洲艺术
新社会，新艺术—乌托邦理想主义
有机性
20世纪30年代，为政治服务的艺术
移民者和流放者：
为20世纪中期的美国艺术注入活力
小结
二十二、后现代与后现代之后
20世纪晚期艺术
艺术中心向西转移
战后的欧洲表现主义
现代主义形式主义
现代主义形式主义之外的选择
艺术为公众服务
新的建筑模式：
从现代主义到后现代主义
后现代主义：绘画、雕塑与新媒体艺术
艺术和艺术史的未来
进入21世纪
小结
附录一
名词解释
附录二
博物馆、美术馆、画廊及收藏机构名录
收藏基金会与收藏家名录
附录三
参考书目

前言

能够向大家介绍《加德纳艺术通史》的第12版我们倍感荣幸。它是读者多的英语艺术史入门读物。1 9 2 6 年，在这部经典的世界艺术与建筑纵览出版之时， 海伦? 加德纳（ H e l e n G a r d n e r ） 不可能想到在6 0年后世界各地的教师们还会在教室里使用这本书作为教材。作为人文与社会科学佳大学教材，《加德纳艺术通史》的第1 1 版同时获得了2 00 1年教科书与高等院校作者协会（Tex t a n d A c a d e m i c A u t h o r sA s s o ci a t i o n ） 的教材奖（ T e x y A w a r d ） ， 以及麦格菲图书奖（ M c G u f f e yA w a r d ）—这无疑会让她特别引以为豪。这是部获得这些奖项的历史书，也是在同一年份获得这两种奖项的书目。
我们拥有与海伦?加德纳一样的信仰，我们相信艺术史对于文科教育而言是至关重要的。艺术史研究的宗旨是欣赏与理解人类在历史长河中生产出来的具有高度艺术质量与历史意义的作品。和她一样，我们认为讲述历代艺术故事的有效方式是将这些数量浩繁的艺术杰作按制造它们的文明来进行组织，以大致的时间先后顺序来考察每一件作品。对于研究艺术史的人而言，这种方法尤为适用。这种方法不仅经受了时间的考验，而且还是讲述艺术历史的适当方式。我们认为，绘画、雕塑、建筑以及其他艺术品外形与含义的巨大变化，在很大程度上是艺术家与雕塑家们身处的日新月异的历史、社会、经济、宗教与文化背景发展的结果。因此，以历史为依据的叙事适用于艺术史纵览。
然而， 从另一些方面看， 海伦? 加德纳也许认不出《加德纳艺术通史》的第1 2 版就是自己的那部著作。比如，毕加索（P a b l oP i c a s s o ）与戴维斯（ A r t h u r B .Davies）不再出现在“欧美当代艺术”的这一章。然而，更重要的是，近几十年间艺术史学科已然发生了显著变化，因此这部书也必须做出相应改变。第1 2版反映了新的艺术史研究重点，同时保留了《加德纳艺术通史》之前各版本的传统优点。在继续关注风格、时间顺序、图像志与技巧的同时，我们比以往任何一版都更加关注作品的功能与背景。在考察作品时，我们会考虑在生产出它们的那个社会中，在生产它们的那个时候—它们的目的与含义。我们还关注赞助制度在艺术生产中至关重要的作用，考察那些付钱给艺术家，并影响艺术作品的个人与团体的作用。我们将用比以往更多的篇幅介绍女性以及女艺术家在社会中的角色。自始至终，我们都致力于将艺术与建筑的历史、政治与社会背景结合起来。因此，我们常常将绘画、雕塑、建筑和所谓的次要艺术放在一起处理，强调它们如何共同反映了一个文化的传统与抱负，而不是将它们当做独立的、截然不同的媒介进行处理。并且，我们所描绘的许多作品直到近，艺术史家还认为其根本不是“艺术”。在每一章中，我们在选择艺术品时都试图反映当今学者们日益扩张的兴趣范围，同时也不摒弃传统的“ 伟大”作品列表或“经典”观念。作品的选择囊括了几乎每一种艺术媒介以及每一个时代的文化。

在线试读部分章节

"喷泉中的胜利 在希腊化时期的巴洛克作品中也有非阿塔洛斯王朝的作品，这尊耸立在萨莫色雷斯岛大神圣所（Sanctuary ofthe Great Gods）中的胜利女神像（Nike ofSamothrace，图5-82）就是一个例外。胜利女神站在一艘希腊战舰的舰首，她的右臂（已佚）高高举起，正在为海战的胜利者加冕。在这里，我们可以比较一下宙斯祭坛上给雅典娜加冕的胜利女神（图5-79）。相较之下，帕加玛的浮雕女神像显得更加平静，而萨莫色雷斯的胜利女神则更富戏剧性—她的双翼仍在拍打，风拂起她的衣裙，她的长袍缠绕着她的右腿堆起厚厚的褶皱，她的外衣紧紧地贴着腹部和左腿。雕像的基座—战舰，被陈列在一座两层喷泉的上层水池中，下层水池中是一块巨大的圆石，从喷泉中喷出的水柱营造出一种激浪在冲撞战舰的错觉。雕像在水中的倒影强调了它的光影感与运动感，喷溅的水声则在听觉层面上加强了雕像的戏剧性效果—在这里，艺术与自然的结就了有史以来成功的雕像作品。波留克列特斯曾经认为，雕塑应该是一个具有完美比例的自足实体，不应过于装饰。然而，在希腊化时期的作品中，雕塑家们彻底摒弃了这种观念—他们的作品与环境充分互动，就像是一个活生生的且十分情绪化的人（或神）。"

好的，这是一本关于世界艺术史的图书的简介，它不包含您提到的《正版包邮加德纳艺术通史 克雷纳编著李建群译 艺术学书籍 世界艺术史美院翻译团队 哈佛大学》中的任何内容。 --- 艺术的脉络：跨越时空的视觉对话 前言：重塑我们对美的认知 我们生活在一个被图像塑造的世界，但我们对图像的理解往往是片面的。艺术，并非仅仅是博物馆中的陈列品，它是人类文明最深刻、最持久的记录，是不同时代、不同文化间进行的最为坦诚的对话。本书旨在提供一个宏大且深入的视角，带领读者穿梭于数千年的艺术演变之中，探究那些塑造了我们当代审美的关键转折点。 本书的叙事结构不同于传统的线性编年史，它更侧重于主题性与关联性的构建，强调艺术风格的内在逻辑和跨文化的影响机制。我们不满足于罗列作品和年代，而是致力于解析艺术家的创作动机、赞助人的权力结构，以及艺术作品在特定社会历史语境下的意义重构。 第一部分：起源与神话——史前到古典的奠基 第一章：洞穴的低语与第一批符号 本章追溯人类最早的视觉表达——从拉斯科和阿尔塔米拉的洞穴壁画开始。我们探讨这些早期图像的功能性，它们是狩猎的祈愿、巫术的仪式，还是早期宇宙观的投射？我们分析这些原始符号如何奠定了后来所有视觉叙事的基石。 第二章：尼罗河的永恒秩序：古埃及的艺术哲学 古埃及艺术以其惊人的稳定性和对永恒的追求而著称。本章将深入剖析“正面律”和“等级尺寸”等独特的造型原则，探究这些规范如何服务于法老的宗教和政治权威。通过对神庙浮雕、陵墓壁画以及图坦卡蒙金器的细致解读，我们揭示了古埃及人对“玛阿特”（Ma'at，宇宙秩序与真理）的艺术化实践。 第三章：爱琴海的色彩与地中海的张力：米诺斯与迈锡尼的过渡 聚焦于青铜时代的地中海文明，我们审视克里特岛（米诺斯）壁画中充满生机与流动的自然主义风格，与伯罗奔尼撒半岛（迈锡尼）坚硬的军事堡垒和黄金面具所体现的权力结构之间的对比。这部分探讨了早期地中海贸易和文化交流对艺术风格产生的微妙影响。 第四章：理想的铸造：古希腊的“人”的发现 本部分是西方艺术史理解“人体”和“理想化”的起点。我们不只是描述“古典主义”的雕塑，而是分析了从几何时期到古风时期的演变，以及盛期古典时期（如帕特农神庙）如何通过数学比例实现“理性之美”。重点研究了古典雕塑中“动态平衡”的实现，以及悲剧精神在艺术中的体现。 第五章：权力与荣耀的剧场：古罗马的叙事性艺术 罗马艺术如何吸收希腊的形式，并将其转化为服务于帝国统治的工具？本章关注罗马在建筑（万神殿、公共浴场）、纪念碑（图拉真纪功柱）和肖像艺术上的创新。我们分析了罗马艺术中“写实主义”与“宣传性”的完美结合，以及它如何为后世的政治艺术提供了蓝本。 第二部分：信仰的容器与风格的嬗变——中世纪的深度探索 第六章：早期基督教与拜占庭的象征秩序 随着罗马帝国的衰落与基督教的兴起，艺术的重心从表现现实转向表达神圣。本章深入探讨了早期基督教艺术（如地下墓穴壁画）的秘密语言，以及拜占庭帝国如何通过马赛克和圣像画确立了具有严格神学规范的视觉体系。我们分析了“平面化”与“黄金背景”如何剥离世俗感，引导信徒进入永恒的境界。 第七章：蛮族艺术与重塑：凯尔特与盎格鲁-撒克逊的装饰性力量 在西欧政治破碎的年代，艺术以一种完全不同的面貌存在。本章着重于工艺美术和手抄本插画的辉煌，如《凯尔斯之书》。我们研究这些非古典艺术传统如何通过复杂的结绳纹和动物装饰母题，为后来的罗曼式艺术注入了野性和活力。 第八章：信仰的巨石：罗曼式建筑与朝圣之路 罗曼式艺术是中世纪的“巨石时代”。本章分析了欧洲各地兴起的修道院和朝圣教堂（如圣地亚哥-德孔波斯特拉大教堂）的建筑特征——厚重的墙体、圆拱和强烈的体积感。我们重点研究柱头雕塑如何作为“盲人的圣经”，向文盲信徒传授教义。 第九章：向上追寻：哥特式光影的建筑革命 哥特式艺术是人类对光线和高度的执着追求。本章详述了尖拱、飞扶壁和肋拱如何使得墙体消融，让彩色玻璃成为建筑的主体。我们探讨了哥特式雕塑如何从僵硬的法衣下解放出来，开始表现出更人性化的情感倾向，特别是对圣母形象的转变。 第三部分：人文的光芒与理性的回归——文艺复兴的觉醒 第十章：佛罗伦萨的黎明：透视法的发明与“人定胜天” 文艺复兴的本质是对古典人文主义的继承与发展。本章聚焦于线性透视法（Brunelleschi, Alberti）的发明，这不仅是技术上的突破，更是世界观的转变——将人类置于几何空间的中心。我们细致分析了早期文艺复兴大师（如Masaccio）如何将科学理性引入绘画。 第十一章：理想的和谐与人性的光辉：盛期文艺复兴的三巨头 本章集中探讨文艺复兴的巅峰时期。我们比较了三位巨匠在探索“完美”方面的不同路径：达·芬奇对自然观察的科学精神、米开朗基罗对人体雕塑的英雄式表达、以及拉斐尔对古典和谐的终极追求。我们特别分析了“晕涂法”（Sfumato）和金字塔构图在情感传达上的作用。 第十二章：威尼斯画派的色彩革命与光影的哲学 与佛罗伦萨的线条（Disegno）相对，威尼斯画派以色彩（Colorito）著称。本章着重分析提香、乔尔乔内如何利用油画媒介的特性，创造出丰富、感性的色彩层次，并探讨了他们作品中弥漫的感官主义和对自然光的独特捕捉。 第十三章：北方的细致入微：尼德兰文艺复兴的象征真实 探究阿尔卑斯山以北的艺术发展。我们对比了意大利的理想化倾向与尼德兰（如凡·艾克）对微观世界的惊人描绘力。本章的核心在于解析这些北方作品中普遍存在的“隐藏象征主义”——日常物品如何被赋予深刻的神学意义。 第四部分：情感的爆发与视觉的戏剧性——巴洛克与洛可可 第十四章：戏剧性的张力：巴洛克的起源与卡拉瓦乔的强光 巴洛克艺术是反宗教改革的视觉回应，它寻求直接的情感冲击力。本章分析了明暗对比法（Tenebrism）如何被卡拉瓦乔用作一种宗教的“顿悟”工具。我们研究了巴洛克如何将叙事提升到高潮时刻，邀请观众成为场景的一部分。 第十五章：宏伟与幻想：法兰西宫廷的权力和意大利的盛景 本部分横向对比了巴洛克在不同地域的表现。在罗马，我们看到贝尼尼如何将雕塑、建筑和光线融合成统一的剧场体验（如圣特蕾莎的狂喜）；在法兰西，我们考察凡尔赛宫如何通过路易十四的肖像和装饰艺术，构建一个绝对君主的视觉神话。 第十六章：轻盈的欢愉：洛可可风格的私密化转向 随着巴洛克宏大叙事的退却，洛可可风格应运而生。本章分析了其在法国沙龙中的兴起，探讨了其柔和的色彩、S形曲线、以及对田园牧歌、爱情与享乐主题的偏爱，标志着艺术重心从公共领域向私人审美的转移。 第五部分：理性的回归与现代的酝酿——新古典主义到浪漫主义 第十七章：启蒙的秩序：新古典主义对罗马美德的重拾 面对洛可可的轻浮，新古典主义呼唤着古希腊罗马的理性、公民美德和清晰的线条。我们研究雅克-路易·大卫等艺术家的作品如何成为法国大革命的官方视觉语言，以及温克尔曼对“高贵的单纯与静穆的伟大”的理论影响。 第十八章：情感的洪流：浪漫主义对主观体验的颂扬 浪漫主义是对启蒙理性的一次猛烈反扑。本章聚焦于情感、想象力、异域风情和个体英雄主义的主题。我们分析了戈雅对恐怖与非理性的揭示，德拉克洛瓦对色彩的激情运用，以及透纳对自然力量的崇高感的捕捉。 第十九章：社会的面孔与光线的捕捉：现实主义的诞生 19世纪中叶，艺术开始将目光投向日常的、未加美化的劳动人民和现实生活。本章探讨了库尔贝的“反学院派”宣言，以及米勒如何描绘农民的尊严。现实主义标志着艺术对“何为高雅主题”的首次系统性质疑。 --- 本书的深度在于其对艺术史中“转折点”的细致剖析，它关注的是风格背后的驱动力、权力与艺术的关系，以及艺术如何不断地自我革新和对时代精神的反馈。读者将获得一个理解世界艺术史的全新框架，而非仅仅是知识的积累。

评分☆☆☆☆☆

翻译质量在这类专业书籍中往往是决定阅读体验的生命线，而这一版无疑是达到了一个非常高的水准。我之前也接触过几部不同译本的艺术史著作，总能挑出一些术语使用不当或者语句拗口的地方，但这一本几乎没有这种令人出戏的感觉。译者团队显然对艺术史领域的专业词汇有着极其精准的把握，无论是对于绘画技法、雕塑材料还是哲学思潮的表达，都力求信达雅的统一。特别是那些复杂的概念阐释，被处理得流畅自然，完全没有“翻译腔”，读起来与阅读优秀的中文原作无异。这种高水平的专业翻译，极大地降低了理解门槛，使得我们这些非专业出身的读者也能无障碍地领略到原著的精妙之处，这对于普及高阶艺术知识功不可没。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是为艺术爱好者量身定做的，硬壳精装，拿在手里沉甸甸的，光是翻阅的过程就是一种享受。纸张的质感非常出色，那种微微泛着哑光的白色，既能保证图片的色彩还原度，又不会因为太亮而造成视觉疲劳，这对于一本厚重的通史著作来说至关重要。封面设计采用了一种极简却又极具冲击力的排版，主色调的运用非常考究，似乎能让人从色彩中感受到跨越千年的艺术气息。内页的排版布局也体现了编者的匠心独运，文字和图像的比例拿捏得恰到好处，知识点之间的逻辑梳理清晰可见，即使是初涉艺术史的新手，也能轻松跟上作者的叙述节奏，不会被海量的历史信息所淹没。看得出，无论是印刷技术还是装帧工艺，出版方在这一版上是下了真功夫的，它已经超越了一本工具书的范畴，更像是一件值得收藏的艺术品，每次翻开它，都感觉像是在进行一次神圣的博物馆之旅。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事风格真是令人耳目一新，它完全打破了我对传统艺术史教科书那种刻板、学院派腔调的固有印象。作者的笔触非常生动、富有洞察力，他不仅仅是在罗列历史事实和风格演变，更是在挖掘那些隐藏在作品背后的文化心理和社会思潮。读起来的感觉，就像是有一位博学睿智的引路人，耐心地在你耳边娓娓道来，他会告诉你为什么某个时期的艺术家会突然转向某种特定的表现手法，这种转变背后的驱动力究竟是什么。特别是对于那些关键转折点的描述，作者总能抓住其精髓，用精准而富于文学性的语言进行概括，使得原本晦涩难懂的理论一下子变得鲜活起来，让人豁然开朗。这种讲述方式，极大地激发了我对西方艺术脉络深入探索的兴趣，让人忍不住想要立刻去寻找书中所提及的那些经典原作进行比对研究。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值不仅仅在于其知识的传授，更在于它提供了一种看待世界的全新视角。它教会我的，是如何去“阅读”一幅画、一座建筑，如何穿透表象的色彩和线条，去触摸那个时代艺术家们的情感波动和理性思考。当我合上书本，再回过头去看那些熟悉的艺术品图片时，我发现自己看待它们的目光已经发生了本质的变化，不再满足于“好看”的简单判断，而是开始探究其背后的结构、象征意义乃至历史的隐喻。这种潜移默化的认知升级，才是任何一本伟大的艺术史著作能带给读者的最终馈赠。它培养了一种批判性的、跨学科的审美能力，这种能力，我相信会对我未来在生活、工作乃至思考任何领域的问题时，都提供一种更具深度和层次感的分析工具。

评分☆☆☆☆☆

作为一本涵盖了“通史”范畴的巨著，其内容广度和深度确实令人称赞。它从史前洞穴壁画一直讲到近现代的流派纷争，时间跨度之大，几乎没有遗漏任何一个重要的艺术阶段。尤其值得一提的是，它在处理不同地域和文化间的交流与碰撞时，展现出了非常细腻和平衡的视角，没有过度偏袒某一文化的主导地位，而是着重展现了艺术在全球化视野下的相互渗透与影响。对于每一个时期的代表艺术家和他们的核心作品，作者都进行了深入的剖析，但更重要的是，他将这些个体成就置于宏大的历史背景之下进行考察，使得艺术的发展脉络清晰可循，避免了孤立地看待某一个大师或某一个流派的弊端。这对于建立一个全面、立体的艺术史观来说，是极其宝贵的财富。