【后浪直营】镜头的语法+剪辑的语法（套装） 电影导演摄影入门教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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商品名称：【后浪直营】镜头的语法+剪辑的语法（套装） 电影导演摄影入门教材

商品编号：21774598760

店铺： 后浪出版公司官方旗舰店

商品毛重：300.00g

镜头的语法

著   者：[英] 罗伊·汤普森（Roy Thompson）   

[美]克里斯托弗·J·鲍恩（Christopher J. Bowen）

译   者：李蕊                                     字   数：199千

书   号：978-7-5502-9779-1                       页   数：200           

出   版：北京联合出版公司                          印   张：12.5 

尺   寸：165毫米×230毫米                        开   本：版   次：2017年9月第1版                        装   帧：平装

印   次：2017年9月第1次印刷                    定   价：38.00元

正文用纸：75g书纸

剪辑的语法

著  者：[英] 罗伊·汤普森（Roy Thompson）   

[美]克里斯托弗·J·鲍恩（Christopher J. Bowen）

译  者：梁丽华罗振宁字 数：210千

书  号：978-7-5502-9774-6页 数：208           

出  版：北京联合出版公司印 张：13

尺  寸：165毫米×230毫米开 本：1/16

版  次：2017年9月第1版装 帧：平装

印  次：2017年9月第1次印刷定 价：38.00元

正文用纸：75g书纸

编辑推荐

这是一本浅显易懂，言简意赅，可操作性强的剪辑入门教材，介绍了基本剪辑方法和原则，全书贯穿作者对剪辑六要素——信息、动机、镜头构图、摄影机角度、连贯、声音——的理解，能够帮助新手剪辑师建立剪辑的流程和系统，重新审视自己的作品，刷新对剪辑的认知，改善剪辑技巧。

 

 入门基础，剪辑新手的迷路指南针

 图文并茂，直观揭示剪辑点奥秘

 实战总结，汇聚作者数十年经验

 章末回顾，扎实掌握每章所学内容

 

著者简介

  罗伊?汤普森（Roy Thompson），美国弗雷明汉州立大学（前身为波士顿大学）摄影、视频剪辑与电影制作专业的教师，有数十年的教学经验。同时也是Avid公司的认证讲师，还是Fellsway Creatives制作公司的创意总监。另著有《镜头的语法》。

 

克里斯托弗?J?鲍恩（Christopher J. Bowen），导演，德国之声电视继续教育中心的教师，先后在欧洲、非洲、中东和远东等地区执教，教学经验非常丰富。另著有《镜头的语法》。

 

译者简介

梁丽华，北京电影学院摄影系教师，电影学博士。目前为电影制作方向本科生开设“电影剧作基础”课，负责摄影系信息研究室工作。在多部电影、电视剧中担任编剧，曾编著《数字时代的电影摄影》一书。

 

罗振宁，北京电影学院基础部外语教研室主任，副教授，译著包括《2D和3D人物情感制作》《文学艺术》等，同时担任多部影视剧翻译的工作，并参与合拍片的制作。

 

内容简介

这是一本简明直观的基础剪辑教程，涵盖剪辑工作所需的各方面信息。作者从介绍最基本的镜头类别开始，分析怎样选择剪辑点和转场时机，总结出四十六条常用的剪辑原则，帮助读者快速掌握各类剪辑技巧和方法并最终用于实战。全书图文并茂、案例丰富，深入浅出地展开每一个剪辑话题，便于翻查、容易上手，是每位电影爱好者、剪辑初学者和从业者的书橱必备手册。

电影制作的基石：从概念到成片的导演与摄影实践指南 卷一：光影的叙事艺术——导演视角的构图与调度 本书概述： 本书聚焦于电影叙事的核心要素——镜头语言与场面调度的精妙运用，旨在为电影初学者、独立制片人以及对视觉表达有更高追求的创作者，提供一套系统、深入且高度实用的导演思维框架。我们摒弃空泛的理论堆砌，转而深入探讨如何在实际拍摄中，通过精准的镜头选择、移动和景别控制，有效传达人物的情感内核、推动情节发展，并构建出具有独特美学风格的视觉世界。 第一章：导演的“眼睛”——理解镜头的本质与功能 镜头的心理学： 探讨不同景别（大全景、中景、特写等）对观众情绪的直接影响。如何利用景别转换来建立或打破观众与角色之间的心理距离？分析“全知视角”与“主观视角”的切换技巧，以及如何运用这些视角来塑造角色的内心世界。 焦距的选择与意义： 详解广角、标准和长焦镜头在叙事中的独特功能。广角镜头如何夸张空间感以营造不安或宏大？长焦镜头如何“压缩”时空，聚焦于细节的张力？实战案例解析，教你根据场景情绪选择最合适的焦距。 运动镜头的诗意与逻辑： 不仅仅是平移或环绕。深入剖析推拉（Dolly In/Out）、摇移（Pan/Tilt）、跟拍（Tracking）等运动方式背后的叙事动机。何时应使用稳定器（Steadicam）营造流畅感？何时应采用手持拍摄增加临场感和粗粝感？ 第二章：空间的构建与人物的舞台——场面调度的高级应用 舞台的几何学： 学习如何将场景（Set）视为一个三维的表演空间。探讨景深的使用，前景、中景、后景的层次感构建。如何利用建筑结构、家具布局来暗示角色关系和权力结构？ 调度与节奏的同步： 场面调度是时间与空间的结合。分析慢节奏叙事中的冗余空间运用（如安东尼奥尼的疏离感），与快节奏动作场景中的紧凑调度。探讨对白场景中，走位（Blocking）如何揭示人物潜意识的冲突。 群戏的指挥艺术： 如何在复杂的群体场景中，确保每个角色的焦点和动作都服务于中心叙事？技术层面（如灯光分组、摄影机保护区）与表演指导的结合。 第三章：光线的情感解码器——从自然光到戏剧照明 光线与情绪的关联： 阐述高调（High-Key）和低调（Low-Key）照明风格的心理暗示。分析“伦勃朗光”、“蝴蝶光”等经典布光模式，并教授如何根据剧本主题来设计光影方案。 色彩的潜意识语言： 探讨原生色温、滤镜选择以及后期调色在确立电影整体氛围中的作用。如何使用冷暖色调对比来凸显人物的内心挣扎或环境的对立感？ 控制与模拟： 如何有效地利用反光板、柔光布和人造光源，去模拟清晨的柔和阳光、午后的烈日或室内台灯的微弱光芒，使光线服务于故事的真实性或寓言性。 --- 卷二：时间与节奏的雕塑——剪辑思维与叙事结构 本书概述： 本卷将创作者的焦点从拍摄现场转移至剪辑室，系统讲解如何将零散的镜头片段转化为连贯、富有冲击力的电影时间流。本书重点剖析经典剪辑理论（如连续性剪辑）的突破与创新，并深入探讨非线性叙事、蒙太奇的现代应用，帮助读者掌握塑造电影节奏的终极权力。 第四章：连续性剪辑的范式与突破 无形之手的技术： 详解“180度法则”的核心原理及其在维持空间一致性上的重要性。探讨轴线（Axis of Action）的建立与巧妙打破，以及如何利用跳切（Jump Cut）在保持叙事连贯的同时，引入冲击力。 转场技术的精确使用： 从基础的硬切（Cut）到叠化（Dissolve）、淡出（Fade）的细微差别。分析渐隐、划像等经典转场在不同类型片中的功能（例如，叠化暗示时间的流逝或情感的过渡）。 对白场景的节奏把控： 学习如何通过对话者的镜头切分、反应镜头（Reaction Shots）的插入，来控制信息释放的速度和张力。如何用“留白”的镜头来处理沉默与未言之语。 第五章：蒙太奇的解构与重构——创造意义的连接 爱森斯坦的遗产与现代应用： 不仅仅是“将一个概念与另一个概念相加”。深入分析冲突蒙太奇、对比蒙太奇在现代电影中的隐性运用，例如通过快速切换不同场景的相似元素来制造讽刺或主题呼应。 非线性叙事的结构工程： 探讨闪回（Flashback）与闪前（Flashforward）的叙事陷阱及其规避方法。如何构建一个复杂的、多时间线的叙事结构，确保观众能够跟随而非迷失？本书提供了一套逻辑清晰的结构蓝图。 声音与画面的耦合： 剪辑并非纯粹的视觉工作。分析声音设计（如画外音、音效）如何引导剪辑点的选择，以及如何通过声音的断裂或增强来强化视觉的节奏变化。 第六章：节奏的雕塑——时间感知的调控 主观节奏与客观节奏： 动作场景（如追逐戏）如何利用短镜头和密集的剪辑来创造紧张的客观节奏？而内省场景（如内心独白）如何通过拉长单个镜头的时长来制造主观时间上的延缓感？ 节奏的层级构建： 电影节奏不是单一的恒速运动。学习如何构建一个“快-慢-再加速”的节奏曲线，引导观众的情绪经历起伏。分析预高潮、高潮和尾声的不同节奏策略。 剪辑师的“作者性”： 探讨剪辑师如何在导演的框架下，通过对素材的独特取舍和排序，为影片注入最终的风格化印记。如何识别并修复叙事上的“节奏断裂点”。 结语：从技术到哲学的跃迁 本书的最终目标是帮助读者超越单纯的“如何操作”，进入“为何如此操作”的境界。通过对镜头语法和剪辑语法的深度掌握，创作者将能更自信、更有力量地将脑海中抽象的画面和情绪，转化为可以被世界感知的、完整而有力的电影艺术品。

评分☆☆☆☆☆

我必须说，这本书的深度远超出了我对“入门教材”的预期。它成功地搭建起了一座理论与实践的桥梁，让原本晦涩的电影术语变得生动可感。特别是对“镜头设计中的视线引导”这一块的论述，让我对演员的调度和机位的选择有了新的认识。它不再是单纯地把人物放在画面中央，而是通过前景、背景的虚实对比，以及人物与画框边缘的关系，来暗示人物在故事中的处境和心理状态。这种对空间语言的精妙运用，在以前的同类书籍中很少被提及。读完之后，我感觉自己看电影的“层次感”突然丰富了许多，不再只是关注剧情本身，而是开始留意导演是如何通过“看不见”的规则来掌控我的注意力的。

评分☆☆☆☆☆

这套书的排版简直是视觉享受，色彩搭配和图片选择都非常考究，一看就知道是下了大功夫的。书中的内容编排逻辑清晰，从基础的光影原理到复杂的运镜技巧，循序渐进，完全符合我这个科班出身却有点生疏的影视爱好者的需求。我尤其喜欢它在讲解一些核心概念时，会穿插一些经典的电影案例进行剖析，而不是干巴巴地堆砌理论。比如，关于景深和焦段对叙事情绪的影响，书里通过对比了不同导演的处理方式，让我这个原本只停留在“知道”层面的知识点，瞬间有了“理解”和“运用”的直觉。拿到书的时候，那种纸张的质感和油墨的清香，都让人忍不住想立刻沉浸其中。对于想系统学习电影语言的朋友来说，这绝对是一份物超所值的入门指南，它提供的不仅仅是知识，更是一种看待影像的全新视角和审美训练。

评分☆☆☆☆☆

我一直对电影的幕后制作充满好奇，尤其是剪辑这个看似简单却决定影片灵魂的环节。这本书在探讨剪辑的“语法”时，深入到了节奏、情绪过渡以及非线性叙事构建的层面，这一点非常打动我。它没有局限于传统的教科书式分类，而是更注重探讨“为什么”这么剪，而不是“如何”这么剪。比如，书中详细分析了蒙太奇理论在现代商业片中的演变和适应性调整，结合了具体的时间轴对比，这种深度的拆解让我对“一刀未剪的镜头”和“精心编排的段落”之间的张力有了更深刻的体会。对于那些希望从单纯的“看电影”升级到“解构电影”的影迷来说，这本书提供了非常扎实的理论框架，它能让你在未来观看任何一部影片时，都能自动开启“分析模式”，发现导演隐藏的叙事密码。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常独特，它既有学者的严谨，又不失创作者的热情。作者在讲述复杂概念时，习惯使用非常生动的比喻，使得即便是像“场面调度”这样宏大的主题，也能被分解成一个个可以理解的小模块。我特别欣赏它对“打破常规”的鼓励，它没有把电影制作的规则描绘成不可逾越的铁律，而是强调这些“语法”是建立在有效沟通的基础上，只有真正掌握了基础，才能更好地去创新和颠覆。这种既尊重传统又鼓励突破的精神，对于正在摸索自己独特影像风格的新人来说，无疑是最好的定心丸。它不是教你如何成为一个复制品，而是教你如何成为一个有思想的影像制作者。

评分☆☆☆☆☆

作为一名野心勃勃的独立电影制作人，我最需要的是那种能立刻上手实操的干货，这本书在这方面做得相当到位。摄影那部分，对不同焦段镜头在情绪表达上的微妙差异分析得极其精辟。我过去常常因为找不到合适的镜头语言来表达人物内心的压抑感而苦恼，看完关于广角镜头畸变与心理压力的章节后，我立刻回去翻看了我之前拍的素材，才恍然大悟，原来是镜头选择限制了我的表达。而且，书中对灯光和布光在不同场景下的应用建议，非常具体，不是那种空泛的“要打光”，而是指导了“在特定的室内黄昏场景下，如何平衡主光和补光来营造怀旧感”。这些可以直接转化为拍摄现场的决策，大大缩短了我的学习弯路。