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任学忠 著

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• 松竹梅
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• 绘画
• 中国画

店铺： 炫丽之舞图书专营店

出版社： 上海大学出版社

ISBN：9787811185607

商品编码：29677853457

包装：平装

出版时间：2010-02-01

基本信息

书名：松竹梅绘画教程

定价：26.00元

作者：任学忠

出版社：上海大学出版社

出版日期：2010-02-01

ISBN：9787811185607

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.422kg

编辑推荐

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《美术基础教材系列》涵盖了素描基础、色彩基础、国画基础几大类，内容丰富，深入浅出，为基础美术学习者提供了良好的范例，同时也是广大美术专业在校生及业余美术爱好者的良师益友，对于培养学生的形象思维能力及艺术审美能力有着实际的指导意义。
本书为其中之一的《松竹梅绘画教程》分册。

内容提要

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让学生掌握的艺术基础知识和基本技能，不仅是当前更是今后艺术教育的首要任务。继我社推出的美术基础教育丛书得到市场广泛认可后，现根据“2001—2010年全国学校艺术教育发展规划”的精神，特邀全国艺术学院美术专业教师及画家共同编绘了“美术基础教材系列”。
本系列涵盖了素描基础、色彩基础、国画基础几大类，内容丰富，深入浅出，为基础美术学习者提供了良好的范例，同时也是广大美术专业在校生及业余美术爱好者的良师益友，对于培养学生的形象思维能力及艺术审美能力有着实际的指导意义。

目录

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作者介绍

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任学忠，笔名点梅，满族。高级美术教师，职业画家。现为中国书画家协会会员，上海市美术家协会会员。 任学忠自幼酷爱书画，在艺术和艺术教育的领域中求索、耕耘了40余年。自17岁从教，先后登上过小学、中学、大学及老年大学的讲坛，积累了丰富的美术教学与辅导经验

文摘

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序言

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翰墨丹青：山水写意速成指南 内容提要： 本书并非聚焦于具体的松、竹、梅题材，而是深入探讨中国传统水墨画中更为宏大且富含哲学意蕴的——山水写意。全书以“取法自然，心手相应”为核心指导思想，旨在帮助初学者和有一定基础的爱好者，迅速掌握中国山水画的笔墨语言、构图章法以及意境的营造。我们致力于打破传统教程中繁琐的技法堆砌，转而强调从观察、理解到表达的完整创作思维链条。 第一章：问道自然——山水精神的汲取 本章带领读者追溯中国山水画的源流，理解“可行、可望、可游、可居”的山水哲学观。我们不讨论具体的松竹梅画法，而是将重点放在如何“看”山水。 1. 气韵生动：胸中山水的构建 探讨如何通过长期的观察、游历与写生，将外部景观内化为具有生命力的“胸中山水”。 强调“读万卷书，行万里路”对于山水画家心性的培养作用。 案例分析：简要提及董源、巨然等早期山水大家如何捕捉地域山川的“性情”，而非仅仅记录“形貌”。 2. 笔墨的物质性与精神性 深入解析墨的“五色”——焦、浓、重、淡、清，如何服务于山水形体的塑造与空间层次的表达。 重点区分“干笔皴法”与“湿笔渲染”在表现山体肌理和云雾变化中的功能差异，不涉及具体树木的画法。 介绍传统画论中“计白当黑”的空间处理手法，及其对画面气势的决定性影响。 第二章：点景成章——山水结构的搭建 本章侧重于山水画的整体布局和空间组织，教授如何建立画面叙事感和节奏感。 1. 高远、平远、深远：三远法的空间控制 详细讲解“三远”在现代构图中的灵活运用，以及如何避免陷入“三远”的刻板组合。 探讨如何运用前景（点景）、中景（主体）和远景（雾气、天际）来引导观者的视线流动。 核心练习： 仅用墨块和线条勾勒不同景深下的山体轮廓与体量感。 2. 章法与留白：气脉的疏通 讨论中国画中“气”的走向，如何通过山脉的起承转合来确立画面的主要动势。 留白作为画面不可分割的一部分，如何暗示时间和气候，创造“虚实相生”的意境。分析巨幅作品中大面积留白的技巧，这与具体物象的描绘是完全不同的训练。 3. 点景的克制与呼应 在不教授具体亭台楼阁或人物画法的前提下，阐述点景物（如水纹、远山上的村落轮廓）在画面结构中的“支点”作用。 强调点景物应当是“以小见大”的钥匙，而非主体，其大小、位置必须与整体山势形成强烈的呼应关系。 第三章：皴法的演变与应用——山石的“骨相” 本章探讨中国山水画中对山石“骨骼”的塑造技术，这些技术是构建山水体量感的基础，而非专注于描绘某一类树木的皮纹。 1. 披麻皴与斧劈皴的肌理表现 深入剖析披麻皴（及其变体如散笔皴）在表现南方湿润山体和岩石松动结构时的效果。 探讨斧劈皴（如李唐、马远风格）如何通过刚劲的笔触来刻画北方山脉的坚硬和力量感。 技法区别： 重点在于笔锋的侧锋与中锋的运用，以及墨色的渗透层次，而非描绘树皮的细节。 2. 荷叶皴与折带皴的结构逻辑 分析荷叶皴如何表现岩石的层叠和转折，其内在的韵律感。 折带皴在表现陡峭、受力山体时的结构性作用。 3. 融汇与创新：皴法的“去程式化” 强调成熟的画家应能将各种皴法根据所画山体的“性格”进行自由组合和简化，达到“似与不似之间”。 第四章：水与气——韵律的流动 山水画的生命力在于其流动性，本章聚焦于水、云、雾等元素对画面气息的调节。 1. 水的画法：动静的平衡 教授如何用淡墨和飞白来表现溪流的深浅、流速和质感，以及水面对岸边结构的反光效果。 探讨瀑布的结构画法，如何利用垂直线条的组合来强调落差感，而非仅仅描绘水滴。 2. 云烟的表达：虚实转换的艺术 详细讲解“云烟”在山水画中的层次处理，如何使用淡墨晕染或留白来营造弥漫感。 介绍“渲染法”和“擦拭法”在处理云雾边缘时的具体步骤，确保云层具有漂浮感，与山体紧密贴合。 第五章：意境的提炼与落款 最后，本书引导读者如何将技术训练升华为艺术表达，完成作品的最后升华。 1. 意境的推敲：画面的情绪温度 探讨如何通过调整墨色浓淡、线条的迟急，来表达“雄伟”、“清幽”、“苍茫”等不同情绪。 强调完成一幅山水画，最重要的是作者对所绘之景的情感注入。 2. 题跋与印章：画面的终结 分析传统题跋在补充画面信息、点明创作心境中的重要性。 介绍印章的布局原则，如何用朱色印章激活画面死寂的角落，实现画面的完美收束。 本书特色： 本书不提供任何“如何画一棵松树”或“如何画一枝梅花”的图解步骤，而是将所有资源投入到对山水“骨架”、“肌理”和“气韵”的底层逻辑解析中。读者在掌握了这些通用性的山水语言后，自然能够举一反三，应对任何自然景物，真正做到“不出户而知天下山”。

评分☆☆☆☆☆

收到一本让我眼前一亮的画册，虽然我之前对国画里的松竹梅了解不多，但这本书的排版和装帧都很有心。打开第一页，就被那细腻的笔触和淡雅的色彩吸引住了。画册里不仅仅是简单的图例，更像是带我走进了一个古老而充满生命力的艺术世界。它并没有直接教你怎么去画，而是通过大量的精美范例，让你在潜移默化中感受松、竹、梅各自的姿态和韵味。我尤其喜欢里面对松树枝干的刻画，每一笔都充满了力量感，仿佛能听到风吹过松林的声音。竹子的挺拔与空灵，梅花的傲骨与芬芳，都被表现得淋漓尽致。书中还穿插了一些关于这三种植物在传统文化中的象征意义的介绍，这些小知识点让我觉得这不仅仅是一本绘画书，更是一次文化的洗礼。我常常一个人静静地翻阅，看着那些线条和色彩在纸上跳跃，感觉自己的心也变得宁静起来。这本书给我带来了很多惊喜，也让我对国画产生了更深的兴趣，我迫不及待地想尝试自己去描绘这些我曾以为遥不可及的景物。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的感受就是“意境”。它不是那种一步一步教你画的“菜谱式”教程，而是通过大量充满生命力的范例，让你在欣赏中感悟，在感悟中学习。我翻看书中对松树的描绘，每一笔都充满了力量，仿佛能感受到古松的沧桑和坚韧。竹子的描绘则更显空灵飘逸，那挺拔的姿态，让人感受到一种君子之风。而梅花的描绘，则将那种凌寒傲雪的孤高与淡淡的芬芳展现得淋漓尽致。书中对墨色的运用尤其让我惊叹，浓淡干湿，虚实相生，每一笔都仿佛经过深思熟虑，却又显得那么自然流畅。我特别喜欢其中一些对细节的处理，比如松针的排列，竹节的过渡，梅花的含苞待放和怒放姿态，都刻画得十分到位。它让我明白了，画这三种植物，需要的不仅仅是技巧，更是对它们生命力的理解和对自然的热爱。这本书给我带来了很多创作灵感，也让我对国画的意境有了更深的体会。我现在常常捧着它，反复品味，感觉每一次翻阅，都能从中汲取新的养分。

评分☆☆☆☆☆

我一直对写意画中的“神韵”感到好奇，觉得那些寥寥几笔就能勾勒出勃勃生机，真是不可思议。这本书给我打开了一扇新的大门。它没有生硬地讲解笔墨技巧，而是通过大量赏心悦目的画作，带领读者去感受松、竹、梅的内在精神。我反复翻阅，总能在不同的画面中发现新的奥妙。比如，书中对松树的描绘，有的苍劲有力，有的飘逸潇洒，但都传递出一种不屈不挠的生命力。竹子的描绘，则体现了君子之风，疏朗有致，清雅脱俗。梅花的描绘，更是将傲骨与芬芳融为一体，即便在严寒中，也展现出勃勃生机。我尤其喜欢书中对留白的运用，那恰到好处的空白，反而让画面充满了呼吸感和想象空间。这本书不仅仅是一本绘画教程，更像是一次深入的文化体验，让我了解了松竹梅在传统文化中的象征意义，以及画家是如何将这些象征意义融入到笔墨之中的。我开始尝试去模仿，去揣摩，虽然离大师的水平还很远，但整个过程充满了乐趣和启发。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是我最近的“精神食粮”！拿到手里就感觉很有分量，不是那种轻飘飘的宣传册，而是实实在在的艺术品。我之前总是对国画的笔法感到困惑，总觉得那些简简单单的几笔就能勾勒出意境，实在是太神奇了。这本书给我提供了一个全新的视角。它没有直接抛出技法，而是从“意”出发，教你怎么去理解松的苍劲，竹的挺拔，梅的孤傲。我特别喜欢里面一些对细节的处理，比如松针的排列方式，竹节的虚实变化，梅花的花瓣层次感。这些都不仅仅是技巧，更是作者对这些植物生命力的深刻洞察。书中还穿插了一些关于历代画家的解读，让你了解到不同时期、不同风格的艺术家是如何表现这三种经典题材的，这让我仿佛穿越时空，与古人对话。每一次翻阅，都能发现新的细节，新的感悟。它就像一位循循善诱的老师，不急不躁地引导我，让我从“看”到“懂”，再到“想去尝试”。我甚至开始在生活中留意这些植物，观察它们的生长形态，为我日后的创作积累素材。

评分☆☆☆☆☆

说实话，一本关于松竹梅的绘画教程，我起初并没有抱太高的期望，觉得不过是些刻板的笔触和套路。但这本书完全颠覆了我的看法。它更像是一本关于“意境”的解读，而非单纯的“技法”教学。书中并没有冗长的文字解释，而是用大量精美的写意画作说话。我被那些充满生命力的线条所打动，松树的虬枝盘曲，充满了沧桑感；竹子笔直挺拔，却又带着几分潇洒；梅花在寒冬中绽放，孤高而充满希望。每一个画面都仿佛蕴含着一个故事，一种情绪。我尤其欣赏书中对墨色变化的运用，淡墨勾勒出朦胧的意境，浓墨点染出坚实的轮廓，枯笔飞白更添几分写意。这些细节的处理，让我看到了国画的魅力所在。它不仅仅是描摹，更是情感的抒发，是作者内心世界的呈现。这本书让我明白了，画松竹梅，并非仅仅是技巧的堆砌，而是要捕捉它们的精神，理解它们的灵魂。我现在看着这些画，感觉自己也在和这些自然精灵对话，体验着它们各自的生命哲学。