钢琴音乐简史 [Music For Piano A Short History] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 科尔比 著，刘小龙，孙静，李霏霏 译

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103036983

版次：1

商品编码：10055646

品牌：人民音乐出版社（PEOPLE’S MUSIC PIBLISHING HOUSE）

包装：平装

丛书名： 外国音乐学术经典译著文库

外文名称：Music For Piano A Short History

开本：16开

出版时间：2010-

内容简介

　　中国业已成为一个钢琴大国，但这并不意味着我们已经达到了钢琴强国的标准和水平。因为，纵观新中国诞生以来我国钢琴教育走过的曲折道路，我们就会发现这个学科在许多方面还显得相当薄弱，对于钢琴文化的理解还处于一个“初级阶段”。

内页插图

目录

序
前言
第一章 1750年左右的键盘音乐文献
第二章 转变时期(约1720－1790年)
第三章 海顿、莫扎特、贝多芬及其同代人
第四章 19世纪早期
第五章 李斯特、勃拉姆斯和他们的时代
第六章 19世纪晚期
第七章 20世纪初至20世纪中叶：法国和德国
第八章 20世纪初到20世纪中叶：欧洲其他
国家和地区以及亚洲
第九章 20世纪中叶到20世纪晚期
参考文献

精彩书摘

　　人们通常将约翰.塞巴斯蒂安.巴赫的作品看做是巴罗克音乐发展的巅峰。但是当我们意识到在巴赫生前他所有的作品既没有得到广泛的流传也没有获得普遍的认同时，上面的断言在某种意义上来说就变得具有讽刺意味了。确实，巴赫的作曲方式为他与始于18世纪30年代的莱比锡权威之间的相处，带来相当多的麻烦。当时所产生的具有决定性且令他难以达到的变革，如同发生在以往任何一段音乐史中的一样深远，使巴赫的音乐听起来无足轻重、艰深（当时限定用“learned”来形容），并且老套.对于巴赫自己来讲，从善意的角度理解最具有讽刺意义的是，他的儿子们却成为了新音乐风格发展中的重要人物。据推断，他的儿子卡尔·菲利浦.埃曼纽埃尔（CarlPhilippEmanuel）称巴赫为“旧式假发”，希望这是出于敬意。另一方面，20世纪70年代出现的分析性注释表明，在18世纪30年代及其之后的时期，巴赫的音乐作品显示出了他对新风格的接纳。
　　调查某个历史阶段的变革往往是非常困难的。尤其是在18世纪，因为有大量的材料及许多相反的观点，这里是旧观念的延留，那里又出现新观念早期萌生的迹象，且常常是二者兼而有之。

前言/序言

　　钢琴学习，不是单纯地培养演奏技术那么简单。他要求学琴者在终日辛苦练习的同时，感悟音乐，回顾历史，理解文化。现代钢琴自19世纪初传人我国，至今已成为家喻户晓的西洋乐器。中国的钢琴教育在最近30年的发展取得了辉煌的成绩。我们不但拥有了一批具有国际声望的钢琴演奏家、教育家，而且拥有了数百万计的钢琴学习者，钢琴这件乐器正以惊人的速度渗透到我们的文化生活之中。只要你走进都市、城镇的居民区，随处都能听到叮叮咚咚的弹琴声。
　　中国业已成为一个钢琴大国，但这并不意味着我们已经达到了钢琴强国的标准和水平。因为，纵观新中国诞生以来我国钢琴教育走过的曲折道路，我们就会发现这个学科在许多方面还显得相当薄弱，对于钢琴文化的理解还处于一个“初级阶段”。面对这件“乐器之王”，我们不妨扪心自问，你是否熟悉这件乐器呢？你了解它的发展轨迹和文化背景吗？你对自己弹奏的乐曲果真了如指掌吗？很显然，这些问题不仅会引起学琴者的反思，更是对众多教育人士的一种要求和提醒。
　　钢琴诞生于近代欧洲。对于我们而言，它是一个地道的舶来品。正因如此，我们学习钢琴演奏在客观上必然受到中西方文化差异的影响。但是多年以来，我们在注重钢琴演奏技术培养的同时，却对于钢琴音乐的发展历史和艺术风格了解不足。许多学琴者意识不到这个问题，只顾每日按部就班演奏钢琴，处理作品。

乐章的演变：西方音乐史的宏伟画卷 一部跨越千年，深入剖析西方音乐核心发展的史诗级著作。 本书并非聚焦于某一特定乐器或体裁的专门论述，而是旨在为读者构建一个宏大而清晰的西方音乐思想与实践的演进脉络。我们追溯其源头，横跨中世纪的圣咏回响，穿梭于巴洛克时代的严谨对位，直抵浪漫主义的澎湃情感，直至二十世纪及以后的多元探索。这是一部关于“声音如何被组织、表达和理解”的历史，一部关于人类精神如何在音符的结构中得以投射的编年史。 第一部分：源起与奠基（中世纪与文艺复兴） 本卷首先从古希腊音乐理论的残片和早期基督教的礼仪音乐中汲取养分，探讨西方音乐如何从口头传承走向文字记录的艰难历程。重点分析了格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音音乐形态，以及它如何作为西方音乐的“亚当和夏娃”式开端，确立了早期的调式系统。 随后，我们将目光转向记谱法的革命——从纽姆记谱到五线谱的逐步完善，这项技术进步是音乐得以积累、传播和复杂化的根本前提。中世纪的奥尔加农（Organum）的出现标志着多声部音乐的萌芽，它如同石器时代的初步雕刻，预示着未来宏伟建筑的可能。 进入文艺复兴时期，人类中心主义思潮对音乐产生了深远影响。本部分详尽解析了复调（Polyphony）的成熟，尤其是以奥兰多·德·拉絮斯（Orlande de Lassus）和乔斯昆·德普雷（Josquin des Prez）为代表的法兰德学派如何将人声艺术推向巅峰。我们不仅关注弥撒曲（Mass）和经文歌（Motet）的精致结构，也探讨了世俗音乐如香颂（Chanson）在表达日常情感中的解放作用。对位法的逻辑之美在此得到初步的展示，彼时对“和谐”的理解，是建立在严格的声部平衡之上。 第二部分：秩序与激情（巴洛克时期：1600-1750） 巴洛克时期是西方音乐史上最富创造力的爆炸期之一，本部分将深入剖析这一风格的形成动机和核心特征。 我们首先探讨歌剧（Opera）在意大利佛罗伦萨的诞生，以及“融汇戏剧、音乐、诗歌与舞蹈”的全新艺术形式如何迅速席卷欧洲。从蒙特威尔第（Monteverdi）对情感的直接描绘，到普赛尔（Purcell）在英国的本土化尝试，歌剧如何从早期的“过场音乐”成长为结构严谨的叙事载体。 本卷的重中之重是巴洛克音乐语言的系统化。对数字低音（Basso Continuo）的原理、调性体系（Tonality）的最终确立（大调/小调的统治），以及对位法（Counterpoint）的巅峰——以约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的赋格曲为代表的严密逻辑，进行了细致入微的解析。我们探究赋格曲的“主题进入”、“展开”与“再现”所蕴含的理性美学。 同时，器乐体裁的革新也在此阶段完成。协奏曲（Concerto）从早期的“大协奏曲”（Concerto Grosso）发展到以维瓦尔第（Vivaldi）为代表的“独奏协奏曲”形态，展示了独奏乐器与乐队之间戏剧性的对话。此外，组曲（Suite）、奏鸣曲（Sonata）的定型，都为后世的音乐结构奠定了不可动摇的蓝图。 第三部分：清晰与结构（古典主义时期：1750-1820） 随着启蒙运动的兴起，对“自然”、“平衡”与“清晰”的追求取代了巴洛克晚期的繁复装饰。本部分聚焦于维也纳古典乐派的三大巨擘——海顿、莫扎特和贝多芬。 我们详尽阐述了奏鸣曲式（Sonata Form）的成熟与规范化。从呈示部（Exposition）的主题对比，到发展部（Development）的冲突与解构，再到再现部（Recapitulation）的回归与解决，奏鸣曲式如何成为古典主义音乐表达思想的“逻辑框架”。 本卷深入分析了交响曲（Symphony）和四重奏（String Quartet）体裁的完善。海顿如何系统化地构建了四乐章结构，莫扎特如何以其无与伦比的旋律天赋将其注入优雅的生命力，以及贝多芬如何以其革命性的创作，打破了既有的结构限制，使交响曲成为表达个人英雄主义与普世哲思的载体。 此外，钢琴（或羽管键琴）作为独奏乐器的地位在此巩固，奏鸣曲和变奏曲等体裁的创新也预示着更加个人化的表达即将到来。 第四部分：情感的洪流与民族的觉醒（浪漫主义时期：1820-1900） 如果说古典主义寻求的是客观的完美，那么浪漫主义则致力于发掘主观的、深层的、甚至是超验的情感体验。 本部分探讨了“个性解放”在音乐中的体现。抒情曲（Lied）的兴起，特别是舒伯特对歌词意境的精妙捕捉，标志着诗歌与音乐融合的又一次高峰。肖邦（Chopin）对钢琴这一乐器的“私有化”改造，如何将夜曲、玛祖卡等体裁内化为高度个人化的心理景观，成为其重要的研究方向。 在大型体裁方面，交响诗（Symphonic Poem）的出现打破了传统交响曲的束缚，李斯特（Liszt）通过“主题变形”等手法，使器乐叙事性达到新的高度。 同时，民族主义思潮在欧洲各地兴起，本卷将分析德沃夏克（Dvořák）、斯美塔那（Smetana）等作曲家如何从本土民间音乐和传说中汲取灵感，构建具有鲜明民族特色的音乐语言，以此对抗德奥音乐的长期主导地位。瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念，及其对“主导动机”（Leitmotif）的运用，也被视为对传统歌剧结构的一次颠覆性挑战。 第五部分：世纪的裂变与重构（十九世纪末至二十世纪） 跨入新时代，传统调性体系的根基开始松动，音乐创作进入了一个前所未有的实验与探索阶段。 本卷开篇分析了印象主义在法国的兴起，德彪西（Debussy）如何以色彩、光影和氛围来取代传统的结构逻辑，使听觉体验更趋向于瞬间的感知而非线性的发展。 随后，我们将进入二十世纪初的巨大变革：无调性（Atonality）的出现。勋伯格（Schoenberg）及其十二音体系的建立，是对数百年西方音乐理性的彻底反思与重构。我们详细考察了表现主义音乐的紧张与焦虑，以及其背后的时代心理。 下半部分则关注战后音乐的多元化发展：序列主义（Serialism）的严密化、随机音乐（Aleatoric Music）对偶然性的拥抱，以及电子音乐和具体音乐的出现，展示了声音本身作为原材料的可能性。最后，本书也将简要回顾极简主义（Minimalism）等流派对重复与过程美学的回归，为读者描绘出当代音乐景观的复杂图景。 总结而言，本书提供的是一幅关于西方音乐思维方式演变的地图，其核心在于追踪“声音如何从神圣的吟唱，演变为严密的建筑，最终转化为自由的精神表达”的全过程。

评分☆☆☆☆☆

这本《钢琴音乐简史》的阅读体验，可以说是一次意料之外的精彩旅程。我一直以来都是一个对音乐“听个大概”的人，但这本书的出现，让我真正开始“看见”音乐，看见它在历史长河中的发展轨迹，看见那些伟大作曲家们如何用钢琴这件乐器，编织出人类情感的万花筒。 书中关于早期键盘音乐的讨论，让我对复调音乐有了更深刻的理解。巴赫的赋格，在我看来，过去只是复杂而严谨的技法堆砌，但通过这本书的解读，我才了解到其中蕴含的数学般的精确与神圣般的逻辑。作者用清晰的语言，一步步拆解那些复杂的声部交织，让我体会到了一种超越时代的智慧和力量，原来音乐也可以是如此精妙的结构艺术。 当我翻到贝多芬的篇章时，我更是被深深打动。书中对他晚期奏鸣曲的分析，让我看到了音乐突破传统束缚的勇气和力量。贝多芬在听力衰退的情况下，依然能创作出如此震撼人心的作品，这不仅仅是音乐的胜利，更是人类意志的胜利。书中对这些作品情感张力的描绘，让我能感受到那种直击灵魂的力量，仿佛置身于他那个充满变革与抗争的时代。 印象派音乐的部分，则是一种完全不同的美学体验。书中对于拉威尔和德彪西作品的描绘，让我联想到那些如梦似幻的画作，音乐不再是线条分明的旋律，而是如同水彩晕染开来的色彩。作者对于这些音乐的描述，极富画面感，让我能够通过文字，想象出那些细微的光影变化、微妙的情绪波动，这是一种全新的音乐感知方式。 这本书的魅力还在于，它不仅仅是关于音乐本身，也关乎音乐家的人格魅力和时代精神。它让我了解到，每一位伟大的作曲家，都是那个时代的产物，他们的音乐，既是对当下生活的反映，也是对未来艺术的探索。这种历史的厚重感和艺术的生命力，让我对钢琴音乐产生了更加深沉的敬意。

评分☆☆☆☆☆

翻阅《钢琴音乐简史》的过程，就像是在一场盛大的音乐宴会中穿梭，每一道菜肴都饱含着历史的沉淀和艺术的芬芳。我一直认为，钢琴的魅力在于它的多面性，它可以是庄严的教堂管风琴的替代，也可以是沙龙里轻柔的陪伴，而这本书恰恰淋漓尽致地展现了这种多变与丰富。 书中对于早期键盘音乐的梳理，让我对海顿和莫扎特的奏鸣曲有了全新的认识。我过去总觉得他们的音乐是“美好”的，但这本书让我明白了这种“美好”背后蕴含的古典主义精神：清晰的结构、平衡的比例、以及那种理性而优雅的表达。它让我开始关注乐句之间的逻辑性，旋律的起伏与和声的色彩是如何协同作用，构建出一段段令人心旷神怡的乐章。 当我读到浪漫主义时期时，我更是被那些充满激情的文字所吸引。书中对李斯特超凡脱俗的技巧描绘，让我脑海中浮现出他指尖在琴键上飞舞的画面，仿佛能听到那雷鸣般的强音和如泣如诉的慢板。而肖邦的音乐，在作者的笔下，不再仅仅是忧伤或华丽，而是被赋予了深深的民族情怀和对祖国思念的复杂情感，这让我对他的夜曲和练习曲有了更深层次的理解，不再只局限于技巧的欣赏，而是体会到了那份超越音乐本身的民族之魂。 书中对于印象派音乐的描述，更是像为我打开了一扇色彩斑斓的窗户。德彪西的音乐，被作者形容为“流动的光影”，我仿佛能看到阳光透过树叶洒下的斑驳，听到微风拂过湖面的涟漪。那些模糊的轮廓、朦胧的和声，在作者的解读下，不再是晦涩难懂，而是充满了诗意和想象力，让我对这些“非传统”的音乐形式产生了浓厚的兴趣。 总的来说，《钢琴音乐简史》是一本集学术性与通俗性于一体的佳作。它不仅仅是一本乐史的记录，更是一本引导读者去“听”音乐的书。它让我从一个被动的听众，变成了一个主动的探索者，对钢琴音乐的理解也提升了一个全新的维度。

评分☆☆☆☆☆

这本《钢琴音乐简史》真是太让人惊喜了！我一直对古典音乐情有独钟，尤其是钢琴的音色，总能触动我内心最深处的情感。拿到这本书的时候，我抱着一种“知道一点，想知道更多”的心态，没想到它为我打开了一个全新的音乐世界。 从巴赫的复调艺术到肖邦的浪漫主义诗篇，再到德彪西印象派的色彩斑斓，这本书就像一位循循善诱的向导，带领我一步步穿越时间的长河，领略不同时期作曲家们如何运用钢琴这一乐器，表达他们内心最细腻的情感和最宏大的思想。我尤其喜欢书中对一些重要作品的赏析，那些详细的音乐分析，让我能更深入地理解作曲家是如何构建旋律、和声以及音乐的结构，不仅仅是听表面的美感，更能体会到其中蕴含的逻辑和深意。 书中对每一位重要作曲家的介绍都充满了人文关怀，不仅仅是罗列他们的生平事迹，更着重于探讨他们的创作风格如何受到时代背景、个人经历以及音乐观念的影响。读着这些故事，我仿佛能看到贝多芬在困境中挣扎却依然创造出不朽杰作的坚韧，也能感受到李斯特那如狂风骤雨般的炫技背后，隐藏着对音乐表现力的极致追求。这些鲜活的个体故事，让冰冷的音符变得有血有肉，让我对这些伟大的音乐家们充满了敬意。 对于我这样的普通爱好者来说，这本书的语言风格也恰到好处。它既有严谨的音乐术语，又有通俗易懂的解释，不会让人望而却步。书中穿插的乐谱片段和图片，更是极大地增加了阅读的趣味性和直观性。我常常会在阅读的间隙，去翻出CD或者找来乐谱，尝试着去演奏或者聆听书中所描述的乐段，那种在指尖与书本之间建立起的联系，让我觉得音乐的学习变得如此生动而触手可及。 总而言之，《钢琴音乐简史》不仅仅是一本关于钢琴音乐的书，它更是一本关于音乐如何发展、如何反映人类情感和思想的书。它让我意识到，每一次的音乐创新，每一次风格的演变，都承载着一个时代的印记，也映照着人性的光辉。这本书点燃了我更深入探索钢琴音乐的热情，也让我对未来的音乐学习充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

读完《钢琴音乐简史》后，我感觉自己像是从一个只见过大海一小片区域的游客，变成了一个能够驾船远航的船长。这本书的深度和广度，完全超出了我的预期。 书中对于早期键盘乐器的介绍，让我对钢琴的起源和发展有了全新的认识。我过去只知道有钢琴，但这本书让我了解到，从羽管键琴到大键琴，再到现代钢琴，每一次的演变都带来了音色和表现力的巨大飞跃。这种技术革新如何影响了音乐创作，让我看到了科技与艺术之间密不可分的联系。 对于古典主义时期，作者的分析尤为细致。他不仅仅是罗列作品，而是深入剖析了奏鸣曲、交响曲等体裁是如何在海顿、莫扎特的手中逐步成熟和完善的。那些关于结构、形式、和声的讲解，虽然有些专业性，但作者的语言风格十分平实，配合书中出现的乐谱片段，让我能够更容易地理解音乐的内在逻辑。 在阅读到浪漫主义时期时，我更是被那些充满激情的文字所吸引。书中对贝多芬的解读，让我看到了他如何将古典的严谨与浪漫的激情融为一体，创造出震撼人心的音乐。而肖邦的音乐，在书中被赋予了更深层次的民族内涵和个人情感，让我对那些熟悉的旋律有了更深刻的共鸣。 本书的另一大亮点在于，它并没有止步于浪漫主义，而是将视野延伸到了20世纪，对印象派、表现主义以及后来的新古典主义等风格都进行了梳理。这让我意识到，钢琴音乐的演变是一个持续不断的过程，艺术家们一直在探索新的可能性，挑战旧有的界限。这种前瞻性的梳理，让我对现代钢琴音乐的理解也更加深入。

评分☆☆☆☆☆

《钢琴音乐简史》这本书，给我带来的最大感受，就是那种“原来如此”的顿悟感。我一直对钢琴音乐有着模糊的好感，但总是抓不住核心，这本书就像一把钥匙，为我打开了理解的门。 书中关于巴洛克时期音乐的介绍，让我对和声和对位有了初步的概念。我过去总觉得那些古老的音乐听起来有点“单调”，但这本书让我理解了，那种看似简单的织体背后，其实隐藏着复杂而严谨的对位技巧，每一个声部都有其独立的生命，又相互呼应，构成一个和谐的整体。作者用生动的比喻，让我能够理解那些抽象的音乐理论。 对于古典主义时期的讲解，更是让我对海顿和莫扎特的音乐有了全新的视角。我过去总是把他们的作品看作是“优雅”的代名词，但这本书让我看到了其中蕴含的清晰的结构美、逻辑性和叙事性。书中对奏鸣曲式的发展的梳理，让我明白了为什么这些乐曲能够如此经久不衰，因为它们有着完美的内在逻辑和精巧的结构。 我尤其喜欢书中对浪漫主义时期音乐的描写，那些关于情感的爆发、旋律的自由奔放，让我深深着迷。李斯特的炫技，不仅仅是为了炫耀，更是为了表达一种极致的情感宣泄；而肖邦的音乐，则是我过去所未能完全领略的，书中让我看到了他音乐中蕴含的深沉的民族情感和对故乡的眷恋，那份细腻而动人的情感，让我不禁为之动容。 这本书还让我意识到，音乐风格的演变并非偶然，而是与社会、文化、哲学等方方面面息息相关。它让我不再仅仅把音乐当作一种纯粹的艺术享受，而是将其置于更广阔的历史和社会背景下去理解。这种宏观的视角，让我对钢琴音乐的历史脉络有了更清晰的认识。

评分☆☆☆☆☆

我还没有收到书 为什么显示已经收到 好多天了

评分☆☆☆☆☆

了解了解挺好的，外国的乐器

评分☆☆☆☆☆

就是好，好好

评分☆☆☆☆☆

好书，正版，值得购买

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

就是好，好好

评分☆☆☆☆☆

给女儿买的，孩子很喜欢，了解钢琴音乐教育的好教材。

评分☆☆☆☆☆

书是正版，印刷质量什么的都令人满意

评分☆☆☆☆☆

挺好的，综合内容丰富