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[美] 希利尔 著，李爽，朱玲 译

图书标签:

• 艺术史
• 艺术
• 历史
• 文化
• 西方艺术
• 艺术理论
• 希利尔
• 绘画
• 雕塑
• 建筑

出版社： 贵州教育出版社

ISBN：9787545600841

版次：1

商品编码：10311628

包装：平装

丛书名： 希利尔人文启蒙系列

开本：16开

出版时间：2010-04-01

用纸：胶版纸

页数：380

字数：320000

正文语种：中文

编辑推荐

本书讲述世界艺术史，分为绘画、雕塑和建筑三部分。作者不是简单介绍那些赫赫有名的艺术家和他们流传千古的作品，而是通过一个个生活中的小故事，讲述作品诞生的过程——伟大艺术品和伟大的艺术家皆有赖于专注力、热情、天赋和机会，他们背后是一个崇拜艺术、欣赏美的时代。希利尔的目标在于，将艺术世界以生活化的姿态呈现在孩子们面前，为他们注入持续一生的对于真、善、美的热爱。

内容简介

艺术史上有过数不清的风格流派，什么印象派、后印象派、拜占庭风格、哥特风格……光看这些名词就让人目不暇接了！希利尔化繁为简，将艺术知识和艺术鉴赏变成了孩子们熟悉的生活片段。艺术来源于生活，每个孩子天生就是艺术家，伟大的艺术家都需要葆有一颗赤子之心。希利尔以平实的方式，揭示出了伟大艺术最平易近人的一面。
本书配有大量珍贵的插图，展示文中所提及的艺术作品，使文字的讲述更加具象。

作者简介

希利尔（V.M.Hillyer），美国杰出教育家，毕生从事中小学教育，酷爱历史和艺术，喜欢旅行。出生于马萨诸塞州韦茅斯。哈佛大学本科毕业后，在纽约的布朗宁学校教了两年书，随后迁往巴尔的摩，成为卡尔沃特学校的第一任校长。希利尔创建的小学函授教育体系，即“卡尔沃特学校体系”，惠及世界各地的政府雇员、领事、军官和传教士的子女。
当维吉尔希利尔校长于1899年到卡尔沃特学校走马上任时，他还是一个年仅二十四岁的毛头小伙儿。然而，他有着一颗教师的心——一种天生的异能，了解孩子们需要什么，知道如何讲孩子才能听明白，以及孩子成长的规律是什么。希利尔认为，孩子们写作、阅读和数学的基础必须夯实。在此基础上，他认为学生应当接受历史、艺术、地理和科学的系统教育，意在培育熟稔周遭世界各个方面的全面型学生。希利尔痛感传统教科书的枯燥无味，立志为孩子编写一套读起来兴味盎然的历史、地理和艺术读物，这便是《希利尔讲世界史》、《希利尔讲世界地理》、《希利尔讲艺术史》。
卡尔沃特教育的第一步就是叙述和模仿。其次就是辅佐以希利尔先生亲自发明的游戏和教具。他的目标在于把整个世界呈现在孩子们面前，为他们注入持续一辈子的对于学习的热爱。
希利尔先生的天赋流传千古。由于他本人的远见卓识，《希利尔讲世界史》、《希利尔讲世界地理》和《希利尔讲艺术史》直到今天仍是卡尔沃特学校的教材，他的教学方法仍然没有过时。他的远见超越了卡尔沃特学校的围墙，给予全世界成千上万的孩子们接受卡尔沃特教育的机会。
希利尔先生是一个多产作家，执笔写作的书籍达八本之多，还有数不清的教育随笔。《希利尔讲世界史》是他最知名的著作之一，也是最受儿童欢迎的历史教材。对孩子们来说，希利尔先生讲述历史的方式如此奇特和妙不可言，让他们在接受知识的同时收获了无穷的乐趣。此书自1924年首印后，不断修订再版，至今仍然是卡尔维特的明星教程和四年级学生的主打课。
希利尔语录：“最好的老师是能调动起学生的热情，激起他们对知识渴望，引导他们孜孜不倦地去追求更好的事物，并将自己的真知灼见和真正的文化注入学生灵魂深处的老师。”
美国政府采用卡尔沃特课程
在20世纪40年代末期，卡尔沃特的教程开始为派遣到日本和韩国的军人后代所采用。军队对于卡尔沃特材料的使用量在今日仍然相当可观。同时，卡尔沃特课程得到了美国外交部的大力推荐。截止20世纪50年代，每年通过货船运输到海外的卡尔沃特教材重量超过了85吨。

目录

第一部分 绘画
第一章 世界上最古老的图画
第二章 这幅画出了什么毛病？
第三章 宫殿上的拼图
第四章 （让人误以为真的）愚人画
第五章 瓶瓶罐罐上的绘画
第六章 耶稣像和基督教徒
第七章 牧童画家
第八章 天使般的弟兄
第九章 文艺复兴时期的画家
第十章 罪恶与布道
第十一章 伟大的老师和“最伟大的”学生
第十二章 画画的雕塑家
第十三章 列奥纳多·达·芬奇
第十四章 六个威尼斯画家
第十五章 裁缝之子和光影大师
第十六章 佛兰德斯人
第十七章 两个荷兰人
第十八章 德国画家
第十九章 遗忘与发现
第二十章 话说西班牙人
第二十一章 风景画和广告牌
第二十二章 动荡的年代
第二十三章 后来居上
第二十四章 三个不同的英国人
第二十五章 穷画家们
第二十六章 最重要的角色
第二十七章 后印象派
第二十八章 非物象画派和超现实画派
第二十九章 其他现代派画家
第二部分 雕塑
第一章 第一座雕像
第二章 巨人像和矮人像
第三章 基路伯和国王
第四章 大理石雕像
第五章 自然的站姿
第六章 最伟大的希腊雕塑家
第七章 菲狄亚斯之后
第八章 石膏模型
第九章 小珍品
第十章 陶土塑像
第十一章 半身像和浮雕
第十二章 石头里的故事
第十三章 天堂之门
第十四章 寻找宝藏的人和一个秘密
第十五章 第二优秀和最优秀的骑士雕像
第十六章 四合一
第十七章 切利尼和他的珀耳修斯青铜像
第十八章 米开朗基罗时代前后
第十九章 一个意大利人和一个丹麦人
第二十章 邮票上的头像
第二十一章 狮子、圣人和国王
第二十二章 精美的礼物
第二十三章 思想家的思想
第二十四章 现代雕塑
第三部分 建筑
第一章 最古老的房子
第二章 神庙
第三章 “土饼”宫殿和神庙
第四章 完美的建筑
第五章 女式建筑
第六章 建筑新风潮
第七章 罗马不是一天建成的
第八章 建筑边饰
第九章 早期基督风格
第十章 早期东方基督教风格
第十一章 黑暗中的一线光明
第十二章 圆拱
第十三章 城堡
第十四章 高耸入云的建筑
第十五章 献给圣母的赞歌
第十六章 乡村教堂
第十七章 环游欧洲
第十八章 芝麻开门
第十九章 麻烦的圆顶
第二十章 回顾历史 展望未来
第二十一章 英国建筑
第二十二章 “商标”建筑
第二十三章 打破陈规
第二十四章 英国文艺复兴风格
第二十五章 从小木屋到大房子
第二十六章 华盛顿首都和国会大厦
第二十七章 “彩虹”建筑和“葡萄藤”建筑
第二十八章 摩天大楼
第二十九章 建筑新思想

精彩书摘

1第一部分 绘画我在听老师讲课，手里拿着一支铅笔。在我课桌上有两个相距大约一英尺宽的小点。我漫不经心地用铅笔尖在一个点上戳了一下，又在另一点上戳了一下。这两点就成了一又小眼睛。我在每眼睛周围画上一个圈，然后用一条弧线把两个圆圈连起来，就成了一副眼镜。

好的，这是一本不包含《希利尔讲艺术史》内容的图书简介，旨在提供一个详尽且富有吸引力的内容概述，字数约1500字。 --- 《文明的呼吸：从史前回响到数字光影的艺术密码》 图书简介 人类文明的演进，如同一次宏大而漫长的呼吸，每一次吸气与呼气，都伴随着对世界本质的深刻叩问与不懈的艺术表达。《文明的呼吸：从史前回响到数字光影的艺术密码》，并非一部按部就班的通史罗列，而是一次深入文明肌理的探险旅程。它聚焦于艺术作为人类精神图谱的关键载体，如何记录、塑造并预示了我们的集体记忆与未来走向。本书试图解构艺术作品背后的权力结构、信仰体系、技术革新和社会思潮，带领读者穿越时间的长廊，以全新的视角解读那些被我们习以为常的图像、雕塑和建筑。 本书将艺术史的叙事线索，从宏大的历史叙事中解放出来，转化为一系列紧密相连的“切片”和“对话”。我们关注的不再仅仅是“谁画了什么”，而是“为什么是在那个时刻，以那种方式被描绘出来”，以及这种表达对后续人类经验产生了何种不可逆转的影响。 --- 第一部：蛮荒之声与信仰的奠基（约 400 字） 第一章：洞穴壁画的原始宣言——图像的诞生与狩猎的魔力 故事始于地球深处微弱的火光。我们考察旧石器时代的岩洞艺术，不将其视为简单的装饰，而是人类第一次主动构建“意义世界”的尝试。重点分析拉斯科和阿尔塔米拉洞穴壁画中动物形象的动态捕捉与神秘符号的共存，探讨其作为巫术仪式、生存祈愿还是早期叙事尝试的复杂性。这一部分将剖析，艺术诞生之初，其功能是如何与生存紧密绑定，艺术即是力量的投射。 第二章：尼罗河的永恒凝视——秩序、权力和来世的建筑 转入美索不达米亚与古埃及。我们将对比两河流域泥板上的楔形文字与尼罗河畔金字塔的几何严谨性。埃及艺术的“非时间性”——即对永恒不变的追求——如何通过僵硬的造型、严格的比例和象征性的色彩体系得以实现？我们深入探讨法老的形象如何被神圣化，以及艺术如何成为巩固中央集权、规划来世的最高工具。特别关注阿玛尔那时期对传统规范的短暂颠覆，揭示艺术对政治变局的敏感性。 第三章：多神世界的辩证法——希腊城邦的理想与悲剧 古希腊艺术，尤其是古典时期的雕塑，代表了人类对“完美”形态的第一次理性追问。本书着重分析“黄金分割”与“理想人体”背后的哲学基础——普罗泰戈拉“人是万物的尺度”。从早期古拙的“科洛斯”到帕特农神庙的精妙结构，再到米隆和菲迪亚斯作品中对动态平衡的捕捉，探讨艺术如何服务于民主精神的塑造，以及希腊悲剧精神如何渗透到其视觉表达中，揭示理想背后的脆弱性。 --- 第二部：帝国疆域与精神的重塑（约 450 字） 第四章：罗马的实用主义美学——权力、工程与公民身份的叙事 与希腊对理想的追求不同，罗马艺术是关于统治、实用性和历史记录的艺术。本书将重点剖析凯撒纪念柱上的浮雕如何构成一部动态的历史教科书，以及万神殿拱顶的技术奇迹如何服务于帝国的恢弘愿景。我们考察罗马肖像艺术中对个体特征的忠实刻画，这标志着对理想化希腊传统的转向，强调公民的责任与帝国的合法性。 第五章：十字架下的变奏——拜占庭的“非物质”之光 当基督教成为帝国的新内核，艺术的焦点从可见的物质世界转向不可见的精神领域。拜占庭的圣像画（Icons）不再追求写实，而是成为通往神圣的“窗户”。我们分析镶嵌画中对金色背景的偏爱、人物扁平化的处理，以及这种风格如何在全球化的扩张中，成为东方基督教世界的精神符号。重点探讨圣索菲亚大教堂的结构语言，如何在有限的空间内模拟无限的穹苍。 第六章：黑暗中的微光——中世纪欧洲的修道院与手抄本 中世纪的艺术，根植于修道院的封闭与信仰的绝对权威。本书关注手抄本的细密插图，它们是如何在知识稀缺的时代，成为图像叙事的唯一媒介。我们审视罗马式建筑的厚重与防御性，以及哥特式大教堂尖拱、飞扶壁的兴起，如何象征着对天堂的结构性攀登。这不仅是建筑的革新，更是社会从封建割据向更高组织形态过渡的精神映射。 --- 第三部：人文觉醒与边界的拓展（约 400 字） 第七章：重返人间——文艺复兴的透视革命与人的发现 文艺复兴不仅是古典元素的回归，更是对“人”的本体论地位的确认。本书将详细解析“线性透视法”的发明及其带来的革命性影响——它将艺术从平面象征转变为可量度的空间体验。我们对比佛罗伦萨与威尼斯画派在光影和色彩运用上的差异，探讨达芬奇对科学的融合，米开朗基罗对人体雕塑的回归，以及拉斐尔如何试图调和理想与现实。这一时期的艺术，是对中世纪神权束缚的一次彻底挣脱。 第八章：动荡与张力——巴洛克对情感的狂热捕捉 面对宗教改革带来的信仰分裂，天主教会采取了“反宗教改革”的艺术策略。巴洛克艺术以其戏剧性的光影对比（明暗对照法）、强烈的运动感和对感官的直接冲击力，旨在重新俘获信徒的心。卡拉瓦乔的街头写实，贝尼尼雕塑中“瞬间的永恒”，以及鲁本斯作品中充沛的生命力，共同构建了一个充满激情与不确定性的时代景观。 第九章：启蒙的冷静与洛可可的享乐——18世纪的社会剧场 在绝对君主制趋于极致的同时，洛可可艺术以其轻盈、精致和私密性，成为了贵族享乐主义的注脚。然而，启蒙运动的思潮正暗流涌动，对理性、自然和道德的推崇催生了新古典主义的复兴。本书将分析大卫的作品如何成为法国大革命的视觉宣言，艺术开始直接介入政治话语，预示着现代性的到来。 --- 第四部：现代性的碎片与未来的回响（约 250 字） 第十章：工业时代的视觉冲击——印象派对“瞬间”的占有 工业革命带来的社会剧变与摄影术的挑战，迫使艺术家放弃对“记录”的执着。印象派将焦点从描绘“对象”转向描绘“观察行为”本身。莫奈对光线和色彩的科学解构，如何打破了传统画布的封闭性？这不仅是技术层面的革新，更是对城市化进程中个体经验碎片化的一种视觉反应。 第十一章：主体性的消解与重构——从立体派到抽象表现主义 进入20世纪，艺术进入了一个前所未有的自我反思阶段。立体主义对多视角的并置，挑战了文艺复兴以来建立的视觉秩序。抽象艺术则彻底抛弃了对外部世界的指涉，将艺术创作的重心完全转向内在的心理空间和材料本身。我们探讨毕加索、康定斯基如何以各自的方式，为后世的视觉语言奠定基础。 第十二章：后现代的迷宫与符号的狂欢——从波普到数字时代的艺术边界 本书收尾于当代艺术。波普艺术对大众文化符号的挪用与戏仿，揭示了图像商品化的本质。而数字媒介的兴起，正在模糊物质与虚拟的界限。当代艺术不再寻求统一的风格或真理，而是通过装置、行为和跨媒介的实践，持续对观看、权力、身份和信息过载进行尖锐的质疑与探索。 --- 《文明的呼吸：从史前回响到数字光影的艺术密码》，旨在为每一位渴望理解人类创造力深层逻辑的读者，提供一把穿越时空的钥匙。它是一部关于人类不懈探索美、意义与自我的宏大史诗。

评分☆☆☆☆☆

如果要用一个词来形容这本书带给我的震撼，那便是“去中心化”。在以往的许多艺术史读物中，总有一种无形的权威性笼罩着叙述，将某些“大师”和“经典”置于神坛之上，不容置疑。然而，这本书却以一种非常平等的姿态，去审视每一个时期的艺术实践。它巧妙地将目光从传统的欧洲艺术中心转移开，用相当的篇幅去探讨那些常常被边缘化的地域性艺术风格和工艺技术，强调了艺术的多元性和丰富性。这种拓宽视野的做法，极大地颠覆了我过去对“什么是艺术”的僵化认知。它教会我欣赏那些在历史长河中可能只昙花一现，但却在特定文化土壤中绽放出独特光芒的作品，让我认识到艺术史远比教科书上描绘的要辽阔和斑斓得多。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格可以说是独树一帜，它既保持了学术的严谨性，又充满了哲学的思辨趣味。作者的遣词造句极为考究，不落俗套，常常能用一句精辟的话语点出某个艺术流派的本质特征，那种文字的力量感是毋庸置疑的。我特别喜欢他处理争议性议题时的那种审慎和多角度的探讨，他从不急于给出绝对的判断，而是引导读者自行去思考艺术作品背后的社会语境、创作者的内心挣扎以及后世评价的演变。这种“对话式”的写作方式，极大地激发了读者的主动思考能力，让阅读不再是被动的接受，而是一场与作者跨越时空的智力交锋。读到那些充满洞察力的评论时，我常常需要停下来，反复咀嚼，思考其中蕴含的深意，这本书的价值，很大程度上就体现在这种对读者心智的深度开发上。

评分☆☆☆☆☆

对于一个初涉艺术殿堂的爱好者来说，这本书的知识密度是相当惊人的，但真正让我感到惊喜的是它所构建的“关联性思维框架”。作者似乎深谙“牵一发而动全身”的道理，他总能将一个艺术现象放在更广阔的文明背景下去审视——比如从当时的政治经济结构，到宗教信仰的更迭，再到科技的微小进步如何影响了颜料的配方和透视法的运用。这使得阅读过程像是在解开一个巨大的迷宫，每读完一个章节，都会发现一个全新的出口，导向另一个意想不到的领域。我感觉自己像是在一个巨大的图书馆里，这本书如同一个精密的索引系统，不仅指向了艺术的浩瀚藏书，更教会了我如何有效且深入地检索这些信息，真正掌握了研究艺术史的方法论，而非仅仅记住了几件作品的名字和年代。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，与其说是学习，不如说是一次心灵的探险。作者叙事的节奏感把握得极为精准，他没有采用那种枯燥的编年史式罗列，而是将艺术史的演变脉络编织成了一个个引人入胜的故事。他总能找到那个时代最核心的精神内核，然后围绕这个核心，将建筑、雕塑、绘画乃至工艺美术串联起来，形成一张密不透风的文化网。读到某个重要的转折点时，你会发现，那些看似孤立的艺术风格突然间有了清晰的因果关联，仿佛是推倒了一张多米诺骨牌，所有的发展都变得顺理成章，逻辑清晰得让人拍案叫绝。这种宏观把握和微观细节的完美结合，让原本庞杂的知识体系变得立体而鲜活，读完后，我对整个西方文明的发展脉络都有了更深刻的理解，不再是碎片化的知识点，而是一个连贯的、有呼吸的文化生命体。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，那种沉甸甸的质感，翻开扉页时扑面而来的油墨香气，都让人感觉仿佛触摸到了历史的脉络。我尤其欣赏它在版式上的用心良苦，无论是色彩的运用还是留白的疏密，都恰到好处地烘托了文字内容，使得阅读体验不仅仅是信息的获取，更是一种审美享受。尤其是那些印刷精美的全彩插图部分，细节之丰富，色彩之还原，让人惊叹于当年的工艺水平，也体现了出版方对艺术的敬畏之心。这本书的装帧似乎本身就是一件值得收藏的艺术品，光是放在书架上，那种厚重的存在感和典雅的气质，就足以提升整个房间的格调。每一次拿起它，都像是在进行一场精心策划的博物馆之旅，从指尖到眼底，都充满了对美的敬意和对传统的追溯，这种对实体书的尊重，在如今这个电子化的时代显得尤为珍贵和难得。

评分☆☆☆☆☆

good

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收到

评分☆☆☆☆☆

高年级的小学生比较适合,刚上小学的小朋友读起来比较吃力,就是纸张和装订差点

评分☆☆☆☆☆

很好的一本书，值得一看！

评分☆☆☆☆☆

good

评分☆☆☆☆☆

基本每页都有彩图，胶版纸印刷，彩图质量还过得去，大师的作品还是值得收藏的，买来才***，京东的物美价平值得支持

评分☆☆☆☆☆

非常不错，谢谢！

评分☆☆☆☆☆

不仅有绘画，还有雕塑和建筑，用孩子们能接受的语言。不错。

评分☆☆☆☆☆

好