表演创作手册：苹果应该这么吃（下） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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林洪桐 著

图书标签:

• 表演
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• 方法

出版社： 中国电影出版社

ISBN：9787106032418

版次：1

商品编码：10503702

包装：平装

丛书名： 表演艺术教程丛书

开本：16开

出版时间：2010-10-01

页数：328

正文语种：中文

编辑推荐

本专著系2007年度北京电影学院院级科研委托项目《表演艺术教程》的最终结项成果之一。

内容简介

《表演创作手册：苹果应该这么吃下》是一本启示录形式的专著。它完全采用创作对话的形式，从专业的角度对表演创作经验、问题、理解进行梳理总结，具有指导意义和提示意义。该项对话的深刻意义是，以比较重要的电影表演艺术家为研究主旨，对其电影表演艺术创作进行专门的讨论，同时，还涉及电影作品、电影本体、电影特征和电影技巧，对于具体的表演创作方法、创作特点、创作规律、创作风格、创作手段进行理论层面的学术总结和拓展。

目录

总序／张会军
序言／罗锦瞵
序言／孙惠柱
引言
上篇 西方表演理论史
第一章 表演理论的起源与发展
（一）表演艺术之源头
1．古希腊戏剧的表演
2．古希腊剧作家对表演的贡献
3．古希腊戏剧专家罗锦鳞教授的论述
4．古希腊戏剧最值得借鉴的表演理念
（二）哲学家的表演理论《诗论》《诗学》《涛艺》
1．柏拉图的《诗论》
2．亚里士多德的《诗学》
3．贺拉斯的《诗艺》
（三）文艺复兴时期剧作家的表演理论
1．莎士比亚（1564-1616）
——英国伟大的诗人与剧作家
2．狄德罗（1713-1784）
——法国启蒙思想家、哲学家
3．莱辛（1729-1781）
——德国美学家、剧作家、文艺评论家
4．歌德（1749-1817）
——德国诗人、剧作家、导演、思想家
5．席勒（1759-1805）
——德国哲学家、剧作家、诗人
（四）演员的表演艺术理论
I．泰马（1763-1826）
——法国杰出演员、表演艺术改革者
2．罗西（1820-1890）
——意大利悲剧演员大师
3．亨利·欧文（1839-1905）
——英国悲剧表演大师
4．萨尔维尼（1829-1916）
——意大利著名悲剧演员
5．哥格兰（1839-1909）
——法国喜剧表现派大师
（五）体验派与表现派论争的轨迹
1．柏拉图的“理式说”与亚里士多德的“摹仿说”
2．实践中的“情感派”与“理智派”
3．两派争论的焦点
4．戏剧家黄佐临如是说
5．中国20世纪60年代两派的论争
（六）“体验派”与“表现派”争论焦点
1．舞台上表演是否要动真情
2．对待感情与理智的关系
3．对“双重”的不同解读
4．演员与角色的关系
5．排演中的不同强调
（七）“体验派”、“表现派”的融合与统一
1．差异有时来自风格题材
2．“体验”和“表现”的互补
3．“体验”和“表现”的交叉重叠
4．表演实践中的综合运用
5．两派争论对教学的启示

第二章 表演理论的系统完善
一、斯坦尼斯拉夫斯基（1863-1938）
——俄国导演、演员、戏剧教育家和戏剧理论家
（一）“体验派”演剧体系的建立
1．“体系”总结了现实主义戏剧传统
2．促成体系的关键人物契诃夫与丹钦科
3．斯坦尼斯拉夫斯基体系的组成
4．体验学说的理论依据
5．“斯氏体系”的真髓
（二）斯氏演剧体系的传播与发展
1．美国表演学派中的“方法派”
2．斯氏体系在电影界的传播
3．斯氏体系在中国的传播
（三）全面、正确地理解“体系”
1．体系不是教条与准则
2．克服歪曲、误解“体系”的倾向
3．克服唯我独尊，绝对真理的倾向
4．防止对斯氏的误读
5．童道明先生如是说
（四）质疑、背叛、继承中的发展
1．质疑首先来自俄国
2．中国教授学者的质疑
3．背叛质疑中的发展
二、梅耶荷德（1874-1940）
——俄国著名导演、演员、戏剧理论家
1．假定性的现实主义戏剧
2．“有机造型术”的理论
3．梅氏表演训练体系
4．舞台新形式的创造者
5．梅氏表演艺术的观念
6．演员应具备的素质条件
7．探索的创新精神
三、瓦赫坦戈夫（1883-1922）
——俄国著名导演、戏剧理论家
1．“幻想现实主义”的创立者
2．“表现”与“体验”的整合
3．把“剧场性”请回剧场
4．信念与情感——表演艺术的基石
5．对创作、排演的要求
6．充满阳光的乐观主义
四、戈登·克雷（1872-1944）
——英国戏剧理论大师和著名导演
1．象征主义戏剧的表演原则
2．“演员”是“超级傀儡”
3．用才智将理智与情感导向艺术高境界
4．到戏剧圈外去找灵感
5．舞台美术的创新与改革
五、莱因哈特（1873-1943）
——德国著名导演、演员
1．博采众长融会古今
2．不摹仿别人不重复自己
3．广泛的演出风格与观念
4．尊重演员创作、反对明星制
5．艺术实践中的创造性成果
6．赋予传统戏剧以现代生命
六、米·契诃夫（1891-1955）
——俄国著名演员、表演训练大师
1．表演方法论的宣言书
2．“梦幻写实主义”戏剧观
3．创造性的想象力
4．“想象的形体和想象的中心”
5．“双重意识”理论
6．戏剧活的核心是演员与观众的关系
7．关于“气氛”的理论
8．形体动作“四兄弟”理论
9．关于“心理姿势”的理论

……
第三章 表演理论反判创新多元期
下篇结语 并非走向终结，而是走向多元

下篇 西方表演训练方法
第四章 斯氏体系的表演训练及其发展
第五章 格洛托夫斯体系为主的表演训练
第六章 关于“生命感觉”的表演训练
第七章 哑剧、形体戏剧及其他创新练习
下篇结语

精彩书摘

3.斯坦尼斯拉夫斯基体系的组成
对“斯氏体系”有广义和狭义两种解释，广义解释除表演体系还应包括斯坦尼斯拉夫斯基美学思想和导演工作，以及他对于戏剧艺术本质和社会使命的观点，这就是对思想性和真实地反映现实的要求，对鲜明而质朴的艺术形式的要求和对深刻的生活内容的要求等等。但真正构成一个严密、系统、科学的完整“体系”，仍然是斯坦尼斯拉夫斯基的演员创作“体系”。以“体验基础上的再体现”为基本内容的斯坦尼斯拉夫斯基体系由三大部分组成：第一部分论述演员创作时的内心体验，《演员自我修养》指“体验创作过程中的自我修养”，是“体系”的基础和最重要的内容所在。第二部分论述舞台体现，即“在体验基础上演员对形象的再体现”。体验是基础，体现是目的；体现的内容是剧作所塑造的形象，因而这是第二度塑造，名之为“再体现”。第三部分论述创造角色。正如斯坦尼斯拉夫斯基说的：“体系，就是我所摸索到的演员工作方法，这个方法能使演员创造出角色为形象，揭示出角色的人的精神生活，并且通过美丽的艺术形式在舞台上自然地把它体现出来。”表演体系可分为两大篇，上篇“演员自我修养”、下篇“演员创造角色”。着重阐明演员为创造角色形象所必须掌握的内外部表演技术以及获得这些表演技术所应遵循的方法和道路。演员遵循生活的逻辑和有机天性的规律，在角色的规定情境中真诚地去感觉、去思想、去动作，以获得正确的创作自我感觉，摒弃一切舞台表演程式。“体系”首先注重研究演员在角色创造中一切动作和情绪产生的内在逻辑和心理依据，由此创立了表演艺术的体验学派。同时也十分重视发展演员的形体、声音、吐词等外部体现诸元素的表现力，并认为内部体验和外部体现这两个方面在表演创作中具有不可分割的统一性，而且是互相制约的，外部动作会激发内部动作，内部动作则产生外部动作，是个完整的心理形体的过程。后期斯氏又提出了接近角色的新方法，即“形体动作方法”。关于“最高任务”和“贯串动作”的学说是整个“体系”的最重要的环节，强调要在艺术创作中找到并体现出作品和角色的思想实质，通过最高任务的探索和剧本贯串动作的构成来体现作品的思想意图。“体系”不仅仅是演员的创作体系，也是导演的创作体系和所有参加舞台艺术创作者的“体系”。它不仅揭示演员创作的客观规律和方法，也揭示了导演创作的规律和方法。

前言/序言

　　林洪桐教授策划并撰写的、北京电影学院列入教学科研项目的、中国电影出版社计划出版的这套电影表演艺术系列丛书，是一项非常重要的学术工程，也是一项非常重要的学术策划，其学术的意义将会在未来若干年的电影表演教育和电影理论研究中产生深远的影响。
　　这套系列的学术专著，林洪桐教授已经酝酿、策划多年，丛书的出版，实质上是对他多年电影表演教学和电影创作的系统总结，其中有的专著已经出版了一段时间，这一版，林洪桐教授又融入了一些新的内容，为这次集中出版，他放弃拍摄影片、排练话剧和参与教学，投入全部的精力进行撰写，这是林洪桐教授晚年所要竭尽全力进行的一项重要学术工程，他表示将全力完成它，并以这套丛书献给培育他的、敬爱的母校——北京电影学院。我们对林洪桐教授这种高度的学术责任感和对学院学科建设、学术研究的关爱，由衷地表示敬意。
　　让我给这套丛书撰写总序，我自认为有专业上的压力，自己才疏学浅，无力承担如此重要的工作，但恭敬不如从命，我只能是站在电影学院院长和博导、教授的立场，为我们的电影学科呐喊，为我们的学术研究成果助威。
　　《表演艺术教程》系列丛书，全套共计6种8本，分别是：（一）《表演学习手册——九重城与三字经》；（二）《表演教学手册——稻草怎样纺成金》（上、下）；（三）《表演应试手册——芝麻芝麻把门开》；（四）《表演美学手册——奏响天堂和声》；（五）《表演创作手册——苹果应该这么吃》（上、下）；（六）《表演分析手册——多米诺跳棋围棋》。

现代舞蹈动作分解与实践指南 深入探索身体的语言，构建你的舞台表达 本书旨在为舞蹈从业者、编舞者、舞蹈学生以及所有对现代舞和肢体表达抱有浓厚兴趣的读者，提供一套系统、详尽且富有实践指导意义的动作分解与应用手册。我们摒弃枯燥的理论说教，聚焦于如何将抽象的舞蹈概念转化为具体的、可执行的身体技术，帮助读者真正掌握现代舞的核心语汇，并在此基础上发展出独特的艺术风格。 全书内容围绕三大核心板块构建：基础技术体系的精炼、动态语汇的拓展与组合、空间意识与情境编排。 --- 第一部分：基础技术体系的精炼——“沉降与释放”的原理重构 本部分致力于重新审视现代舞的基石——呼吸、重心转移、躯干的运动方式。我们不再将这些视为单纯的练习，而是视为构建所有复杂动作的“物理定律”。 1. 呼吸与躯干的内在关联： 详细分析了“呼吸作为运动驱动力”的原理。探讨了胸腔、肋骨和腹部在不同呼吸模式下对骨盆和脊柱产生的微妙影响。特别引入了“意图性呼吸”的概念，即如何通过控制吸气和呼气的节奏，预先设定动作的能量走向和情绪基调。 腹部控制的层次解析： 区分了表层肌肉、深层核心（如横膈膜和多裂肌）在支撑、压缩和延展中的不同作用。通过图示和文字描述，展示了从“柔和的延展”到“爆发性的收缩”所需要的肌肉参与度变化。 脊柱的解构与重组： 详尽剖析了脊柱的七个主要运动轴——屈曲、后伸、侧弯、旋转。重点讲解了“波浪运动”在不同速度和幅度下的实现路径，强调了从尾椎到颈椎的连锁反应，而非孤立的关节运动。例如，如何利用“下背部的下沉”自然引发“胸腔的抬升”，以实现流畅的“向上延伸”。 2. 重心（Center of Gravity）的动态管理： 现代舞的核心在于对重心的主动放弃与精准回收。本章深入探讨了： “坠落”的科学性： 不仅是简单的“摔倒”，而是精确计算身体质量与地面之间的引力关系。我们分析了“意图性失衡”的临界点，即如何在即将跌倒的边缘维持平衡，从而积蓄反作用力。 地面工作（Floor Work）的技术基础： 重点讲解了如何利用骨骼结构（而非单纯的肌肉力量）来缓冲和导引地面接触。包括肩胛骨的“接地”技术、如何安全地从站立过渡到低位翻滚（Rolls）以及从低位恢复到站立的“蓄能回路”。 --- 第二部分：动态语汇的拓展与组合——非线性运动的构建 在掌握了基础的驱动力后，本部分致力于拓宽动作的词汇量，尤其是那些挑战传统芭蕾体系的、更具现代舞特性的运动模式。 3. 旋转、倾斜与轴线转换： 轴心（Axis）的流动性： 探讨了从垂直轴、水平轴到对角线轴的快速转换。详细分解了“偏心旋转”（Off-center Turns）的技术要领，即如何在外推或内收的力场中维持旋转的清晰度。 “释放”（Release）技术在倾斜中的应用： 如何通过骨盆的微调和肩部的松弛，使身体能够在重力的作用下安全地进行大幅度的侧倾和前倾。对比了“支撑性倾斜”和“悬挂性倾斜”在能量表达上的差异。 4. 关节的开放性与张力控制： 现代舞常常要求关节处于一种既放松又充满潜在能量的状态。 “悬挂”与“延展”的辩证统一： 讲解了如何激活关节周围的韧带和结缔组织，以产生一种既非完全收缩也非完全松弛的“惰性张力”。这对于表现“挣扎”、“踌躇”或“无助”等情态至关重要。 手与手臂的表达力： 将手臂视为躯干的延伸，而非独立的结构。分解了从“被动悬垂”到“清晰指向”的过渡，特别是如何利用手腕和手指的细微动作（Gestures）来丰富整体的肢体叙事。 --- 第三部分：空间意识与情境编排——将技术融入叙事 动作的价值体现在其在空间中的组织方式和它所传达的情感信息。 5. 空间感知与路径规划： 三维空间的利用： 不仅关注舞台的前后左右，更关注“高”与“低”、“近”与“远”的距离感。讨论了如何运用动作的速度、幅度与空间层次的对应关系，来建立舞台的视觉焦点和深度感。 集体移动的动力学： 针对群舞编排，分析了“同步”（Unison）的细微差别（是完全一致还是存在时间差的微妙错位？）。探讨了如何利用“信息传递”的方式（如目光、身体的暗示）来引导群体动作的自然演变，避免机械的排练感。 6. 动作的“情绪编码”： 本书的最终目标是将技术转化为有意义的表达。 动作的“动机”追溯： 引导读者反思每一个动作的起始动机——是源于内心的冲动、外部的刺激，还是对环境的反应？例如，一个“快速收缩”可以代表恐惧，也可以代表对某个记忆的“捕获”。 停顿（Stillness）的重量： 强调了“静止”在现代舞中的重要性。详细分析了如何通过控制呼吸和眼球的微小运动，使一个看似静止的姿态充满内在的张力与叙事性。如何选择一个“有重量的停顿点”，而不是简单的“动作结束”。 本书通过大量的技术图解、分步指南和案例分析，致力于为舞者提供一个既扎实又富有创发力的技术框架，使其能够自信地探索身体的全部潜能，并在舞台上讲述独一无二的故事。它不是一份标准化的“食谱”，而是一套解锁身体复杂性和表达自由的工具箱。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格充满了成熟的自信，但又保持着一种令人舒服的克制，没有丝毫的故弄玄虚。作者的笔触沉稳有力，即便是描述一些非常前沿或需要高度抽象思维的概念时，也能用非常精准且富有画面感的词汇来表达，读起来绝不拖泥带水。我特别欣赏它对于“限制与自由”之间关系的探讨。很多人总以为创作自由就是可以为所欲为，但这本书深刻揭示了，真正的创造力往往是在一套严谨的框架和约束下爆发出来的。这种对“限制美学”的深刻洞察，让我对“规矩”的理解提升到了一个新的层次。读完某个段落，我常常会有种豁然开朗的感觉，仿佛作者在黑暗中为我点亮了一盏清晰的航灯，指引我避开那些经验主义的陷阱。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种复古的油画质感，配上跳脱的现代字体，一下子就抓住了我的眼球。内页的纸张选择也非常考究，那种略带粗糙的纹理，拿在手里有一种踏实的厚重感，跟内容所传达的那种“工匠精神”完美契合。我尤其喜欢它在排版上的用心，那些关键的概念和步骤，都会用不同的字号、颜色或者加粗的方式凸显出来，使得在阅读过程中，即便信息量很大，也不会感到混乱。特别是那些理论推导的部分，作者没有简单地堆砌文字，而是设计了大量的图示和流程图，帮助读者建立起一个清晰的逻辑脉络。坦白说，一开始我担心它会过于学术化，但实际阅读体验下来，发现它更像是一本精心打磨的工具书，兼顾了深度与可读性。它不像市面上那些泛泛而谈的“成功学”，而是真正沉浸在技术细节和创作心法之中，让人感觉每一次翻阅都是一次对专业知识的深入挖掘。这本书的视觉语言本身，就已经在向我们传达一种“精益求精”的创作态度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容逻辑性之严密，简直可以用“教科书级别”来形容。我尝试着按照它推荐的步骤去实践一些基础的练习，发现作者对每个环节的分解都极度细致，仿佛他已经替你预想到了所有可能遇到的卡点和误区。比如，在处理某个复杂的结构性问题时，作者提供的“分解-重构”模型，非常具有操作指导性，它不是简单地告诉你“应该怎么做”，而是告诉你“为什么这么做会有效，以及如果失败了该如何回溯排查”。这种由内而外，由宏观到微观的递进方式，极大地提升了学习效率。我对比了之前看过的几本同类型书籍，它们大多停留在概念阐释层面，而这本书的价值恰如其名，它真的提供了一套可以被“执行”的行动方案。我能感受到作者在撰写过程中，不仅仅是在传授知识，更是在分享一种经过无数次试错后提炼出来的“直觉加速器”，让人不再需要自己去走那些弯路。

评分☆☆☆☆☆

当我读到中间关于“反馈循环与迭代优化”的章节时，我停下来深思了很久。这部分内容对于任何需要持续产出成果的领域都极其重要，但往往被初学者忽略。作者巧妙地将物理世界的反馈机制，类比引入到艺术创作的语境中，这使得抽象的“灵感捕捉”变得具象化、可测量。他提出的那套“三步校准法”，颠覆了我之前那种“想到什么写什么”的松散习惯。现在，我开始有意识地为自己的创作设定更明确的验收标准，并坚持在每一个关键节点进行“硬性检查”，而不是等到作品完成后才发现方向偏了。这种系统性的思考框架，让人从被动的“执行者”转变为主动的“设计者”。这本书的伟大之处在于，它不仅教会了你如何“做”，更重要的是教会了你如何“审视你做的过程”，这才是从匠人到大师质变的开始。

评分☆☆☆☆☆

从整体阅读体验来看，这本书无疑是一部重量级的参考宝典，它的价值是复合型的。它不仅提供了操作层面的指导，更在精神层面对创作者进行了深层次的赋能。读完后，我感觉自己对所从事的领域不再是雾里看花，而是拥有了一套可以自信驾驭的底层逻辑和方法论。特别是书中穿插的几个案例分析，虽然是不同领域的，但其背后的创作心法却具有极强的通用性，让人不得不惊叹作者知识体系的广博与融会贯通的能力。我甚至已经开始期待作者后续能针对更细分的领域进行更深入的探讨，因为这本书已经为我打下了如此坚实的基础，让我有信心去迎接更复杂的挑战。它不只是一本书，更像是一个在你创作旅途上，时刻可以翻阅的“思维伙伴”。

评分☆☆☆☆☆

很好的电影教材，一直在读

评分☆☆☆☆☆

送货速度快，书质量也不错

评分☆☆☆☆☆

O(∩_∩)O谢谢( ^_^ )不错

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