具体描述
内容简介
《DV拍摄情节电影的要诀：场面调度与镜头组接手册》是世界上第一部用插图诠释蒙太奇理论和实践的书。它不仅是专业电影导演选择性参考的实用的工具，也是帮助各个大学影视专业的学生、DV拍客和有志于拍摄情节电影能人志士、婚庆公司、影视公司、转型的摄影记者奇迹般地成为名副其实的电影导演。轻松愉悦地读图看书，你会发现这是规范的有章法的系统图释论述，毫不困难的帮助你获得当电影导演的知识与实用技巧，拍出合符电影语言规范的表述故事流畅通顺电影。目录
引言第一章 语言与语法技巧（9—28）
一 关于DV语言语法的对话
二 动作和反动作
三 平行剪辑的方法与方式
四 视觉艺术最强有力的功能
五 纪录片是生活真实和虚拟真实的产物
六 情节故事电影电视
七 三种类型的场景
八 高潮瞬间
九 运动
十 距离
十一 视觉分句与分段法
十二 场景的匹配
十三 对视
十四 注意中心的交替
第二章 导演的调度法则（29—45）
一 基本的身体位置
二 摄影机的三角形架设原理
三 关系线（轴线）
四 头部的重要性
五 构图重点
六 视觉重点的类型
第三章 两个或三个演员（46—90）
一、两个演员的场面
一 两个演员的对话
二 数量的对比
三 演员肩并肩
四 注意场面调度
五 摄影机的距离
六 摄影机和演员的高度
七 相反的对角线
八 打电话交谈
九 镜子里的交谈
十 人物并排躺着
十一 在汽车里的对话
二、三个演员的对话
一 常规的处理法
二 非常规的处理法
三 内／外反拍摄影机位
四 内反拍摄影机位
五 平行摄影机位
六 枢轴
七 注意中心的突出
八 使用四个摄影机位
九 引人注意的内反拍镜头
十 使用八个摄影机位
十一 有意的撇开
十二 小结
第四章 多人的场面处理（91—112）
一 四人或更多人的对话场面
二 若干简单的情况
三 用直角摄影机位置
四 围桌而坐的人群
五 人群再细分为若干组
六 几何图形
七 几个相对立的区域
八 处理一大群人
九 一个演员面对观众
十 关系线的交叉变化
十一 作为枢轴的演员
第五章 静态动态的场面调度（113—138）
一 静态对话场面的剪辑形式
二 接近与远离
三 一场戏如何开始
四 再交代镜头
五 沉默的反应的重要性
六 插入镜头和切出镜头
七 数量对比
八 关系线变换轴侧
九 对话之间的停顿
十 时间的压缩
第六章 场面运动的处理（139—153）
一 画面动作的特性
二 运动的分切
三 随着运动变换视点
四 切出镜头的使用
五 中性方向
六 用演员表明方向的变换
七 在同一半边画面的对立运动
八 镜头切换的条件
九 切换点
十 在运动中切
第七章 运动的前后（154—160）
一 运动结束后的剪接
第八章 画面内的运动（161—205）
一 转身
二 坐下起立和躺卧起身
三 行走与奔跑
四 运用共同视轴
五 直角关系摄影机位置
六 穿过门洞
七 个人爱好
八 小结
第九章 入画和出画（206—215）
一 入画和出画的动作
二 多片段
三 上述两个片段的运动
第十章 演员A走向演员B（216—225）
一 会聚运动
二 摄影机直角位置
三 反向摄影机角度
四 平行摄影机位置
五 共同视轴
六 A越过B
第十一章 主镜头的匹配（226—234）
一 用主镜头拍摄画面中的动作
二 便携式手提摄影机
第十二章 实践中探索语法技巧（235—242）
一 规则的例子
二 若干人的视觉停顿
三 省略间歇
四 用相反的机位
五 分散运动
六 一个演员在画面上某一固定位置
七 两个演员同时运动
第十三章 演员A离开演员B（243—259）
第十四章 摇移摄影（260—275）
一、摇摄镜头
二、移动摄影
三、摄影升降机（摇臂）
第十五章 纪录片拍摄的基本原则（276—277）
附录（278—295）
好莱坞影片场面调度和镜头处理的经典范例
场面调度中的运动镜头组接经典案例
奥斯卡获奖影片《澳大利亚》旋转运动摄影运用经典案例
全高清16：9三分屏幕构图的技巧与魅力
导演的镜头素描设计
16：9的标准屏幕三分屏与4：3屏幕二分屏的比较
资料来源
后记
前言/序言
用户评价
这本书简直是为我这种刚入门的独立电影制作人量身定制的！我一直在寻找一本能把那些看似玄乎的“电影感”拆解成实操步骤的书，而这本书恰恰做到了这一点。它没有堆砌太多晦涩难懂的理论，而是直接深入到拍摄现场会遇到的核心问题。尤其是关于如何利用场面调度来引导观众视线，那几章简直是醍醐灌顶。作者用非常直观的方式解释了为什么一个简单的走位调整，能瞬间改变一场戏的情绪张力。我记得其中一个例子，讲述了如何在狭小空间内，通过演员的肢体语言和景深的变化，来烘托出人物内心的压抑感，这一点在我的短片创作中屡试不爽。书里还穿插了很多具体的案例分析，不是那种高预算大制作的电影，而是更贴近我们实际操作的独立电影范例，这让我觉得特别亲切，仿佛作者就是我的现场指导教练。它让我明白，所谓的“大片感”并不一定需要昂贵的设备，而是来源于对空间、时间以及信息流的精准控制。这本书不仅是技术手册，更像是一本帮你建立起一套完整视觉叙事逻辑的思维导图。
评分老实说，这本书的内容密度高得惊人，我得一遍遍地重读才能完全消化。它最吸引我的一点是，它把“镜头组接”这件事从一个单纯的技术动作，提升到了叙事哲学的层面。我以前总是在剪辑软件里瞎蒙，觉得A镜头接B镜头只要逻辑通顺就行，但这本书展示了蒙太奇理论是如何在实拍层面就埋下伏笔的。比如，作者详细阐述了如何通过“视线引导轴”的设置，确保剪辑点既自然又不失冲击力。书里对“跳切”（Jump Cut）的运用讨论得非常透彻，它不仅仅是用来节省时间的手段，更被赋予了强调时间流逝或者心理创伤的功能。很多好莱坞教科书会告诉你“不要打破180度线”，但这本书却很有前瞻性地探讨了在特定情绪表达下，如何有意识地、有效地去打破和利用这些既定规则，让画面语言产生更强的共鸣。读完之后，我对着我最近拍的一段对话戏重新审视，发现我错过了太多微妙的切换机会，这些都是靠精确的场面调度和预先设想的镜头过渡才能实现的。
评分对于我这种偏爱写实风格和自然主义表演的导演来说，这本书提供了一个绝佳的平衡点。它没有陷入那种过度炫技的陷阱，反而强调“为内容服务”的拍摄原则。作者反复强调，场面调度首先是为人物动机服务的，而不是为了让画面看起来更“漂亮”或更“复杂”。我特别欣赏它对“看不见的拍摄”（Invisible Cinematography）的探讨。很多时候，最好的调度是观众根本意识不到你在调度，但他们的情绪却被牢牢地牵引着。书中对长镜头和复杂调度序列的分析，没有侧重于摄像机如何移动，而是更深入地探讨了演员在那个空间内如何移动才能最大化地暴露或隐藏信息。这种由内而外的设计思路，彻底改变了我对“调度”的理解。它不再是机械的轨道推拉摇移，而是一种对人类行为和空间心理学的精细化观察与设计。
评分这本书的结构清晰得令人赞叹，简直像一本精密的工具箱。如果你期望找到一些关于如何操作某种特定型号摄像机的高级设置指南，你可能会失望。但如果你想知道如何在光线有限、预算紧张的条件下，通过精妙的场面调度和镜头的精确衔接，拍出比那些百万级制作更具张力的画面，那么这本书就是你的圣经。它的价值在于系统性地梳理了从剧本阅读到现场执行的全流程思维链条。作者在讲解镜头组接时，总是会联系到“信息点”的释放节奏，这一点非常关键。它教会我如何像一个专业的“信息管理者”一样进行拍摄，知道何时该给观众一个全景来稳定情绪，何时该用一个极端的特写来引爆冲突。这种对叙事节奏的细致掌控，是通过对场面调度和镜头语言的无缝集成才能达到的，读完后我的剪辑效率都提高了，因为很多镜头在拍摄时就已经“被剪辑好了”。
评分这本书的语言风格非常独特，它不像传统教科书那样刻板，反而带有一种经验丰富的老兵分享秘诀的亲切感和犀利感。它最大的贡献在于，它将场面调度和镜头组接这两个看似分离的环节，紧密地捆绑在一起，形成一个不可分割的“视觉语法构建”过程。书中对于“情绪过渡”的处理段落，是我最喜欢的部分。它详细分析了如何通过微小的视角变化、焦点转换，来实现角色内心世界的微妙波动。例如，一个从面部特写缓慢推向背景虚化的镜头，如何可以无缝地连接到一个表现角色内心挣扎的内心独白镜头。这种对细节的执着，正是区分业余和专业的关键。它让我意识到，电影的魔力往往藏在那些我们习以为常却从未深究的连接点上，而这本书，就是一把带我们深入探索这些连接点的探照灯。
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评分等看完了《光影传奇》再来看这个吧
评分很全面的好书，彩图，非常好
评分玩dv有帮助 正在研究
评分可以学到不少专业的技法
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评分只看了一点点，挺好的
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