芥子园画传：菊谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王槩 等 著，王槩 等 编，尚佐文 等 注

图书标签:

• 绘画
• 中国画
• 花卉
• 菊
• 传统绘画
• 艺术
• 技法
• 芥子园画传
• 绘画技法
• 植物

出版社： 上海书画出版社

ISBN：9787547902868

版次：1

商品编码：10915822

包装：平装

开本：16开

出版时间：2012-01-01

用纸：胶版纸

页数：67

正文语种：中文

内容简介

　　芥子园，是明末李渔在江宁（今南京）建造的一座精致私家园林。在园中，李渔收集了大量文学、戏剧、书法、绘画典籍，并开始尝试自己刊刻图书。清康熙初年，李渔与女婿沈心友于园中讨论画理时，触发他起意编刻一部供绘画者自学的中国画技法教材。这便是《芥子园画传》的编纂和刊刻缘由。
　　康熙十八年，王槩首先编集完成了《山水谱》。此谱汇集明代李流芳课徒画稿并略增加篇幅而成。康熙四十年，二集《梅兰竹菊谱》、三集《翎毛草虫花卉谱》又相继编集而成，皆由王槩、王蓍、王臬三人编刻而成。由于前后刊刻时间很长，一集与二、三集出版时间相隔二十二年，故二、三集出版之时，李渔已然谢世，故一、二、三集的序言亦由不同的人写就，一集李渔序、二集王槩序、三集王蓍序。这三集画传是目前广为流传的《芥子园画谱》的最初版本，皆用开化纸、彩色木版套印而成，纸质细腻、颜色饱满。后世相传之嘉庆、民国版本与之相比，不可同日而语。

内页插图

目录

青在堂画菊浅说十二则
画法源流
画菊全法
画花法
画蕾蒂法
画叶法
画根枝法
画菊诀
画花诀
画枝诀
画叶诀
画根诀
画菊诸忌诀
画花头式
平顶长瓣花五则
三化偃仰
三化掩映
侧面
背面
含蕊
高顶背瓣花六则
全放正面
全放侧面
初放正侧
初放侧面
将放
含蕊
背顶尖瓣花五则
全放下偃
全放上仰
全放侧面
初放
将放
抱心尖瓣花六则
全放正面
全放侧面
初放正面
初放侧面
含蕊
将放
层顶亚瓣花四则
全放正面
全放侧面
初放正面
初放侧面
措心细瓣花五则
全放正面
初放侧面
平顶正面
平顶正侧
细蕊
点墨叶式十二则
下垂正叶
上仰正叶
正面卷叶
背面卷叶
正面折叶
背面折叶
正面仰叶
背面仰叶
二叶俯仰
三叶交互
根下四叶穿插
顶上五叶反正
钩勒叶式十四则
上仰正叶
下垂正叶
平掩正叶
背面卷叶
正面卷叶
上仰折叶
下垂折叶
背面侧叶
顶上生蒂嫩叶
正面侧叶
背面嫩叶
二叶分向
三叶交互
四叶掩映
花头生枝点叶钩筋式四则
二枝全放
三枝花蕊反正
小花细蕊
单花折枝
双头折枝
花头短枝
钩勒花头枝叶式十一则
大朵单花
细瓣揩心
碎瓣团球
密瓣平顶
尖瓣抱蕊
尖瓣花头
画菊诸法
香飘风外
色染新霜
素心竹石
秋耀金华
玉盘蜡蕊
鹤氅清妆
东篱佳色
垂英初拆
三色凌秋
沉醉西风
小苞纤蕊
香垂潭影
晚香寒翠
黄花朱实
老圃秋容
名分太液
坤裳正色
黄蕊星罗
永寿墨菊
衰容增艳

前言/序言

《芥子园画传：菊谱》 源远流长的赏菊情结，画卷中的生命绽放 自古以来，菊花在中国文人心中便占有独特的位置。它不畏秋霜，凌霜而放，象征着坚韧不拔、高洁隐逸的品格，是无数诗词歌赋、书画作品的灵感源泉。从陶渊明“采菊东篱下，悠然见南山”的田园诗意，到历代文人墨客对菊花形态、神韵的描摹，赏菊、画菊的文化传统早已根植于中华文明的土壤之中。《芥子园画传：菊谱》正是这场跨越千年的艺术与文化对话的结晶，它以细腻的笔触、严谨的章法，为我们展现了中国传统绘画中对菊花最精妙的诠释。 本书的编撰者，倾注了毕生心血于中国绘画艺术的研究与传承。他们并非简单地收集菊花的画作，而是深入探究菊花的生长规律、不同品种的形态特征，以及历代画家在表现菊花时所运用的技法和审美理念。这份工作，既是对自然之美的细致观察，也是对人文精神的深刻体悟。在那个纸墨为媒、笔尖传情的时代，他们将这份热忱化为笔下的线条与色彩，为后世留下了宝贵的艺术财富。 《芥子园画传：菊谱》并非一本单纯的图谱，而是一部融汇了绘画理论、写生技巧与文化内涵的杰作。它以“芥子园”的名义，寓意着“一芥之微，能容天地”。在这方寸之间，作者们以极其精炼的笔墨，描绘了菊花的千姿百态，其背后蕴含的，是对生命力、对自然规律的深刻理解。这本书的诞生，标志着中国传统花鸟画在题材拓展、技法深化、理论构建等方面达到了一个新的高度。 章法严谨，体系完备：从整体到局部，精雕细琢 本书的编排，遵循着一种由宏观到微观，由浅入深的逻辑。它首先从整体上勾勒出菊花的生长姿态，让读者对菊花的“神”有一个初步的感知。随后，便开始深入到每一个构成要素的细致分析。 花头的描绘： 菊花的花头是其最吸引人的部分，也是绘画中最具挑战性的部分。《菊谱》中，对于不同形态的花头，如单瓣、重瓣、匙形瓣、管状瓣等，都进行了详尽的描摹。画家们运用了各种皴法、勾勒、点染相结合的技巧，将花瓣的层叠、舒展、卷曲，以及花心部分的疏密、饱满，都表现得淋漓尽致。有时，为了体现花瓣的轻盈飘逸，会用淡墨或淡彩轻轻晕染；有时，为了突出花瓣的骨感和筋脉，则会用劲健的线条勾勒。每一个笔触，都经过深思熟虑，力求形神兼备。 花瓣的结构与层次： 菊花的花瓣看似简单，实则变化无穷。作者们在《菊谱》中，深入研究了花瓣的生长方向、走向、厚度以及相互之间的遮挡关系。通过对花瓣的细致分析，读者可以学习如何表现花瓣的起伏、转折，如何在繁复中求得清晰，如何在疏密中形成层次。对于一朵饱满盛开的菊花，如何表现其层层叠叠的花瓣，既要有体积感，又不能显得臃肿；对于含苞待放的花蕾，又如何表现其蕴含的勃勃生机，都做了详尽的示范。 花萼与花托的处理： 作为支撑花朵的关键部位，花萼和花托的描绘同样重要。《菊谱》强调了花萼的坚挺，以及花托的饱满。这些细节的处理，能够增强画面的稳定感和真实感，使得整个菊花形象更加完整、生动。通过对花萼和花托的细致刻画，读者能够理解到，即便是细微之处，也蕴含着艺术表现的奥秘。 茎、叶与枝的勾勒： 菊花的茎、叶、枝，如同人的骨骼与脉络，它们承载着花朵，也赋予了菊花整体的生命张力。《菊谱》中，对这些部分的描绘，既注重其自然的生长趋势，也强调了笔墨的力度与韵味。茎的遒劲、叶的舒展、枝的盘曲，都通过不同的线条和墨色表现出来。例如，叶片的脉络，是如何从主脉延伸出去，如何相互呼应，如何形成自然的锯齿状边缘，都在画作中得到了生动的演示。 不同品种的典型特征： 《菊谱》并非只描绘一种“菊”，而是将历代画家所观察到的、所表现的不同品种的菊花，一一呈现。从高雅的长脚菊，到热烈的缶菊，再到奇异的飞舞菊，每一种都有其独特的形态和神韵。作者们不仅提供了具体的画法，更重要的是，他们传达了观察和体会不同菊花内在气质的理念。这种对品种差异的细致区分，体现了中国传统绘画在写实与写意之间的微妙平衡。 技法精湛，笔墨传神：点、线、面、墨、色的融合之道 《芥子园画传：菊谱》最令人称道的，是其在绘画技法上的深度挖掘和系统梳理。它不仅仅是图例的集合，更是中国传统笔墨技法的教科书。 勾勒的妙用： 无论是以细线勾勒花瓣的轮廓，还是以粗线表现枝干的力度，勾勒都是菊花画作的基础。《菊谱》示范了不同粗细、不同顿挫的线条，如何能够表现出花瓣的质感、枝叶的韧性。例如，用“十八描”中的不同线条，可以表现出丝绸般的柔滑，或者玉石般的坚硬。 点染的意境： 对于菊花花心的描绘，以及花瓣的阴影和色彩渲染，点染技法起到了至关重要的作用。《菊谱》展示了如何利用墨色的浓淡干湿，以及色彩的冷暖虚实，来丰富画面的层次感和立体感。有时，几点浓墨，便能点醒整朵花；有时，淡彩的晕染，便能营造出花瓣上晶莹的露珠，或是秋日阳光洒落的温暖。 皴法的运用： 虽然皴法主要用于山水画，但在《菊谱》中，也巧妙地借鉴和运用，以表现菊花花瓣的纹理和质感。例如，用一些类似点皴的笔触，可以模拟出花瓣上细微的褶皱，或是叶片上的筋脉。这种技法的融汇，是传统绘画艺术博大精深的体现。 墨色的变化： 中国画强调“墨分五彩”，《菊谱》对墨色的运用达到了炉火纯青的地步。从焦墨的浓烈，到淡墨的雅逸，再到宿墨的浑厚，不同的墨色能够表现出菊花在不同光照、不同季节的微妙变化。通过墨色的浓淡干湿，艺术家能够赋予画面丰富的层次和空间感。 色彩的搭配： 尽管中国传统菊花画以水墨为主，但《菊谱》也对色彩的运用提供了丰富的借鉴。如何使用传统的三绿、三青、赭石、藤黄等矿物和植物颜料，来表现菊花的黄、白、红、紫等不同色彩，并与水墨相互呼应，形成和谐统一的画面，书中都有精到的示范。色彩的运用，不仅在于本身的艳丽，更在于其能否与其他元素和谐共存，烘托出菊花的雅致与高洁。 文化意蕴，精神传承：超越形似，直抵神韵 《芥子园画传：菊谱》所传达的，绝不仅仅是绘画技法的知识，更是一种对中国传统文化精神的传承。 品格的象征： 菊花之所以备受喜爱，在于其所象征的坚毅、高洁、不屈的精神。《菊谱》中的每一幅画，都在试图捕捉和表现这种精神。作者们通过对菊花形态的观察，体悟其在风霜中的挺拔，在寒冬中的绽放，并将其转化为笔下的艺术形象。 写意精神的体现： 中国画讲究“写意”，即“言外之意”。《菊谱》中的画作，并非对菊花的机械复制，而是在写实的基础上，融入了作者的情感和理解。通过笔墨的写意，能够将菊花的生命力、气质、甚至画家内心的感受，都传递给观者。 人与自然的和谐： 赏菊、画菊，本身就是人与自然和谐相处的体现。《菊谱》的编撰者，通过对菊花的深入研究，表达了对自然的热爱和对生命规律的尊重。这种对自然的敬畏之心，是中国传统文化的重要组成部分。 传承与启迪： 《芥子园画传》系列，自问世以来，便成为无数绘画初学者和专业画家的启蒙读物。它以其系统性、实用性和艺术性，为后人学习中国传统绘画提供了坚实的基础。《菊谱》更是其中的典范，它不仅教授如何画菊，更重要的是，它传递了一种观察自然、感悟生命、并将其转化为艺术的思维方式。 结语 《芥子园画传：菊谱》是一部集绘画技法、艺术理论与文化内涵于一体的经典之作。它以严谨的章法、精湛的技法、深厚的文化底蕴，为我们呈现了中国传统绘画中关于菊花的最高成就。阅读本书，如同穿越时空，与古代的艺术家们一同漫步于秋日的篱园，感受那份高洁孤傲的品格，领略那份生命盎然的诗意。它不仅是一本画谱，更是一扇窗，让我们得以窥见中国传统艺术的博大精深，以及其中蕴含的东方智慧与审美情趣。无论您是绘画爱好者，还是对中国传统文化感兴趣的读者，《菊谱》都将为您带来一次难忘的艺术与精神之旅。

评分☆☆☆☆☆

我对传统水墨画一直情有独钟，尤其是那些能够展现生命力的题材，而《芥子园画传：菊谱》无疑是其中的佼佼者。这本书让我看到了菊花不为人知的另一面。我一直认为菊花是清高孤傲的象征，但书中描绘的菊花，却充满了生命的力量和顽强的生命力。那些笔墨的变化，仿佛能让我感受到菊花在风中摇曳的身姿，感受到它们在寒霜中顽强绽放的生命力。我特别喜欢书中对菊花不同姿态的描绘，有的傲然挺立，有的含羞低垂，有的簇拥而生，每一种姿态都充满了生命力和艺术感。那些精妙的笔触，寥寥几笔便能勾勒出菊花的神韵，仿佛能让我感受到菊花在纸上绽放。这本书不仅仅是一本画谱，更是一本关于生命和艺术的哲学书，让我对菊花有了更深的认识和感悟。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我都对中国传统绘画中的写意风格有着浓厚的兴趣，而《芥子园画传：菊谱》则以其独特的视角和精湛的技艺，将菊花的意境之美展现得淋漓尽致。我一直觉得，真正的艺术不仅仅在于形似，更在于神似，在于能够捕捉到事物内在的精神和灵魂。《芥子园画传：菊谱》正是做到了这一点，它用寥寥数笔，便勾勒出了菊花的傲骨和不屈的精神。我特别喜欢书中对菊花不同姿态的描绘，有的含苞待放，有的怒放盛开，有的枯萎凋零，每一种姿态都充满了生命力和艺术感。那些精妙的笔触，仿佛能让我感受到菊花在风中摇曳的身姿，感受到它们在寒霜中顽强绽放的生命力。这本书让我对菊花有了更深的认识和感悟，也让我对中国传统绘画的魅力有了更深的体会。

评分☆☆☆☆☆

这本《芥子园画传：菊谱》着实是让我惊艳！我一直对中国传统绘画有着浓厚的兴趣，尤其是花鸟画，而菊花的题材更是我心中的挚爱。翻开这本书，我仿佛置身于一个繁花似锦的秋日庭院，墨迹在纸上晕染开来，勾勒出千姿百态的菊花。书中对菊花的描绘，不仅仅是形似，更捕捉到了它那坚韧不拔、傲然独立的气节。从初生的嫩芽到盛放的辉煌，再到临霜而立的枯萎，每一个阶段都被细腻地呈现。那些精妙的笔法，寥寥数笔便能勾勒出花瓣的层次、叶片的脉络，尤其是用墨的浓淡干湿，更是变化无穷，令人叹为观止。我尤其喜欢书中对不同品种菊花的细致区分，以及它们各自的特点和寓意。这不仅仅是一本画谱，更像是一部关于菊花的百科全书，让我对这种我一直深爱的花卉有了更深入的了解和感悟。每次翻阅，都能从中汲取新的灵感，对我的绘画技艺也大有裨益。这绝对是一本值得反复品读的经典之作。

评分☆☆☆☆☆

作为一名园艺爱好者，我一直想找一本能够帮助我更深入理解花卉的书籍，而《芥子园画传：菊谱》则远远超出了我的预期。我一直对菊花情有独钟，它那坚韧不拔的品格，在寒冷季节依然绽放的勇气，总是让我深受启发。这本书将菊花的各种形态、各种神韵用中国传统绘画的方式展现出来，让我从一个全新的维度去欣赏和理解菊花。我特别喜欢书中对菊花不同生长阶段的描绘，从含苞待放到盛开的灿烂，再到枯萎后的萧瑟，每一种状态都有其独特的美。那些精妙的笔法，不仅仅是技艺的展现，更是一种对生命过程的哲思。我试着去观察我庭院里的菊花，将书中的画作与现实中的花朵对照，发现书中捕捉到的不仅仅是形态，更是那种生命力的张扬和内敛。这本书让我对菊花有了更深的感情，也让我更加珍视生命中的每一个瞬间。

评分☆☆☆☆☆

入手《芥子园画传：菊谱》纯属偶然，却意外地打开了我认识中国传统绘画的新视角。在此之前，我对花鸟画的理解仅限于表面的色彩和构图，而这本书则让我看到了其中蕴含的深厚文化底蕴和哲学思考。书中的菊花，不仅仅是自然界的花朵，更是文人墨客寄托情感、表达志向的载体。作者（或编者）以极其写意的手法，将菊花的姿态、神韵描绘得淋漓尽致。我常常盯着一幅图，反复揣摩那几笔粗犷的线条如何勾勒出花瓣的饱满，那几点淡墨如何表现出叶片的疏朗。尤其是那些题跋，字里行间流露出的情怀，让我对菊花的“凌霜而开”、“独立寒秋”有了更深刻的理解。这不是简单的模仿，而是一种精神的传承。对于我这样一个对传统艺术充满好奇的读者来说，这本书就像一把钥匙，解锁了我通往更广阔艺术世界的大门。我迫不及待地想去尝试自己临摹，将这份对菊花的喜爱和对传统艺术的敬意，通过自己的画笔表达出来。

评分☆☆☆☆☆

内容介绍详细，通俗易懂

评分☆☆☆☆☆

顶上五叶反d正

评分☆☆☆☆☆

坤l裳正色

评分☆☆☆☆☆

易学而难精

评分☆☆☆☆☆

画枝诀

评分☆☆☆☆☆

(98%好评)

评分☆☆☆☆☆

画D叶诀

评分☆☆☆☆☆

初放侧面

评分☆☆☆☆☆

碑帖临习，就我的经验，可分为三个层次：“眼到”、“手到”、“心到”。其中后两个层次是当前认识比较模糊的地方；如果对此没有清醒的认识，势必影响到以后的创作水平。 先来谈谈“眼到”这一层次即是唐代孙过庭所谓的“察之者尚精”。对法帖中字的用笔、结构、章法要详察细审，既要在静态上把握笔画形态，又要在动态上理解点画间的呼应关系。南宋姜夔在《续书谱》中说：“字有藏锋出锋，粲然盈楮，顾其首尾相应，上下相接为佳。后学之士，随所记忆，图写其形，未能涵容，皆支离而不相贯穿。”在结构上既要看到线条本身在空间中的安排，又要对空白的分布予以重视。清笪重光《书筏》说：“黑之量度为分，白之虚净为布。”即是指出要懂得空间分布之理。而在整体章法上，要注意原法帖的字间行距，欹正关系，润燥疏密等因素。古人讲求章法要“变而贯”，“如织锦之法，花地相间须要得宜。”在这一阶段主要解决的是观察能力的提高，要能看出法帖的微妙之处。许多临习者只得粗枝大叶，整体看去，似乎与原帖相去不远，但在细微处则失之甚多，这和抄书并无区别。前人妙处往往就在一笔一画，甚至一个小动作之中，就如同美人之美亦常在一颦一嗔之间一样。所以王僧虔说：“纤微向背，毫发死生。”姜夔说：“夫临摹之际，毫发失真则神情顿异，所贵详谨。”这时的眼睛要像放大镜，能够将常人注意不到的细节放大。能否做到“眼到”决定了能否“手到”，因此临习者不能盲目机械地照临，应多读帖，多观察。 “手到” 这一境界是在临帖过程中最具基础性的环节。孙过庭说：“心不厌精，手不厌熟”，所谓“手到”不仅是指临得形似，而且要神似，要做到形势相似，下笔自然要缓慢但要写出神气来，则非熟练迅速（相对而言）不可。而二者又是一对矛盾。务必精熟，才能迟速有度。所以古人说：“迟以取妍，速以取劲。先必能速，然空能迟。若素不能速而专事，则无神气；若专事速，又多失势。”在拳学中，“手到”是极关键的，在双方对搏时，一旦得机，须身快手到，才能中敌，不然战机即失。这说明了技术准确性的重要性。事实上，“手到”的境界对于一个学书法的人来说，可谓是难途了。在众多临习者中，真正能做到这一点的，并不太多。主要原因有二：一是在临习之初，未能做到“眼到”的境界；二是心态浮躁，临摹功夫尚未下到。这和习太极拳技击一样，如果连拳架都不能达以精熟准确，何谈实战？当前许多临习者对于“拟之者贵似”这一句格言的认识相当模糊，一个“似”字其中所包含的意义远非想象的那样简单。关于“心到”的境界，理应算达到了临帖的最终要求。但反观当代不少书法创作者在提及他们的临帖经历时都说临过多少多少帖目，某帖目临过多少遍，甚至过百遍。但其所创作的作品中，都难以看到他们从中吸收了多少精髓。最常见的两种情况，一种是有的书写者提到自己曾临《兰亭序》等“二王”帖多年，但在其作品中并无半点“二王”的神韵。如果从创造动机上根本就不想吸收“二王”的营养，那当然另当别论；但既然花了时间去临“二王”，为何连捕风捉影的意思都没有呢？另一种情况是虽然在创作中体现了所学的某些形式因素，但流于程式化，缺乏变通，更无论神韵二字。以上疑问使得笔者开始想到关于临帖的“心到”问题。“手到”虽然标志着临帖已到精熟准确之境，但事实上，仍然处于技术层面，未能真正捕捉到原帖作者心灵深处的生命律动。所谓“形神兼似”也还不过是在笔墨外在形式上的深刻理解，虽然做到这一步已经很难得，但要想对创作起到精神层面的深刻影响，则必须“心到”——去触动前人在挥毫时撩拨性灵的心弦。就像六祖惠能之于达摩，直通心性，而后可言悟道。王僧虔在《笔意赞》中说：“书之妙道，神采为上，形质次之，兼之者方可绍于古人……必使心忘于笔，手忘于书，心乎达情，书不妄想，是谓求之不得，考之即彰。”创作的最高境界是“心忘于笔，手忘于书，心手达情”，那么临摹的最高境界也当如此。要想达到这一点，则须要更多地在精神层次上去体会探求。具体到《兰亭序》则不能仅仅追求其形式上的逼肖，而应在充分了解魏晋社会文化大背景及王羲之本人思想个性的基础上，熟读《兰亭》内容，把此文中的思想感情移植到自己的心灵深处，深味那魏晋时代士人独有的心灵“药酒”，试图让这酒的余味渗入你的历史悠思当中去。当你仿佛已听到王羲之等人对人生的咏叹时，或许你将不再处处拘泥于《兰亭》帖某笔某画的固定形态，而达到心手双畅的高境界。唐张怀瓘在《书断》序中说：“若乃思贤哲于千载，览陈迹于缣简，谋猷在觌，作事粲然，言察深衷，使百代无隐，斯可尚也。及夫身处一方，会情万里，标拔志气，黼藻性灵，披封睹迹，欣如会面，又可乐也。