影视制作基础/21世纪新闻与传播学规划教材·广播电视学系列 [Introduction to Video Production] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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常江 著

图书标签:

• 影视制作
• 广播电视学
• 新闻传播学
• 视频制作
• 传媒教育
• 教材
• 21世纪新闻与传播学
• 广播电视
• 视听语言
• 媒体技术

出版社： 北京大学出版社

ISBN：9787301225516

版次：1

商品编码：11255696

包装：平装

丛书名： 普通高等教育“十二五”规划教材

外文名称：Introduction to Video Production

开本：16开

出版时间：2013-06-01

用纸：胶版纸

页数：293

字数：337000

正

内容简介

　　《21世纪新闻与传播学规划教材·广播电视学系列：影视制作基础》是一部面向国内新闻传播院校学生的教科书。通过系统讲授摄像造型、拍摄、录音、剪辑等影视制作的基本理念与技巧，旨在令使用者掌握独立拍摄、剪辑影视作品的能力。《21世纪新闻与传播学规划教材·广播电视学系列：影视制作基础》注重理论与实践的结合，以视听语言思维方式的训练促进操作技能的提高。此外，书中还对中外近两百部经典电影进行案例分析，既注重逻辑的连贯和系统的科学，也力求流畅、朴实、易懂。
　　书中有大量精美图片，四色印刷，图文并茂。

作者简介

　　常江，新闻传播学博士，现任教于中国人民大学新闻学院。主要从事影视传播、媒介文化与媒介批评、电视新闻生产等领域的研究。兼任《新华每日电讯》文化评论员、北京新闻广播特约评论员等。出版学术专著《帝国的想象与建构：美国早期电影史》、《中国语境下的澳门影视产业》，纪实作品《再见巴别塔：当中国遇上非洲》，以及译著《文化理论与大众文化导论》、《媒介研究经典文本解读》、《在华五十年》等。累计发表文化评论两百余篇，监制短片作品十余部。

目录

第一章 摄像基础
第一节 摄像机的工作原理与基本构造
一、摄像机工作原理
二、镜头
三、摄像机的电子特性
第二节 摄像机的基本操作
一、摄前准备
二、摄像调整
三、拍摄方式
四、拍摄注意事项
五、摄像机使用注意事项

第二章 基本镜头语言
第一节 不同焦距镜头的成像规律
一、标准镜头
二、广角镜头
二、长焦镜头
四、变焦镜头
第二节 拍摄距离
一、远景
二、全景
三、中景
四、近景
五、特写
六、特殊景别
第三节 拍摄高度
一、平摄
二、俯摄
三、仰摄
四、顶摄
第四节 拍摄方向
一、正面拍摄
二、侧面拍摄
三、斜侧面拍摄
四、背面拍摄

第三章 摄像构图
第一节 摄像构图概述
一、构图与美
二、摄像构图的标准
第二节 摄像构图的基本规律
一、对称规律
二、对比规律
三、黄金分割规律
四、均衡规律
第三节 画面的构成元素
一、主体
二、陪体
三、环境
四、空白
五、非常规构图
第四节 摄像构图注意事项
一、主体作为画面支点
二、不同景别构图注意事项

第四章 光线
第五章 色彩
第六章 运动镜头
第七章 声音
第八章 蒙太奇
第九章 剪辑
第十章 非线性编辑软件使用教程
附录：本书所涉部分影片列表（按先后顺序）
惨考文献
后记

精彩书摘

　　因此，镜头之间组接切不可随意，前一个镜头是后一个镜头的基础，通过前一个镜头引出后一个镜头。镜头组接必须符合基本的冈果联系和日常生活逻辑，这是观众能够接受和理解影视作品的前提。
　　2.时空一致性原则
　　影视画面向人们传达的视觉信息有多种构成凶素，包括环境、主体造型、主体动作、画面结构、景深、色调影调、拍摄角度、不同焦距镜头的成像效果等，这些因素直接影响着观众对视觉信息的感知。因此，两幅画面在衔接时，画面中的各种元素要有一种和谐对应的关系，使人感到自然、流畅，不会产生视觉上的间断感和跳跃感。
　　（1）时间连续：时间连续是一种顺叙蒙太奇的组接方式。对于不具备显著因果关联的行为动作，必须遵循时间上的连续性，方能为观众接受和理解。通常情况下，依事件发生、发展的时间进程组接镜头，编辑时比较容易把握，也能给观众呈现出一条清晰的情节线索，更为明白易懂。如这样一组镜头：门铃响.主人开门一客人进门一握手寒暄一客人就座一主人上茶，即为我们生活中司空见惯的情形，它明显地按照事件发展的时间顺序结构镜头，表达一个较为完整的意思。组接时对镜头既不能随意删减，也不能出现动作的重复和停顿，否则会造成时间被打断的感觉，甚至造成信息传达的失误。
　　（2）空间连贯：空间连贯，首先是同一场景中的道具、景物以及剧中人物的服装、化妆要保持前后一致，否则很容易造成穿帮的现象。另外，也要确保不同场景空间的连续，包括借助某些环境及参照物制造视觉上的空间统一感（统一空间连续）与将具有相似环境和背景的画面组接在一起形成心理上的统一（相似空间连续）两种方式。例如，前一个面面是某人看到大楼的一个主观镜头画面，下一个镜头是此人正走在楼梯上，这样，无论楼梯是不是真的处在这一栋大楼中，观众都会觉得此人正走在画面里这栋大楼中的楼梯上，这就是统一空间连续。再比如，画面中是一个人开着车一会飞驰在高速公路上，一会儿穿越大桥，一会儿又行驶在乡间泥泞的小路上，虽然背景和环境并不一样，但这些环境都是同一辆车经过的环境，由这辆车连接在一起，就产生一定的相似性和关联性，也能实现镜头之间组接的一致和连贯，即相似空间连续。
　　……

前言/序言

叙事的声音：现代广播电视艺术中的声音设计与管理 本书深入探讨广播电视领域中声音元素的核心地位及其复杂性，旨在为广电技术人员、节目制作人以及声音设计师提供一套全面而实用的理论框架与实践指南。不同于侧重于影像采集与剪辑的入门教材，本书将焦点完全聚焦于“听觉维度”，剖析声音在构建叙事、塑造情感和实现信息有效传递中的决定性作用。 本书结构严谨，内容涵盖了从基础声学原理到高级声音后期处理的全流程，确保读者不仅理解“如何做”，更能洞悉“为何如此做”。 第一部分：声音的物理基础与听觉感知（The Physics and Perception of Sound） 本部分奠定了声音制作的科学基石。首先，我们详细阐述了声音的产生、传播与接收过程，包括声波的物理特性（频率、振幅、波形）。重点分析了人耳的听觉生理与心理机制，讲解了响度、音高、音色等听觉属性是如何与物理参数相互关联的。这部分内容对于理解混音、均衡和动态处理至关重要。 接着，我们将理论与广播电视环境紧密结合。分析了不同录音空间对声音特性的影响——从大型演播厅的自然混响到小型录音棚的声学处理。讨论了环境噪声的控制与消除技术，以及如何通过精准的声学分析来优化节目收听体验。本部分强调，对声音物理本质的深刻理解，是实现高质量音频制作的前提。 第二部分：麦克风技术与现场拾音艺术（Microphone Techniques and Live Capture） 麦克风是声音的“眼睛”，其选择和使用直接决定了源声音的品质。本章系统分类介绍了各类专业麦克风，包括动圈式、电容式、带式麦克风，并深入解析了它们的工作原理、指向性（心形、超心形、八字形等）的实际应用场景。 实践操作层面，本书详尽解析了专业拾音策略： 访谈与对话录制： 讲解了如何运用不同麦克风组合（如Lavalier、Boom Mic、Podcasting setup）来隔离人声，减少串音，并实现自然的空间感。 环境声与自然音捕捉： 探讨了双耳录音（Binaural Recording）技术，以及如何使用阵列麦克风（如ORTF、A/B、Decca Tree）来精确捕捉环境声场，服务于纪录片和新闻报道的真实性需求。 演出与音乐会拾音： 针对复杂的现场声场，本书提供了多轨录音的最佳实践，包括如何平衡舞台扩声与录音质量的矛盾。 特别设置的章节聚焦于数字音频接口与前置放大器（Preamps）的选择，强调了高质量的前端处理对最终音质的决定性影响。 第三部分：音频编辑与数字工作站（Digital Audio Workstation & Editing） 本部分转向数字音频的制作流程，聚焦于主流数字音频工作站（DAW）软件的操作逻辑与效率优化。内容覆盖了素材导入、时间线管理、非破坏性编辑技巧，以及如何高效地进行剪辑、拼接和同步。 核心内容包括： 1. 节奏与时间校正： 详细讲解了如何使用弹性音频（Elastic Audio）工具对人声和音乐的节奏进行微调，确保其与视频画面的契合度，同时保持自然的发音和律动。 2. 噪声管理与修复： 深入讲解了频谱分析仪的使用，以及降噪、去齿音、去嘶声、去嗡鸣（Hum Removal）等高级修复技术。这些技术是后期制作中确保节目清晰度的关键。 3. 文件格式与标准： 阐述了广播级音频文件格式（如WAV, AIFF）的选择标准、采样率与位深对动态范围的影响，以及如何满足不同播出平台（电视、网络流媒体）的技术规范。 第四部分：混音艺术与声音空间化（The Art of Mixing and Sound Space） 混音是将所有独立的音轨塑造成一个和谐、有力的整体的过程。本书将混音视为一种叙事工具，而非单纯的技术平衡。 均衡（EQ）的哲学： 不仅教授如何使用参数均衡器（Parametric EQ）来修正频率响应，更重要的是探讨“声场塑造”的均衡策略——例如，如何利用EQ为对白创造出清晰的“窗口”，以及如何为音效和音乐留出各自的频率空间。 动态处理（Dynamics）： 详尽解析了压缩器（Compressor）、限制器（Limiter）、噪声门（Gate）的工作原理和应用场景。重点阐述了广播电视节目中对动态范围进行精确控制的必要性，以适应不同收听环境（如家庭客厅与移动设备）。 效果器空间模拟： 探讨了混响（Reverb）和延迟（Delay）在构建声音深度和场景感方面的应用。详细介绍了卷积混响（Convolution Reverb）如何精确模拟真实空间声学特性，从而增强观众的沉浸感。 第五部分：广播电视中的声音设计与母带处理（Sound Design and Mastering for Broadcast） 本部分将声音制作提升到叙事艺术的高度。声音设计不再是简单地添加音效，而是主动创造与情节同步发展的听觉体验。 情绪与叙事声音设计： 分析了如何通过声音过渡（Transitions）、音效层叠（Layering）和声音标识（Sonic Branding）来推动情节发展、建立人物情感联系，并增强视觉冲击力。本书提供了大量影视剧作中经典声音设计案例的解构分析。 音乐与对白的关系处理： 探讨了音乐的“心理作用”，如何通过音乐的音量、音色和进入点来引导观众情绪，同时确保音乐不会干扰关键对白的信息传递。 广播级母带处理（Mastering）： 概述了最终的声音标准化流程。重点讨论了响度标准（如LUFS，ITU-R BS.1770），讲解了如何进行最终的峰值控制和电平校准，确保节目在不同播出链条中保持一致的听觉体验，符合行业法规要求。 本书的最终目标是培养读者将声音视为与画面同等重要的叙事元素，通过精湛的技术和敏锐的艺术判断力，创造出震撼人心且清晰可靠的广播电视音频作品。

评分☆☆☆☆☆

这次深度阅读的体验，更像是一次对当代视听文化语境的系统考察，而不仅仅是学习技术。我惊喜地发现，作者们将社会学、心理学甚至人类学的一些基本概念，巧妙地融入到影视制作的每一个技术细节中去。例如，他们探讨了在不同文化背景下，观众对特定色彩和符号的潜意识反应差异，这在指导国际合拍片或跨文化传播项目时，具有不可替代的指导价值。这本书的学术深度，让我不得不放慢阅读速度，经常需要查阅其他相关资料来佐证作者的观点。它提供的不是“标准答案”，而是一套可以用来挑战和反思现有制作范式的工具箱。这种启发式的教学方法，极大地激发了我对媒介伦理和观众心理学的兴趣，可以说，它拓展了我对“影视制作”这个领域的边界认知。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧设计，也体现出一种朴实而专业的态度。没有过度花哨的封面，内页用纸的质感适中，长时间阅读下来也不会感到眼睛疲劳。值得称赞的是，随书附带的资源链接和案例库，更新频率很高，这在更新速度极快的影视行业中显得尤为重要。我特别喜欢书中收录的几篇资深从业者的访谈录，那些前辈们分享的“现场经验”，充满了只有在片场摸爬滚打才能积累的智慧，比如如何处理突发的设备故障、如何与不同部门的同事进行有效沟通。这些“软技能”的强调，体现了作者们深刻的行业洞察力，他们明白，再精湛的技术也需要强大的团队协作和应变能力来支撑，这让这本书从一本技术手册升华为一份职业素养的指南。

评分☆☆☆☆☆

这部厚重的教材摆在桌上，首先给人的感觉就是内容扎实，排版清晰。翻开扉页，那份对媒介实践的敬畏感便油然而生。我尤其欣赏作者在引入新技术趋势时的谨慎与前瞻性，他们没有一味地追逐光怪陆离的数字特效，而是回归到最核心的叙事原理上。比如关于镜头语言的阐述，书中对景别、角度、运动的解析，细致到仿佛能让人在脑海中构建出一个完整的虚拟片场。那种对“为什么这么拍”而不是“怎么用软件拍”的深度挖掘，对于初学者来说，无疑是建立正确审美观的基石。我记得书中花了相当大的篇幅来讨论照明的“情绪烘托作用”，而不是仅仅停留在三点布光法的基础教学上，这种人文关怀与技术操作的完美结合，让整本书的格调瞬间拔高，远非市面上那些肤浅的操作手册可比。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，初读时，我对书中关于“数字影像的解析度与色彩空间”的章节感到有些畏惧，那些大量的技术术语和参数定义，似乎让门槛显得很高。然而，作者们处理这些复杂概念的方式极其精妙，他们总是先用一个直观的日常例子来类比，然后再逐步深入到技术细节，仿佛在带领读者攀登一座由浅入深的知识阶梯。特别是他们对“代理工作流程”和“数字资产管理”的详尽介绍，让我这个习惯了胶片时代的思维定式的人，也能够迅速适应现代制片体系的高效运作。这本书的价值就在于，它不仅教会了你“如何使用工具”，更重要的是，它让你理解了“工具背后的逻辑”，使你能够在新旧技术交替的浪潮中，始终保持清醒的判断力和创造力，这才是真正意义上的“基础”教育。

评分☆☆☆☆☆

作为一名刚踏入媒体行业的“菜鸟”，我最头疼的就是如何将脑海中那些天马行空的创意，转化为可以被执行的拍摄方案。这本书在这方面简直就是我的“救命稻草”。它不像其他理论书籍那样高高在上，而是非常接地气地提供了大量“从概念到成品”的流程图解。尤其是在谈到声音设计和后期剪辑整合时，作者并没有把它们看作是独立的环节，而是紧密地编织在整个制作链条中。书中关于“非线性叙事”的章节，用几个经典的电影片段作为案例进行拆解分析，那种抽丝剥茧的讲解方式，让我第一次真正理解了节奏感是如何通过画面的长短和声画对位的微妙变化来调控观众情绪的。读完后，我感觉自己不再是那个只会按录像键的新手，而是开始具备了初步的“导演思维”框架。

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