数字电影的技术与理论：全面深入解析数字电影技术兼顾理论与应用 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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朱梁，朱宏宣 编

图书标签:

• 数字电影
• 电影技术
• 电影理论
• 数字技术
• 影视制作
• 后期制作
• 电影摄影
• 色彩管理
• 视频工程
• 电影产业

出版社： 世界图书出版公司

ISBN：9787510070716

版次：1

商品编码：11559007

包装：平装

开本：16开

出版时间：2014-10-01

用纸：胶版纸

页数：256

字数：305000

正文语种：中文

编辑推荐

　　★北京电影学院影视技术系组织编写。
　　★关注最新最前沿的数字电影技术。

内容简介

　　《数字电影的技术与理论：全面深入解析数字电影技术兼顾理论与应用》详尽介绍了数字时代的电影技术发展，兼顾理论，回溯历史，侧重现状。主要内容包括3D技术发展、立体电影深度要素研究及摄制技术、数字电影制作工艺流程与色彩管理、小成本数字电影生产常用的数字摄影机性能与后期解决方案，以及数字修复、数字拷贝的研究等等。

作者简介

　　朱梁，北京电影学院影视技术系副主任、副教授，硕士研究生导师。2002年毕业于北京电影学院摄影系。主要研究方向为数字电影制作技术、立体和特种电影技术、电影特效技术等。北京市“青年骨干教师”。理论基础扎实，实践经验丰富。主讲《电影技术概论》《立体电影制作》《电影特效》《影片技术分析》等课程。曾作为主创核心成员参与拍摄制作《世博之光》《朝阳最美24小时》等数十部影视作品、专题片和广告，担任技术指导、摄影指导等工作。主持并参与多项国家级和省部级科研课题，曾参与《影视技术基础》等电影专业教材的编著工作。

　　朱宏宣，毕业于北京电影学院影视技术系，现任北京电影学院影视技术系助理研究员，从事数字电影后期制作相关方面的教学及研究，有扎实的理论基础及丰富的制作经验。先后参与完成近50部影视作品的后期制作，并撰写多篇电影后期制作方面的文章。

内页插图

目录

第一部分　3D 技术
第1 章　3D 电影技术发展简史
第2 章　立体电影深度要素研究
第3 章　立体节目摄制技术与技巧
第4 章　虚拟3D 摄影移轴技术研究
第5 章　生成3D 图像的多种实现方法
第二部分　制作流程
第6 章　浅谈电影后期制作流程的演变
第7 章　小成本数字电影的拍摄与后期制作过程中的影像质量控制方法
第8 章　小成本数字电影生产常用的数字摄影机性能、使用和后期解决
第9 章　小成本数字电影生产的工艺流程和优化
第10 章　影片《湘女萧萧》实例数字化修复研究
第三部分　色彩管理
第11 章　LUT 在电影色彩管理中的原理与应用
第12 章　基于特征点的LUT 色彩匹配算法
第13 章　色彩管理中的密度自动测量系统研究与实现
第14 章　数字中间片校色过程中的色彩管理概述
第15 章　现代影视制作系统中的影调传递
第四部分　存储与运算
第16 章　基于ISO 国际标准的电影数字拷贝校验算法研究
第17 章　基于中央存储系统的电影数字后期制作流程研究
第18 章　集群式并行高性能运算技术分析及其在数字电影拷贝制作系统中的应用
第19 章　DCI V1.0 数字电影编解码系统关键技术研究
第20 章　DCI 数字电影图像质量客观评价方法研究
第21 章　DCI 数字立体电影编码的设计与实现

精彩书摘

　　第一部分　3D 技术
　　第1 章　3D 电影技术发展简史
　　3D 电影在20 世纪20 年代就已经出现，经历了几度兴衰更迭，在21 世纪迎来了新一轮的热潮。随着2009 年末电影《阿凡达》的问世，3D 电影进入全盛时期。
　　3D 电影的制作、放映技术多种多样，在过去的一百多年中，随着3D 电影的数起数落，其相关技术也经历了数次更迭。本章以时间为线索，大致梳理了3D 电影技术发展进程中，不同时期的主要技术和代表电影。
　　3D 电影技术的发展大致经历了以下几个时期：诞生之初、第一次黄金期、单条胶
　　片格式复苏期、第二次黄金期、数字立体复兴期。
　　1.1　诞生之初（19 世纪末—1952 年）
　　立体电影的起源最早可以追溯到19 世纪90 年代晚期，英国电影先驱威廉·弗里斯·格林（William Friese-Greene）将两个电影拷贝并排（side-by-side）投映到银幕上，观众通过立体透镜（stereoscope），将两个影像汇聚成一个来观看，由此实现了活动影像的立体再现。由于该方法采用生硬的机械原理，装备繁琐复杂，所以并没有付诸影院实践。
　　下一次记载在册的3D 电影放映则到了电影诞生20 年之后。1915 年6 月10 日，埃德温·鲍特（Edwin S. Porter）和威廉·E·沃戴尔（William E. Waddell）在纽约阿斯特（Astor）剧院进行了一次试映，放映了三个片段，均为由相距2.5 英寸的镜头同时拍摄成的两组画面。放映时观众佩戴红绿眼镜观看，但由于画面质量过低，影片试映后便再无音信。
　　公认的第一部进行商业放映的3D 影片是《爱的力量》（The Power of Love），该片由哈利·K·菲尔沃（Harry K. Fairall）任制片，罗伯特·F·埃尔德（Robert F. Elder）任摄影，于1922 年9 月27 号在洛杉矶的大使酒店戏院（Ambassador Hotel Theater）首映。它是历史上最早使用双机放映的立体电影，使用的是红绿分色眼镜。
　　同样是在1922 年，劳伦·哈蒙德（Lauren Hammond）和威廉·卡西迪（William Cassidy）推出了Teleview 系统，并在纽约的赛尔文剧院（Selwyn Theater）放映了影片《火星来客》（The Man From M.A.R.S）。该系统在放映时使用两台连锁的放映机，高速地交替呈现左右眼影像（图1.1）。同时，剧院座椅扶手上的快门开关眼镜与之同步交替开合，利用观众的视觉暂留来产生立体影像。快门开关是由电动机发动的机械装置，能与放映机同步高速转动，当观众看到左边的画面时，快门遮挡住右眼的画面，反之亦然。该装置的立体效果出色，但是由于昂贵的设备费用，没有得到普及。然而，这种快门眼镜的方式启迪了后来流行的液晶快门眼镜，成为分色、偏振之外的另一种主流立体显示技术。
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前言/序言

电影制作流程的深度透视：从概念到银幕的实践指南 本书聚焦于现代电影制作的实际操作层面，详尽剖析从前期策划、中期拍摄到后期制作的每一个关键环节。它旨在为有志于投身影视行业，或希望系统了解当代电影生产机制的读者提供一套结构严谨、技术导向的实践蓝图。 第一部分：电影的诞生——前期策划与视觉设计 本部分将带领读者深入理解一部电影如何从最初的火花转变为可执行的制作蓝图。我们将避开纯粹的理论探讨，转而关注如何将创意转化为可操作的生产计划。 1. 剧本的结构化与市场分析： 我们将探讨剧本创作如何融入商业逻辑。这包括对目标受众的精准画像，不同类型片（如惊悚、剧情、科幻）在叙事节奏上的差异化处理，以及如何通过结构分析（如三幕式、英雄之旅的变体）来优化故事的流畅性和市场吸引力。重点将放在“可拍性”上，即剧本中的场景如何被有效地分解为可拍摄的单位，并预估其资源需求。 2. 预算的精细化管理与资源分配： 电影制作的成败往往系于预算的控制。本章将详述如何建立一个详尽的电影预算表，涵盖人才薪酬、设备租赁、场景许可、保险以及不可预见的应急费用。我们将分析不同预算规模的电影在资源配置上的策略差异，例如，如何在有限的资金内最大化视觉效果的冲击力，或者如何通过优化排期来减少昂贵的片场等待时间。 3. 视觉概念的建立与沟通： 视觉指导（Art Direction）和美术设计是电影气质的奠基石。本节将侧重于如何通过故事板（Storyboard）、概念艺术（Concept Art）和虚拟预演（Pre-visualization，Pre-vis）来清晰地传达导演的视觉意图。我们会研究如何根据剧本的时代背景、地理环境和角色心理，设计出具有内在逻辑和情感共鸣的场景、服装与道具。这部分内容将详述这些视觉元素在与摄影指导（DP）和灯光师沟通时的技术语言。 4. 选角与排期策略： 高效的拍摄日程是控制成本的核心。我们将分析如何根据演员的档期、场景的地理位置和日夜光照条件来制定一份逻辑严密的拍摄日历。此外，选角过程不仅关乎演技，也涉及演员对角色的契合度、商业价值以及与其他团队成员的协作效率。 第二部分：捕捉光影——中期的现场执行 中期拍摄是创意实现的关键阶段，对技术执行力和现场应变能力有着极高的要求。本部分专注于现场操作的专业性与艺术性的结合。 1. 摄影技术与镜头语言的实践应用： 我们将深入探讨现代电影摄影机的功能与特性，不仅仅停留在参数介绍，而是聚焦于不同传感器、分辨率和宽容度对最终画面的影响。重点剖析镜头选择——广角、标准、长焦镜头如何服务于叙事目的（例如，制造压迫感或疏离感）。同时，我们会详细分析景深控制、对焦技术（包括手动对焦的精确操作）在复杂运动场景中的应用。 2. 灯光设计与环境模拟： 灯光是塑造情绪的无形之手。本章将系统介绍三点布光法、背景光、轮廓光等基础布光原理，并重点展示如何运用高级灯光技术来模拟特定时间、天气和物理环境（如水下、雾气、强烈阳光穿过树叶的光斑）。我们将讨论如何在有限的室内场景中，利用灯光技术创造出具有空间深度的感觉，以及如何与现场美术部门协同，确保灯光效果与场景陈设的完美融合。 3. 运动摄影与稳定技术： 现代电影对画面运动的需求日益增加。本部分将详细介绍各类运动设备的操作与维护，包括斯坦尼康（Steadicam）、电动稳定器（Gimbal）、滑轨（Dolly/Track）以及摇臂（Jib/Crane）的使用规范。我们将着重于如何通过运动本身来引导观众的注意力，以及在狭小空间内进行复杂运动镜头的预先规划和执行。 4. 现场声音采集与质量控制： 声音的质量直接影响观众的沉浸感。本章侧重于现场收音的实用技巧，包括麦克风的选择（吊杆麦、领夹麦的隐藏与摆放）、如何应对环境噪音（风噪、回声、交通声）的干扰，以及现场录音师与混音师之间的信息交接标准，确保同期声的清晰度和空间感。 第三部分：重塑现实——后期制作的工作流 后期制作是将所有零散素材整合、打磨并赋予最终面貌的阶段。本部分侧重于技术流程的整合与质量保障。 1. 剪辑的节奏控制与叙事重塑： 剪辑不仅仅是镜头的拼接，更是对时间流逝和情感节奏的精确控制。我们将分析如何通过选择合适的镜头长度、插入或删除片段来调整叙事张力。内容将涵盖非线性剪辑系统的操作流程，以及如何在与导演和制片人合作中，平衡艺术追求与制作时长的现实限制。 2. 调色与视觉一致性： 调色是赋予电影最终“外观”的关键步骤。本节将探讨色彩理论在电影中的应用，如何通过色彩分级（Color Grading）来定义电影的基调和情绪。我们会详细介绍色彩校正（Color Correction）与色彩分级的技术区别，以及如何确保全片上百个镜头在色温、曝光和色彩饱和度上保持高度统一的专业标准。 3. 特效与视觉呈现的整合（VFX Workflow）： 视觉特效（VFX）已成为主流电影不可或缺的一部分。本章将聚焦于特效的制作流程，从前期视效预估、资产创建、三维跟踪（Tracking）到合成（Compositing）。我们将强调在拍摄现场就为后期特效团队预留数据和参考（如拍摄测量数据、灰度卡的使用），以确保数字元素与实拍画面的无缝融合。 4. 声音设计与混音的最终定型： 声音的最终处理决定了观众的听觉体验。本部分将详述对白清理、拟音（Foley）、音效设计与背景音乐的整合过程。重点在于影院放映标准下的多声道混音（如5.1或杜比全景声）的制作规范，确保声音元素在不同播放环境下都能达到预期的动态范围和清晰度。 本书的价值在于，它提供了一套从创意概念到最终发行的，以技术执行为核心的实战手册，为电影制作者提供了一条清晰、可复制的、贯穿始终的工作路径。

评分☆☆☆☆☆

这套书的装帧设计实在太抓人眼球了，封面那种深邃的蓝色调配上一些光影变幻的抽象线条，一下子就让人感受到数字影像的科技感和艺术张力。我本来对技术书籍有些望而却步，总觉得会是枯燥的公式和晦涩的术语堆砌，但翻开目录才发现，作者显然花了很多心思在内容组织上。比如，它不是简单地罗列技术名词，而是试图构建一个完整的知识体系，从早期的胶片到如今的4K、8K数字采集的原理，再到后期处理中的色彩科学，脉络清晰得让人惊喜。特别是关于高动态范围（HDR）的那一章，作者没有停留在概念层面，而是深入探讨了不同厂商的色域标准和工作流程差异，对于一个刚接触数字后期制作的新手来说，这种实战性的解析简直是雪中送炭。而且，书中的配图质量非常高，很多都是专业的流程图和设备剖面图，辅助理解那些复杂的信号处理过程时，直观性远超纯文字描述。这本书给我的第一印象是：它不仅仅是一本教科书，更像是一本精心制作的、充满行业洞察的“工具箱”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容广度令人咋舌，它真正做到了“全面深入”。我原本以为它会侧重于某一特定领域，比如虚拟制片或者数字调色，但实际上，它覆盖了从前期采集的镜头选择标准、到中期数据管理（DMT），再到后期交付的编码标准和发行链条的每一个关键环节。尤其在谈到数字电影的档案保存和长期存储问题时，书中引用了多个国际电影机构的规范，并详细分析了不同文件格式（如DPX, TIFF, OpenEXR）在长期存储中的稳定性和互操作性挑战。这对于那些关注电影遗产保护和后期制作规范的专业人士来说，绝对是极具价值的参考资料。此外，作者对新兴技术如实时渲染引擎在影视制作中的应用也给予了足够的篇幅，展现出对行业前沿动态的敏锐捕捉，确保了这本书的时效性。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，最大的感受是它成功地搭建了一座从“学院派理论”到“工业级实践”的桥梁。很多技术手册往往只关注“怎么做”，而这本书则深入挖掘了“为什么要这么做”。例如，在介绍电影色彩分级（Color Grading）时，它不仅罗列了LUTs（查找表）的操作步骤，更结合了人眼视觉生理学和电影史上的光照美学，解释了为什么某些特定的色彩倾向能更好地烘托特定类型片的情绪基调。这种深入到“审美哲学”层面的剖析，让读者在掌握技术工具的同时，也培养了批判性的审美能力。我发现，我不再仅仅满足于按下渲染按钮，而是开始主动思考每一个技术决策背后的艺术动机。这种思维方式的转变，是任何一本浅尝辄止的技术读物都无法给予的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事风格非常独特，它采用了一种对话式的、循序渐进的引导方式，仿佛一位耐心的导师在手把手地解构复杂的流程。对于我这种非科班出身的爱好者来说，很多原本被视为禁区的技术黑箱，都被这本书拆解成了可理解的模块。比如，在讲解声音与图像同步的元数据处理时，作者用了一个非常生活化的比喻来解释时间码（Timecode）的绝对性和相对性，一下子就打通了我对复杂时间轴同步的理解障碍。另一个值得称赞的地方是，书中对不同文化背景下的数字电影制作特点有所提及，虽然篇幅不长，但这种全球化的视野避免了将好莱坞的工作流程视为唯一标准的局限性。总之，这本书不仅仅传授知识，更重要的是培养了一种系统思考、全面掌握数字电影制作全貌的能力。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，就像是跟着一位经验丰富的老电影制作人进行了一次沉浸式的“幕后考察”。我特别欣赏作者在探讨理论基础时所保持的审慎态度。比如，在解析数字图像传感器的工作原理时，书中没有一味推崇最新的技术指标，而是用大量的篇幅对比了不同CMOS和CCD技术的优劣，以及它们如何影响最终画面的颗粒感、动态范围和色彩还原的“质感”。这种对媒介本体的深刻理解，让技术不再是冰冷的代码，而是有了温度和艺术指向的选择。更让我印象深刻的是，书中对“真实感”与“电影感”的哲学探讨。作者巧妙地将光场记录、渲染方程等计算机图形学的核心概念，与导演的叙事意图结合起来，探讨数字技术如何服务于情感表达而非仅仅追求超高分辨率的感官刺激。这种跨学科的融合视角，极大地拓宽了我对“电影制作”的理解边界，让我开始思考，在未来，我们究竟在用什么样的语言讲述故事。

评分☆☆☆☆☆

电影技术基础参考书！

评分☆☆☆☆☆

为了凑单买的。还没有看。

评分☆☆☆☆☆

挺好的！还没看！哈哈哈哈

评分☆☆☆☆☆

有时间就回顾一下下！！！！！

评分☆☆☆☆☆

好好好好好好好好好好好

评分☆☆☆☆☆

凑单的专业书，还行吧。

评分☆☆☆☆☆

好书!

评分☆☆☆☆☆

电影技术基础参考书！

评分☆☆☆☆☆

还没看内容就不评价了 包装很好没有坏！