音乐欣赏手册（续集） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李聪，王从余 编

图书标签:

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• 鉴赏

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805530345

版次：1

商品编码：11477029

包装：平装

开本：16开

出版时间：2014-05-01

用纸：胶版纸

页数：69

内容简介

李聪的《手风琴世界杯流行金曲》收入了国际赛事中的大量名曲，如《欢乐的雷格》《布莱尔的旋律》的作品，该书是一本具有一定价值的手风琴曲集。

作者简介

李聪是上海师范大学音乐学院院长，著名手风琴演奏家。

前言/序言

音乐鉴赏之钥：一部探寻声响世界的深度指南 作者：[此处可填写真实作者姓名或留空] 书籍信息： 书名： 音乐鉴赏之钥 定位： 系统性、跨风格的音乐理论与历史入门读物 目标读者： 音乐爱好者、初级学习者、希望系统提升鉴赏能力的听众 --- 导言：开启通往声音世界的门户 我们生活在一个被声音包围的世界，然而，有多少人真正“聆听”了音乐？《音乐鉴赏之钥》并非旨在取代任何特定的、专注于某一领域（如您提到的“续集”）的深入参考书，而是作为一座坚实的桥梁，将听众从单纯的“喜欢听”提升到“理解听”的层次。本书的核心理念是，音乐的魅力不仅在于其情感冲击力，更在于其精密的结构、深厚的历史背景以及跨越时代的文化意义。 本书摒弃了枯燥的学术腔调，以一种鼓励探索和实践的姿态，引导读者逐步揭开音乐的层层面纱。我们相信，理解音乐的运作原理，能够极大地丰富每一次聆听的体验，使之不再是线性的信息接收，而是一场多维度的智力与情感交锋。 第一部分：音乐的基石——声音的物理与理论 在深入探讨具体的曲目和流派之前，我们需要建立一个共同的语言基础。本部分聚焦于构成音乐最基本的元素，力求用清晰、直观的方式解释抽象的音乐概念。 第一章：音高、节奏与力度：音乐的“三原色” 本章细致解析了音高（频率与音程）、节奏（节拍、小节、韵律）和力度（强弱变化、表情术语）这三大支柱。我们不仅仅定义这些术语，更通过具体的范例——例如巴赫赋格中的精确节拍划分，或德彪西对力度微妙渐变的运用——来展示它们如何共同构建起音乐的骨架。特别探讨了不同文化背景下，对节奏理解的差异性。 第二章：和声的逻辑与色彩：从三和弦到十二音体系 和声是音乐的“空间感”和“情感张力”的来源。本章循序渐进地介绍了西方音乐理论中最核心的和声进行规律，包括调式、功能和声（主、属、下属关系）的构建。随后，我们穿越到浪漫主义末期，探讨了和声如何被“拓展”——半音阶的引入、增减和弦的运用，以及对传统调性的挑战，为理解现代音乐的复杂性打下基础。 第三章：曲式结构与形式分析：建筑学的听觉体现 音乐的形式是其逻辑性的体现。《音乐鉴赏之钥》详细解析了从简单的二部、三部曲式，到复杂的奏鸣曲式、回旋曲式以及赋格结构。本章强调分析不仅仅是“标记”，而是理解作曲家如何在有限的材料中实现无限的变化和统一性。我们将通过对比莫扎特与贝多芬在处理同一音乐形式时的处理手法，揭示不同时代审美观的差异。 第二部分：历史的纵深——音乐风格的演变轨迹 本部分提供了一部宏观的西方音乐史框架，重点在于理解每一次风格的转变是如何根植于当时的社会、哲学和技术背景之中的。 第四章：中世纪与文艺复兴：宗教的庄严与人文的觉醒 本章追溯音乐从单一的格里高利圣咏，如何发展出复调的结构。我们关注早期复调作曲家（如佩罗坦、帕莱斯特里纳）如何平衡信仰的约束与对声音美感的追求。文艺复兴时期对“人文主义”的回归如何影响了世俗音乐（如牧歌）的写作，使其情感表达更加细腻。 第五章：巴洛克：情感的结构化与对位法的巅峰 巴洛克时代是音乐逻辑与情感表现力空前结合的时期。本章深入探讨了数字低音的实际操作、歌剧的诞生与早期发展，以及对位法的最高成就。通过聚焦巴赫与亨德尔，我们解析了如何在大规模的结构中，保持声部间的清晰对话与内在的统一性。 第六章：古典主义：清晰、平衡与“自然”的追求 古典主义时期，音乐摆脱了巴洛克的繁复装饰，追求清晰的线条、均衡的结构和清晰的情感表达。本章重点解析了奏鸣曲式如何成为该时代最重要的表达工具，并分析了海顿、莫扎特如何将交响乐和室内乐推向成熟的范式。 第七章：浪漫主义的激情与个性的解放 随着启蒙运动影响的深化，作曲家开始将个人情感、文学叙事和民族精神融入音乐。本章涵盖了从舒伯特的艺术歌曲到瓦格纳的“整体艺术作品”的过渡。我们探讨了标题音乐的兴起，以及管弦乐队规模的空前扩张如何成为表达宏大情感的必要手段。 第八章：二十世纪的破碎与重构：多元化时代的来临 这是一个音乐语言剧烈动荡的时代。本章不回避现代音乐的“晦涩”，而是将其视为对传统规范的必然反叛。从印象派（德彪西）对音色的探索，到无调性（勋伯格）的结构革命，再到斯特拉文斯基对原始节奏的挖掘，我们旨在帮助读者理解这些看似“刺耳”的声音是如何回应工业化和两次世界大战的社会冲击。 第三部分：流派的广度——从古典到跨界 本书旨在培养一种普适性的鉴赏能力，因此，我们也需要将视野拓展到传统古典音乐之外的广阔领域。 第九章：爵士乐的即兴精神与和声演变 爵士乐是二十世纪最重要的美国艺术形式之一。本章分析了布鲁斯音阶的基础，从早期新奥尔良的集体即兴，到摇摆乐的律动，再到比波普的和声复杂化。重点讨论了即兴创作在爵士乐理论体系中的核心地位，以及它对古典作曲家（如拉威尔、格什温）的影响。 第十章：流行音乐的结构与文化符号 流行音乐并非简单的“口水歌”。本章运用结构分析的方法，解构常见的流行歌曲形式（如AABA），探讨歌曲的“钩子”（Hook）是如何在心理学上实现记忆和传播的。同时，我们分析了摇滚乐、电子乐等流派在技术革新（如合成器、采样的运用）方面如何推动了音乐制作的边界。 第十一章：民族音乐学导论：世界的声响地图 为了避免西方中心主义的局限，本章简要介绍了非西方音乐体系的关键概念，例如印度斯坦尼音乐的“拉格”（Raga）系统、印度尼西亚加美兰音乐的复合节奏，以及非洲鼓乐的多重节奏叠加。这部分旨在拓宽读者的“听觉词汇”，理解不同文化如何使用相似的物理元素（音高、节奏）来构建截然不同的意义系统。 结语：持续的聆听与个人的发现 《音乐鉴赏之钥》提供的是一套工具，而不是一套固定的答案。真正的鉴赏能力来自于反复的聆听、不断的比较，以及将所学理论应用于实际作品的实践。我们鼓励读者，在掌握了这些基础知识后，勇敢地去挑战那些初听时感到陌生的作品，因为在那里，往往蕴藏着最深刻的艺术启示。音乐的旅程永无止境，本书只是你踏上这段旅程的第一步。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对音乐充满好奇但又缺乏系统学习的人，我一直苦恼于如何才能真正地“听懂”音乐。这本《音乐欣赏手册（续集）》的出现，无疑是我在这条探索之路上遇到的惊喜。它并没有用高深莫测的理论吓倒我，而是以一种循序渐进、娓娓道来的方式，引导我一步步走进音乐的奥秘。我尤其喜欢书中关于20世纪现代音乐的章节，那些曾经让我感到“难以理解”的旋律，在这本书的梳理下，变得清晰了起来。作者不仅解释了十二音体系、序列音乐等概念，更重要的是，他让我明白了这些音乐实验的背后，是作曲家们对音乐语言的勇敢探索和对现有规则的挑战。我尝试着去聆听一些过去认为“太前卫”的作品，这一次，我不再感到困惑，而是能够捕捉到其中蕴含的创新精神和独特的艺术魅力。书中还提到了许多不同国家和地区的音乐风格，让我拓宽了视野，认识到音乐的世界是如此丰富多彩。这本书真的让我从一个被动的听众，变成了一个更积极、更具洞察力的欣赏者。

评分☆☆☆☆☆

我一直以来都觉得音乐欣赏是一件非常主观的事情，每个人听到的感受都不尽相同，所以总是难以找到一个统一的“标准”。但《音乐欣赏手册（续集）》的出现，让我看到了理解音乐的另一种可能性。它并没有试图将所有人的感受统一起来，而是提供了一种更加客观、更有条理的欣赏框架。我对书中关于不同音乐形式的分类和介绍非常赞赏，比如歌剧、清唱剧、室内乐等，让我对音乐的整体结构有了更清晰的认识。我特别喜欢关于歌剧的部分，书中不仅仅介绍了著名的歌剧作品，更重要的是，它解释了音乐如何与戏剧、舞台表演相结合，如何通过唱腔、旋律来塑造人物性格，表达复杂的情感。我尝试着对照书中的建议去观看一些歌剧，这一次，我不再仅仅被华丽的唱段所吸引，而是能够更深入地理解剧情的发展，体会音乐在叙事中的关键作用。这本书让我明白了，欣赏音乐也可以是一种严谨的探索，它能够帮助我建立起一套自己的音乐理解体系，从而更好地享受音乐带来的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐欣赏手册（续集）》简直像是我音乐启蒙旅途中的一座灯塔，照亮了我之前一直摸索不清的音乐世界。我一直以来都对音乐抱有浓厚的兴趣，但总感觉自己只是一个被动的聆听者，对音乐背后的故事、作曲家的创作意图、不同时期音乐风格的演变知之甚少。翻开这本书，我才发现自己之前的理解是多么肤浅。作者用一种极其平易近人的方式，将那些原本听起来有些晦涩的音乐理论和历史知识娓娓道来。我特别喜欢它对巴洛克时期音乐的解读，从维瓦尔第的《四季》到巴赫的赋格，书中不仅分析了它们的结构和技巧，更重要的是，它让我体会到了那个时代人们的情感表达和对自然的敬畏。我尝试着对照书中提供的建议去聆听，那些曾经只是背景音的旋律，如今在我耳中变得鲜活起来，仿佛一个个故事在眼前徐徐展开。书中对不同乐器音色的描绘也让我受益匪浅，我开始能够区分出小提琴的悠扬和圆号的厚重，也能理解为何斯特劳斯会如此钟爱圆号的音色。这本书真的让我从“听”音乐升级到了“懂”音乐，极大地丰富了我对音乐的感知层次。

评分☆☆☆☆☆

我一直以为自己是个懂得欣赏音乐的人，直到读了这本《音乐欣赏手册（续集）》，才明白之前的“懂得”有多么浅薄。这本书就像一位经验丰富的向导，带着我深入了古典音乐的殿堂，揭示了那些隐藏在旋律背后的精妙之处。我对书中关于印象派音乐的阐述印象尤为深刻，德彪西的《月光》和拉威尔的《波莱罗》在我心中有了全新的定义。过去，我只是觉得它们很“美”，很“有感觉”，但现在，我能更具体地感受到作曲家如何运用色彩般的和声来描绘光影变幻，如何通过节奏的渐变来营造出梦幻般的氛围。书中对于浪漫主义时期音乐的情感张力和戏剧性描绘也让我惊叹不已，柴可夫斯基的交响曲不再只是悲伤或激昂的宣泄，而是充满了个人化的情感体验和对人生哲学的探索。我尤其欣赏作者在分析具体作品时，并没有枯燥地罗列技术术语，而是巧妙地将音乐的结构、动机的发展与作曲家的生活经历、当时的社会背景相结合，使得音乐的理解变得生动而富有层次。这本书让我明白了，欣赏音乐不仅仅是耳朵的享受，更是心智的交流和情感的共鸣。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出现，可以说是彻底颠覆了我对音乐欣赏的认知。我一直以为自己对音乐已经有了不错的理解，直到我翻开了《音乐欣赏手册（续集）》。它不仅仅是一本介绍音乐的书，更像是一本开启我音乐灵魂的钥匙。我非常喜欢书中对一些经典交响曲的深入剖析，尤其是贝多芬的《命运交响曲》。过去，我只是听到了那几个著名的动机，但书中详细地讲解了这些动机如何在整部作品中发展、变形，以及它们如何构建出强烈的戏剧冲突和深刻的人性思考。作者的文字极富感染力，让我仿佛置身于那个时代，与作曲家一同感受创作的激情。我最受触动的是关于奏鸣曲式的讲解，它不再是枯燥的乐章划分，而是作者用生动的比喻，将乐章的起承转合、主题的对比与融合描绘得淋漓尽致，让我真正体会到了古典音乐的逻辑之美和结构之巧。这本书让我意识到，欣赏音乐的关键在于理解其内在的逻辑和情感的流动，而不仅仅是表面的旋律。