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王嵘 著

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• 艺术史

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出版社： 云南人民出版社

ISBN：9787222046610

商品编码：11481507090

包装：平装

出版时间：2006-03-01

基本信息

书名：西域艺术史

：125.00元

作者：王嵘

出版社：云南人民出版社

出版日期：2006-03-01

ISBN：9787222046610

字数：754000

页码：388

版次：1

装帧：平装

开本：

商品重量：0.822kg

编辑推荐

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古代西域艺术文化，是一个五彩斑斓的奇异梦幻，又是一个确确实实的客观存在。本书由上编原始艺术、中编佛教时期艺术、下编伊斯兰教时期艺术三大部分组成。
本书从出土文物、遗址遗存、传统文化与习俗等各个层面申发开来，详尽论述了西域艺术的源流、发展以及在原始阶段、佛教流行时期、伊斯兰教流行时期西域各民族在艺术上取得的辉煌成就。

内容提要

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本书分上、中、下三篇，上编：原始艺术，中编：佛教时期艺术，下编：佛斯兰教时期艺术。这样划分，只是一个大致的时限分期。如原始艺术的内容，不仅是产生于原始社会的艺术，而且还包括有文明历史以后一切处于原始文化状态，具有“原始性”特征的游牡民族、部族“艺术”；佛教时期艺术主要指佛教传入西域至佛教在西域衰落期间的西域艺术。“佛教时期艺术”并不是“佛教艺术”的转换称谓，这一时期虽然以佛教艺术为代表，却不是单一的佛教艺术一统西域，而是还有其他宗教的艺术和不属于佛教范畴的民族民间的本土艺术活跃其间；同样，“伊斯兰教时期艺术”也不是“伊斯兰教艺术”的同义语，它只是指伊斯兰教传入西域至“西域”称谓被“新疆”称谓取代以前的西域艺术。本书对三个时期艺术的界定，主要是为了突出每个时段的叙述主体，并不存在排斥同一时期非主体艺术的问题。

目录

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自序
导言
上编 原始艺术
章 原始艺术概说
节 原始艺术的共性和个性
第二节 异峰突起的西域原始艺术
第二章 石器艺术
节 原始人类举起把石刀
第二节 石器怎么变成了艺术品
第三章 陶器艺术
节 火与泥土的杰作
第二节 美妙的器表纹饰
第四章 岩画艺术
节 刻在石头上的形象“史书”
第二节 西域岩画的文化意义
动物和牧猎主题
生殖崇拜王题
巫术与宗教主题
征战与迁徙主题
舞蹈主题
第三节 西域岩画的艺术风格
稚拙简朴的原始风格
以具象为特征的写实风格
以抽象为特征的写意风格
多义性的无定型风格
第五章 石雕艺术
节 神奇的鹿石雕刻
第二节 怪异的石人雕刻
藏匿深山草原的石人
草原部落人像写真
第六章 歌舞艺术
节 文献和传说中的西域歌舞
第二节 图像数据中的西域歌舞
第三节 西域歌舞与原始艺市的起源
中篇 佛教时期艺术
第七章 佛教时期艺术概说
节 佛教来自近邻
第二节 扣动心扉的艺术形式
第八章 两汉时期西域艺术
节 两汉时期的西域
第二节 草原文化的摇篮
第三节 西域艺术与东西方艺术
西域艺术在中原
中原艺术在西域
西方艺术的影响
第四节 佛教文化在西域的传播
佛教初传西域
佛教艺术的滥觞
第九章 魏晋南北朝时期西域艺术
……
第十章 隋唐时期西域艺术
下编 伊斯兰教时期艺术
第十一章 伊斯兰教时期艺术概说
第十二章 宋辽金时期的西域艺术
第十三章 元明时期的西域艺术
第十四章 清朝时期的西域艺术
后记
附录一 王嵘著作及文论要目
附录二 拓荒、挑战与
——评王嵘新作《西域艺术史》

作者介绍

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文摘

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序言

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好的，这是一本关于中世纪欧洲建筑与雕塑的演变的图书简介，完全不涉及“西域艺术史”的内容。 --- 书名：石韵与信仰：中世纪欧洲建筑与雕塑的形塑之旅 内容提要： 本书旨在深入剖析西罗马帝国衰亡后至文艺复兴初期，欧洲大陆上磅礴兴起的基督教艺术——尤其是建筑与雕塑——如何在政治、宗教和社会结构等多重力量的驱动下，经历从早期基督教的朴素遗风到罗马式（Romanesque）的坚固肃穆，再到哥特式（Gothic）的轻盈飞扬的复杂历程。我们不再将中世纪视为“黑暗时代”，而是将其视为一场持续千年的、深刻的视觉与精神探索，探讨艺术如何成为中世纪社会理解自身、连接神性与人间的核心媒介。 第一部分：废墟上的重建——早期基督教与加洛林文艺复兴的萌芽（约 400 – 1000 年） 在古典文明的宏大叙事瓦解之后，欧洲的艺术语言被迫进行一场彻底的“重新学习”。本章首先考察了君士坦丁大帝对基督教的接纳如何催生了巴西利卡（Basilica）这一新的公共礼拜空间模式。我们细致分析了早期基督教的象征符号如何从隐秘的地下墓穴（Catacombs）走向公开的纪念性建筑，以及晚期罗马工艺对这一过渡期的影响。 随后，焦点转向查理曼大帝及其麾下精英所推动的“加洛林文艺复兴”。这并非对古典的简单模仿，而是一场有目的的文化复兴运动，旨在恢复“罗马的光荣”。本书特别关注了阿亨礼拜堂（Palatine Chapel）的结构特征，它如何借鉴了拜占庭的集中式布局，并试图以一种全新的、带有地方色彩的方式，重建帝国权威的视觉象征。在雕塑方面，我们审视了这一时期手抄本插画（Illuminated Manuscripts）的复兴，特别是其对动物纹样和线性风格的创新运用，这些都为后来的罗马式艺术奠定了初步的叙事基础。 第二部分：坚固的信仰堡垒——罗马式艺术的地域性与统一性（约 1000 – 1150 年） 进入十一世纪，随着修道院运动（特别是克吕尼 Cluny）的兴盛和欧洲内部贸易路线的重新连接，一种具有鲜明地域特征的“罗马式”风格开始在法国、西班牙、德意志和意大利北部等地开花结果。本部分的核心论点是：罗马式艺术的共同性在于其对厚重墙体、半圆形拱券（Round Arch）和拱顶（Vaulting）的共同追求，这种对稳定性的强调，直接反映了社会对秩序和安全的渴望。 在建筑方面，我们详细解读了朝圣路线（Pilgrimage Routes）如何塑造了重要的朝圣教堂的平面布局，如圣地亚哥-德孔波斯特拉大教堂。厚重的墩柱（Piers）和较低的拱顶限制了光线的进入，营造出一种内敛、神秘的宗教氛围。 雕塑部分，我们将重点置于这些教堂的壁门楣（Tympanum）之上。这些雕塑群是当时“无法识字的民众的圣经”。通过对莫萨克（Moissac）和韦兹莱（Vézelay）等地的雕塑群进行细致的符号学解读，我们分析了“最后的审判”、“基督的升天”等主题如何被处理得极具张力和表现力，强调了神圣秩序的威严与恐怖。此外，我们还探讨了罗马式石棺、讲坛和金属工艺品如何共同构建了一个充满象征意义的视觉宇宙。 第三部分：向光而生——哥特式艺术的结构革命与精神升华（约 1150 – 1450 年） 本书认为，哥特式（Gothic）艺术并非是对罗马式的简单“轻量化”，而是一场基于结构工程学和神学思辨的彻底革命。我们追溯了这场革命的发源地——法兰西岛（Île-de-France）及其主导者圣丹尼修道院的管理者苏热（Abbot Suger）。苏热所追求的“光之神学”（Lux Nova）成为理解哥特式建筑的钥匙。 建筑的解析： 哥特式建筑的核心在于三个关键技术：肋拱（Rib Vaulting）、飞扶壁（Flying Buttresses）和尖拱（Pointed Arch）。本书将通过详细的图解和工程学分析，阐释这些元素如何协同作用，将侧推力导向地面，从而解放了墙体，使其得以被巨大的彩色玻璃窗取代。沙特尔（Chartres）、兰斯（Reims）和亚眠（Amiens）等宏伟的大教堂被作为范例，研究它们如何将内部空间转化为一个由彩色光线构筑的、令人敬畏的“天堂镜像”。 雕塑的转向： 哥特式雕塑则标志着从中世纪晚期向人文主义的过渡。早期哥特雕塑（如沙特尔西立面）虽然仍依附于建筑柱子，但人物形象开始展现出前所未有的自然主义倾向和情感表达。我们在本书中详细对比了“柱式雕像”与成熟哥特时期雕像（如兰斯大教堂的《天使报喜》组雕）在衣褶处理、身体姿态和面部表情上的细腻变化，揭示了艺术家们如何开始关注个体的人性维度，尽管他们仍然服务于教会的教义。 第四部分：地域的变奏与艺术的遗产 最后一部分探讨了哥特式风格在欧洲不同地区的“地方化”过程。例如，英国的垂直式（Perpendicular Style）如何强调垂直线条和巨大的窗格；德意志的“三堂式教堂”（Hallenkirche）如何处理开阔的内部空间；以及意大利的哥特式（如佛罗伦萨圣母百花大教堂）如何因其对古典传统的执着而呈现出更为稳固和线性的特点。 本书总结道，中世纪艺术的遗产在于其强大的叙事能力和结构创新。它成功地将一个复杂而充满矛盾的信仰体系，通过坚固的石头、绚烂的玻璃和生动的人物，转化为欧洲文明史上最为动人心魄的视觉体验。 本书特色： 跨学科视角： 融合了艺术史、建筑工程学、中世纪神学与社会史的最新研究成果。 详尽的图解分析： 大量采用剖面图、平面图及细节放大图，帮助读者理解复杂的结构逻辑。 重新评估： 对“黑暗时代”的偏见进行批判性反思，展示中世纪在艺术上的持续进步与贡献。 适合读者： 艺术史专业学生、建筑史爱好者、中世纪文化研究者，以及所有对欧洲精神文化史感兴趣的普通读者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计着实吸引人眼球，那种古朴的色调和带有异域风情的图案，让人一翻开就仿佛穿越回了那个神秘的西域。我原本以为它会是一本枯燥的学术专著，但翻阅之后才发现，作者的笔触极为细腻，文笔流畅自然，完全不像传统史书那样刻板。最让我惊喜的是，书中对材料和细节的考证达到了令人咋舌的程度，每一处插图、每一张图表的背后，似乎都凝聚着作者多年奔波于田野间的汗水。读着读着，我脑海中那些模糊的古老形象便变得立体起来，敦煌壁画上的飞天、克孜尔石窟里的佛像，乃至丝绸之路上那些被风沙掩埋的陶俑，都仿佛在我眼前活了过来。作者不仅在叙述历史脉络，更是在讲述一个个鲜活的艺术生命的故事，这种情怀的注入，使得阅读体验充满了沉浸感。特别是在论述不同文化交融时，那种深入骨髓的洞察力，让人不得不佩服作者深厚的学养和广阔的视野。

评分☆☆☆☆☆

这本书的版式设计和装帧质量绝对是业内顶尖水准，这一点不容忽视。纸张的质感厚实，印刷的色彩还原度极高，尤其是那些跨页的大幅彩图，细节纤毫毕现，完全满足了视觉审美的要求。很多时候，我们阅读历史类的书籍，往往因为图文并茂的质量不佳而大打折扣，但在这本书里，每张图片都像是经过精心挑选和处理的艺术品，它们与文字的配合堪称天作之合，起到了“画龙点睛”的作用。即便是那些晦涩难懂的理论阐述，一旦配上恰到好处的实例图片作为佐证，立刻变得清晰明了，这种对阅读体验的尊重，实在值得称赞。

评分☆☆☆☆☆

老实说，市面上关于古代文明的书籍汗牛充栋，但真正能做到深入浅出、兼具学术严谨性与大众可读性的作品却凤毛麟角。这本让我看到了希望。我最关注的是书中对“图像学”的解读部分，作者似乎拥有一种解读符号背后潜藏意义的魔力。比如，对某一类特定手势的多次出现，作者不仅给出了它在宗教上的标准解释，还结合当时的社会心态和世俗信仰，给出了多维度的阐释，这极大地丰富了我对那些静态图像的想象空间。读完全书，我感觉自己不再是简单地“看”这些艺术品，而是开始“理解”它们所处的时代语境，以及它们所承载的人类精神需求的变迁。这种由表及里的探究过程，是阅读其他同类书籍时较少获得的体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排颇具匠心，它没有采用那种传统的年代线性叙事，而是采取了一种更加侧重于主题和地域板块的划分方式，这对于初次涉猎这个领域的读者来说，无疑降低了理解的门槛。我特别欣赏作者在梳理不同艺术流派之间的相互影响时所采用的对比手法，它不是简单地罗列异同，而是深入剖析了文化基因是如何在不同地域间发生“突变”与“融合”的。例如，在谈及犍陀罗艺术时，作者并没有将之视为一个孤立的存在，而是巧妙地将其与希腊化艺术的母题进行了细致的解构和重组，读完后我对“混合性”的理解提升到了一个全新的高度。这本书的行文节奏把握得非常好，该详略得当之处毫不含糊，该深入剖析之处又层层递进，让人在享受阅读快感的同时，也获得了扎实的知识体系支撑。

评分☆☆☆☆☆

我个人偏爱那种带有强烈个人观察和批判精神的论述，而这本书恰恰在这方面表现出色。作者的观点并非是亦步亦趋地重复前人结论，而是敢于提出一些令人耳目一新的质疑和重建。尤其是在探讨西域艺术对中原艺术的渗透与反作用力时，作者的论述角度非常新颖，她似乎更关注那些“被忽略的”地方性艺术实践，而不是仅仅聚焦于那些已经被过度解读的宏大叙事。这种“由边疆回溯中心”的视角，让我对整个中国古代艺术史的格局有了一种重新的认识。全书洋溢着一种求真务实的学风，但行文间又流淌着对古老文明的深情，读起来酣畅淋漓，感觉被一位经验丰富的向导带着走在一条前人未曾完全开辟的探索之路上。