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林洪桐著 著

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出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787550296015

商品编码：11685188701

出版时间：2017-04-01

作  者:林洪桐 著 定  价:68 出 版 社:北京联合出版公司 出版日期:2017年04月01日 页  数:318 装  帧:平装 ISBN:9787550296015 ●代序认真执著的林洪桐
●前言
●导读表演练习的观念
●部分“生命性”表演练习
●第1章动作情境练习
●1.1“无实物动作”练习
●1.1.1无实物练习的目的
●1.1.2无实物练习的要求
●1.1.3无实物练习的题例
●1.1.4无实物动作分解程序题例
●1.1.5活物无实物练习
●1.1.6逐步完善和完美
●1.2动作与目的练习
●1.2.1“做什么”练习
●1.2.2“为什么”练习
●1.2.3简单的单、双人动作练习
●1.3动作与情境练习
●1.3.1动作的“情境性”
●1.3.2简单的动作与情境练习
●1.3.3动作与情境练习
●部分目录

内容简介

林洪桐著的《表演训练法(从斯坦尼到铃木忠志)》是融汇当今世界范围内各流派表演训练方法的实用手册。全书建立在高效、简洁、个性等十大表演观念的基础上，引介了以斯坦尼体系及其分支迈尔·契诃夫、李·斯特拉斯伯格之表演方法为代表的生命性训练法，以及梅耶荷德有机造型术、格洛托夫斯基身体训练、铃木忠志下肢训练、雅·勒考形体戏剧、中性面具和小丑哑剧等身体性训练法。此外还结合了赵淼的三拓旗剧团、杨扬的形体表演创作课及李六乙导演的话剧《安提戈涅》来探索身体性训练法在靠前的运用。这些训练方法包罗万象，既包括生命感知、规定情境、想象力、交流与适应等练习，也包括台词、节奏、性格塑造和即兴表演。随书附有10小时的在线教学视频，生动直观。既是表演爱好者、初学者的入门书，也是表演教师、表演指导或演员的工具书。 林洪桐 著 林洪桐：编剧、导演；北京电影学院教授；特殊津贴专家。曾任金鸡奖靠前1、14、20届评委，及北京电影学院“学会奖”“学院奖”历届评委。创作影视剧本16部；导演影视剧10部、话剧22部；1960―1998年在北京电影学院表演学院教学，并在中央戏剧学院、上海戏剧学院、中国传媒大学、北京师范大学、中国艺术研究院、解放jun艺术学院等院校主讲电影表演艺术、电影表演理论、当代电影表演美学、电影观念与电影思维、电影佳片分析、电影与电影大师、银幕技巧与手段等课程；著有《表演应试手册》《表演艺术教程》等书，共计1200余万字。

舞台之魂：精进表演技艺的深度探索 导言：通往真实表演的桥梁 本书并非关注特定流派或技巧的“手册”，而是一次对表演艺术本质的深入探寻与实践指南。我们旨在为所有渴望提升自我表达能力、无论是专业演员还是舞台爱好者提供一个坚实的基础框架。在这个框架内，我们将剥离那些华而不实的表演“花招”，直抵演员内心深处与角色、文本、以及观众建立起真实、持久连接的路径。 我们承认，表演的魅力在于其不可复制性与当下性。因此，本书的重点不在于提供一套可以被死板遵循的“公式”，而在于激发学习者自身的感知力、创造力和对人性的洞察。我们相信，每一个伟大的表演都源于演员对自身情感的精准捕捉与对角色动机的透彻理解。 第一部分：理解表演的基石——感官与直觉的唤醒 表演的开端，不是动作，而是“感知”。如果演员无法敏锐地捕捉到环境、搭档的细微变化，那么所有的技术都将是空中楼阁。 1. 身体的重新校准：从僵硬到流动 许多初学者常常将身体视为一个需要被控制的工具，从而导致动作的僵硬与做作。本章将引导读者进行一系列针对性的身体练习，这些练习的目的并非是让身体做出特定的姿态，而是清除身体中潜意识的阻碍。 重力的对话： 我们将探讨演员如何与重力建立一种动态的关系，理解重力对情绪表达的影响。例如，悲伤时身体如何倾向于下坠，而兴奋时又如何试图挣脱地心引力。这不仅仅是物理现象，更是内在情绪的物理外化。 呼吸的韵律与情绪的容器： 呼吸是生命的节奏，也是情绪最直接的载体。我们将详细解析不同呼吸模式如何影响声带的共鸣、心率，进而影响角色的状态。这不是简单的“深呼吸”，而是学习如何让呼吸的深度、速度和位置准确地反映角色当前的心理活动——是压抑的浅呼吸，还是惊恐的短促喘息。 感官的放大与聚焦： 我们将通过高度集中的练习，训练演员区分和放大自身的五感。如何“看”而不只是“看见”？如何“听”而不只是“听到”？这种训练旨在打破演员对环境的习惯性过滤，使他们能像海绵一样吸收舞台上每一个细微的输入，为即兴反应和真实的互动做准备。 2. 情绪的溯源：动机与需求的挖掘 伟大的表演从不“假装”情绪，而是“经历”情绪的成因。本章着重于挖掘角色行为背后的“为什么”。 需求的层级分析： 借鉴心理学原理，我们将角色内心的驱动力解构为生存需求、情感需求和社会需求的不同层次。一个看似“愤怒”的场景，其核心需求可能是被尊重或渴望被爱。理解了核心需求，演员的愤怒才具有了不可动摇的逻辑性。 情境的构建与心理投射： 我们将教授如何通过想象力，将排练场或舞台空间转化为角色所处的具体环境。这要求演员将个人的记忆和经验转化为角色的“替代经验”，从而在安全的环境下，体验角色的极端情感。这并非要求演员彻底陷入痛苦，而是学习如何精确地“借用”情感的能量，并将其导向角色的目标。 第二部分：文本的解构与声音的雕塑 剧本是表演的地图，但地图本身并不能替代旅程。本部分关注如何将书面语言转化为富有生命力的舞台语言。 3. 文本的深层解码：潜台词的艺术 台词是角色明确表达的意图，而潜台词（Subtext）才是角色的真实意图与内心活动。 句子与意图的错位： 我们将练习如何通过不同的情绪状态来演绎同一句台词。重点在于，当演员说出“我很好”时，他内心真正渴望传达的可能是“请不要离开我”或“我受够了你的质问”。这种张力是戏剧冲突的温床。 节奏与停顿的力量： 停顿不仅仅是换气，它是一次思考、一次犹豫、一次决定。我们将分析句法结构与角色心理状态之间的关系，学习如何通过精妙的停顿来控制观众的预期和紧张感，使每一个字都承载重量。 4. 声音的维度：超越清晰度的共鸣 声音是演员最直接的乐器。然而，优秀的声音训练绝不只是追求字正腔圆。 音色与角色的匹配： 不同的角色拥有不同的“声音指纹”。本章将探讨如何根据角色的社会背景、教育程度、生理状态（如疾病、疲惫）来调整声音的质地、音高和音量，使声音本身成为角色信息的一部分。 空间的声音设计： 演员必须学会如何“填充”或“挑战”不同的空间。在一个巨大的剧场里，如何让亲密的耳语被有效传递？在狭小的空间里，又如何避免声音的压迫感？这涉及声音的投射技术，而非单纯的喊叫。 第三部分：互动、即兴与舞台的生态 表演不是独角戏，而是与其他元素之间持续的、动态的对话。 5. 真诚的互动：与对手建立连接 表演的火花常常在演员之间的化学反应中诞生。 接收与响应的艺术： 许多演员过于专注于自己下一句台词或下一个动作，错失了对手提供的宝贵信息。本章强调“接收”的重要性，训练演员将全部注意力放在对手的眼睛和身体上，实现“即时、真实、无保留”的反馈。 动作的“给予”与“接受”： 在舞台上，每一个动作都是一种“给予”。我给你一个拥抱，我给予你安慰；你给我一个眼神，你给予我审视。理解这种给予的意图，并确保接收方真实地感受到这份“礼物”，是建立可信关系的关键。 6. 瞬间的创造：即兴思维的训练 即兴表演不是为了娱乐效果，而是为了培养演员在压力下保持开放和创造力的能力。 “是的，而且…”原则的深化： 这是一个经典原则，但我们将更进一步探讨“是”背后的认同深度。不仅仅是接受对手提出的情境，而是要接受对手提出的“情感基调”和“动机”。 场景的“打开”与“关闭”： 学习如何在没有剧本引导的情况下，迅速构建一个有清晰目标、冲突和解决方案的微型场景，并在完成目标后优雅地“退场”，不拖泥带水，保持表演的紧凑性。 结语：回归表演的初心 本书最终导向的目标是实现“不演而演”的状态。当你深入理解了人性的复杂、精确地掌握了身体与声音的工具，并在与他人的互动中保持绝对的专注时，角色的“外壳”将自然而然地消失，剩下的将是角色在特定情境下的真实人性展现。这趟旅程是持续的探索，需要终身的投入与热情。

评分☆☆☆☆☆

老实讲，在阅读《表演训练法》的过程中，我时常感到一种“久旱逢甘霖”的畅快感。它的语言风格非常独特，既有学术研究的精准，又不失一种温和的引导性。它很少使用绝对化的词汇，更多的是提供“可能性”和“路径选择”。让我印象尤为深刻的是关于“人物动机链的视觉化呈现”这一章节。作者提出了一种非常直观的方法，将角色的每一个决定背后的深层需求，用图表或简笔画的方式记录下来，形成一个清晰的“行为树”。这种将抽象的心理过程具象化的做法，极大地帮助我这种视觉型学习者快速掌握角色的核心逻辑。我试着用这种方法去分析我正在准备的一个角色，发现过去那些感觉模糊、难以把握的情绪转折点，通过这种视觉化的梳理，立刻变得清晰可循，并且找到了支撑这些转折的坚实“逻辑地基”。这本书的伟大之处或许就在于，它将表演的“玄学”拉回到了“工程学”的范畴，让每一个有心人都能通过结构化的训练和工具，去搭建起属于自己的、坚固的表演大厦。这本书，是送给所有认真对待表演的人最实在的一份礼物。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和语言风格，简直是为那些真正想沉下心来做功课的人量身定制的。它摒弃了那些浮夸的艺术腔调，用一种近乎科学实验的严谨态度来对待表演的每一个环节。我最喜欢它对“听觉的再教育”那一部分的论述。在现代表演训练中，视觉往往被过度强调，导致很多演员的表演变得“用力过猛”或者“表情大于内容”。《表演训练法》却把焦点重新拉回到声音的质感、节奏和空间感上。书中详细介绍了几种独特的听觉聚焦练习，比如如何捕捉环境中细微的环境音，如何利用声音的变化来暗示角色的内在冲突，而不是单纯地靠音量大小来表达情绪。我尝试着在日常生活中就带着这种“开放的耳朵”去观察世界，结果发现周围的人际互动变得异常丰富立体起来。这种对“非语言信息”的捕捉和运用，极大地增强了我对场景的敏感度。它不是在教你如何“说话”，而是在教你如何“存在”于一个有声的世界里，并通过声音的细微波动，来展现角色的心理地图。这种注重细节和内在聆听的训练，对于提升表演的细腻度和真实感，是无可替代的。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的结构设计非常巧妙，它像是一个层层递进的迷宫，每通过一个关卡，你的“表演技能树”就会点亮一个新的分支。但最让我感到惊喜的是，它并非只关注台前发生的“表演瞬间”，而是花了大篇幅来探讨演员的“排练状态”和“自我管理”。这一点是很多同类书籍所忽略的。作者强调了排练不仅仅是排练剧本，更是演员与自己、与对手演员、与导演建立信任和默契的“生态构建期”。书中提到的“冲突预演与解决机制”，让我找到了在排练室里那些常常引发不快但又不得不面对的僵局的出口。它提供了一套框架，教你如何在不伤害合作关系的前提下，大胆地提出质疑、探索不同可能性。这种对排练过程的重视，体现了作者对表演艺术是一个集体创作过程的深刻理解。这本书不仅仅是一本“自我提升”的工具书，更是一本“合作指南”。它让我明白了，一个优秀的演员，不仅要对自己负责，更要对整个剧组的创作氛围负责。读完这部分，我感觉自己对剧组生活的理解上升到了一个新的维度，从一个纯粹的表演者，变成了一个懂得协作的艺术贡献者。

评分☆☆☆☆☆

哇，这本《表演训练法》真是一本让人醍醐灌顶的宝典！我之前对表演一直停留在“模仿”和“感觉”的层面，总觉得科班出身的人有一种我永远无法企及的神秘光环。这本书的出现，彻底打破了我的迷思。它没有那些玄乎其玄的理论，而是用一种极其扎实、系统化的方式，把“表演”这个听起来高深莫测的技能，拆解成了可以一步步训练的模块。我尤其欣赏它在“身体感知”这一块的深入探讨。作者详细阐述了如何通过基础的呼吸控制和肌肉放松，来建立起演员与角色之间最原始、最直接的连接。比如，书中关于“核心张力与释放”的练习，我尝试了几次，发现它不仅仅是肢体上的动作，更深层次地影响了我的情绪流动。以前演戏时，情绪总是卡在喉咙口，出不来，或者猛地喷涌出来但缺乏层次感。这本书提供了一种“内观”的路径，让我学会去观察自己身体在特定情境下的真实反应，然后学着去驾驭它，而不是被它裹挟。这对于我这种非科班出身的业余爱好者来说，简直是打开了一扇新世界的大门。感觉自己终于有了一套可以遵循的“技术手册”，而不是只能靠运气和灵感了。这本书的价值在于，它让表演从一种天赋的“魔法”，变成了一种可以学习、可以精进的“技艺”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我拿到这本书的时候，内心是抱着一丝怀疑的态度的，毕竟市面上关于表演的书籍汗牛充栋，大多是导师的回忆录或者成功学式的经验分享，真正能落地的东西少之又少。然而，《表演训练法》的独特之处在于它的“反向工程”思维。它没有过多渲染舞台的辉煌或者角色的魅力，而是径直切入到最核心的——“如何构建一个可信赖的内心世界”。我个人对书中关于“意图与行动”逻辑链的分析印象极其深刻。作者非常细致地剖析了角色在每一个场景下最原始的驱动力是什么，以及这个驱动力如何转化为具体的、可见的外部行动。这不仅仅是剧本分析的范畴，它更像是一种心理学的透视。书中举例的一些经典场景分析，让我以前那些“演得不像”的困惑豁然开朗。原来，很多时候我们觉得演员在“演戏”，是因为他们忘记了角色的“当下需求”，而沉浸在了对“表演效果”的预设中。这本书教会我，真正的表演是把“想做什么”和“正在做什么”无缝对接，将思考过程隐藏在行动之下。对于一个渴望提升舞台表现力的表演者来说，这种对表演本质的深刻洞察，远比华丽的技巧传授更有价值。它塑造的是一种思维模式，一种面对情境时的应变哲学。