电影公开课·电影剪接之道：电影世界观表现的基本方法 [Help You with Movie Cutting a Unique Step-by-step Visual Guide] pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[日] 下牧建春 著

图书标签:

• 电影剪辑
• 电影制作
• 电影技巧
• 视觉叙事
• 电影语言
• 剪辑技巧
• 电影世界观
• 电影教学
• 影视制作
• 后期制作

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532294381

版次：1

商品编码：11715104

包装：平装

外文名称：Help You with Movie Cutting a Unique Step-by-step Visual Guide

开本：16开

出版时间：2015-06-01

用纸：胶版纸

页数：182

字数：182

内容简介

　　《电影公开课·电影剪接之道：电影世界观表现的基本方法》采用通俗的写法，配有大量手绘图片，对剪接的基本原理和各种方法给予细致的讲解。
　　阅读《电影公开课·电影剪接之道：电影世界观表现的基本方法》，你自然而然地可以学到剪接要领，帮助提高你对电影语言的解释能力。
　　《电影公开课·电影剪接之道：电影世界观表现的基本方法》把编写重点放在影像微观分量操作上，介绍了许多实用性的剪接处理技巧。希望通过阅读《电影公开课·电影剪接之道：电影世界观表现的基本方法》，让你的制作更加专业，让你的作品更加神奇，给你的生活带来无穷乐趣。

作者简介

　　下牧建春（K Shimomaki），电影教学名门Nihon University College of Art电影学学士，受到日本新浪潮摄影大师川又昂教授的特别指导，后在日本严格工匠等级制度下师从日本电影摄影泰斗冈崎宏三先生，为其关门弟子，担任摄影助理。独立之后周游各国，以职业电影摄影师立身成名。
　　在学术方面，下牧建春为日本国文部省文化厅海外派遣艺术研究员、电影摄影协会国际交流委员会副委员长、北京电影学院访问学者、SONY电影摄影培训教员、上海戏剧学院讲师。
　　主讲电影唯物论、电影物理学、电影摄影学、电影造型、电影剪接等课程，出版著作数本，拍摄影视作品无数。

目录

1 剪接是什么？
1-1 剪接从一张画面开始
1-2 剪接的源头
1-3 相似景别避免
1-4 “动作剪接”的源头
1-5 电影欣赏角度
1-6 动作的黄金分割
1-7 “单一动作”分镜头剪接
1-8 “单一动作”经典剪接案例
1-9 剪接专业的诞生

2 为什么要剪接？
2-1 剪接基础是“视觉引导”
2-2 基础剪接
2-3 表现剪接

3 动作剪接基础
3-1 动作剪接是什么？
3-2 剪接从最小元素开始
3-3 “偶像倒了！”
3-4 剪接点和兴奋点
3-5 “切口残影”原理
3-6 “切口残影”原理运用
3-7 用叠加剪接来表现感情
3-8 场面调度剪接
3-9 走路动作的协调性原则
3-10 走路动作的美学
3-11 迎面镜头和背离镜头
3-12 车辆的速度感
3-13 “擦肩而过”走路动作剪接
3-14 动作剪接的实际情况

4 动作剪接表现
4-1 边框效应
4-2 边框效应的运用
4-3 纵横运动表现
4-4 什么是“接力镜头”？
4-5 转身动作剪接
4-6 情感动作剪接
4-7 人物的方向与背景流向
4-8 什么是动作偏移？
4-9 《罗生门》的走路剪接处理
4-10 “正反打”背景逆向的问题
4-11 “正反打”视线逆向的问题
4-12 动作剪接的距离感
4-13 心理距离的剪接
4-14 动作剪接的“重叠”和“省略”
4-15 拉帮动作的记述法
4-16 真看，真想，真体验

5 台词剪接
5-1 台词剪接是什么？
5-2 有关台词剪接的动作性
5-3 声音改变动作剪接规则
5-4 台词剪接的优越性
5-5 什么是正确的台词剪接？
5-6 台词剪接的样式
5-7 台词剪接的难点
5-8 台词剪接的情感共鸣
5-9 用观众的心和眼睛编织素材
5-10 剪接应该知道生活的质感
5-11 台词剪接应该给视觉带来情调
5-12 台词剪接的“一口气”

6 转场剪接
6-1 转场是什么？
6-2 为什么要转场？
6-3 如何选择转场形式？
6-4 转场技巧的属性
6-5 直接转场的条件
6-6 “视线脱离”效应的运用
6-7 “让演员看不见”
6-8 寻找道具的“变戏法”
6-9 “遮挡效果”与心理描写
6-10 关联性转场剪接
6-11 暗示转场
6-12 隐形转场
6-13 转场剪接的基本依据
6-14 向大师学习
6-15 转场剪接注意事项

7 情景剪接
7-1 情景剪接是什么？
7-2 情景剪接的基本思想
7-3 情景的视线引导
7-4 巧用客观镜头和主观镜头
7-5 剪接、导演、摄影三位一体
7-6 主体和客体表现
7-7 纪录片的主观镜头和客观镜头

8 构造剪接
8-1 构造剪接是什么？
8-2 《明星梦》制作
8-3 影像形式和规划的重要度
8-4 数字革命的恩惠和老课题
8-5 影片结构的时间要求
8-6 剪接的客观性
8-7 戏剧构成剪接
8-8 “梅子的故事”还是“阿兴的故事”
8-9 纪实与纪实美学
8-10 声音的叙事功能

9 声音剪接
9-1 声音剪接的物理要求
9-2 声音剪接操作
9-3 声音剪接表现
9-4 构建声音和画面的关系
9-5 声音的信息质量
9-6 开枪和中弹的声音处理

10 蒙太奇
10-1 蒙太奇是影像构成现象
10-2 由剪接产生的意思
10-3 蒙太奇剪接的优越性
10-4 今天的蒙太奇技术
10-5 为剧情高涨编织主题
10-6 用共感来代言“新概念”
10-7 用对比让气氛高涨
10-8 何为蒙太奇的思维存在
10-9 蒙太奇剪接注意事项

尾声 剪接之道
与学生的对话
为你挑选七部剪接参考影片

精彩书摘

　　《电影公开课·电影剪接之道：电影世界观表现的基本方法》：
　　机位1告知两人在影片中的位置，男左女右，非常清楚。如果没有机位1来告知观众车厢运行的地理环境，直接用机位2和机位3所拍摄的男女两人的近景来表现“对视情景”的话，窗外背景流动的方向相反，会引起视觉混乱。如图，机位2所拍摄女孩的位置窗外景色流动向右，而机位3所拍摄男孩的位置窗外景色流动向左。这样两个镜头表现男女面对面，由于前后两个镜头的背景流动感相反，对于观众来说搞不清演员之间处于什么地理位置关系。为了避免混乱，机位1的说明性镜头是必需的，称“提示镜头”（EstabilishingShot）。
　　剪接应该避免移动逆向条件镜头连接，用“主镜头”向观众提示环境状况。例如，男孩看着女孩行走，他的目光是从右向左，女孩行走方向是从右向左，这个演员表演符合生活常识，可是男孩目光移动和女孩运动的方向相反，两个镜头切换瞬间，观众会感到迷惑。
　　因此，我们就需要有“主镜头”来交代地理环境，观众才容易明白。如果剧情需要描写“女孩观看男孩打篮球”，把男女两个镜头交叉剪接，男女视线就会发生逆向现象。也就是说男孩从右到左运动，女孩视线则从左到右，发生逆向现象。这两个镜头连接起来，从直觉上感到不自然，至少一瞬间我们无法适应，解决办法就是在两人之间插入“交代镜头”，告知观众两人的地理方位关系。按照功能分类法，可称“关系镜头”，又称“定位镜头”。这类镜头常常用于马戏表演，因为我们需要不断告知观众地理万位关系，然后用人物对打镜头进行切换。这样“逆向性”问题就可以得到大大缓解。
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前言/序言

　

探索光影的魔法：现代电影制作与叙事艺术 ——一部全面深入的电影制作实践指南 简介： 在光影交织的魔术中，电影不仅仅是记录生活的工具，更是一种强大的叙事媒介，它构建世界、塑造情感、引领观众进入前所未有的体验。本书并非聚焦于剪辑技术本身，而是深入探讨电影制作的整体流程、叙事结构、镜头语言的构建以及跨媒介的视觉传达。我们旨在为有志于电影艺术的创作者提供一套系统的、从概念发想到最终呈现的完整方法论，帮助他们理解如何将一个最初的想法转化为一部结构完整、情感饱满的视觉作品。 本书将带领读者穿越电影制作的每一个关键环节，重点阐述如何建立一个宏大而自洽的“世界观”，以及如何运用现代电影的叙事技巧，在有限的时间内最大化地传达复杂的主题和微妙的情感层次。 --- 第一部分：构思与蓝图——电影的“世界观”建立 成功的电影始于一个坚实而引人入胜的概念。本部分将专注于如何从零开始构建一个具有生命力的电影世界，这远超出一个简单的故事大纲。 第一章：概念的起源与主题的提炼 我们探讨如何从日常观察、哲学思辨或个人经历中捕捉电影的“火花”。关键在于提炼出电影的核心主题（Theme），并确保这一主题贯穿始终，而非仅仅停留在表面情节。我们将分析经典叙事结构（如三幕剧、英雄之旅）的现代变体，并讨论如何设计一个能有效承载主题的叙事框架。 第二章：剧本创作的深度挖掘 剧本是电影的骨架。本章深入分析角色弧光（Character Arc）的构建，强调人物动机的真实性和复杂性。我们将讨论如何通过对话（Dialogue）而非单纯的说明来推动情节发展，并介绍如何撰写精确的场景描述，为后续的视觉设计和美术指导奠定基础。一个优秀的剧本，其本身就包含了影像化的潜力。 第三章：世界观的逻辑与风格设定 电影的世界观不仅仅是布景和服装，更是一种内在的逻辑体系。无论是科幻、历史还是现实题材，都需要建立一套清晰的规则。本章指导读者如何设定视觉风格（Visual Style）的基调——色彩板、光线运用原则、场面调度（Blocking）的初步设想，这些都决定了观众接收到的第一印象和长期感受。我们将研究如何通过环境设计来隐喻角色的内心状态和故事冲突。 --- 第二部分：视觉语言的构建——镜头、运动与空间 电影的本质是视觉艺术。本部分将聚焦于如何将文字转化为可感知的画面，这是将叙事意图转化为观众体验的关键步骤。 第四章：景别、角度与心理暗示 本章详细解析不同景别（如特写、中景、全景）在传达信息时的精确作用。我们将探讨镜头角度（如高角度、低角度、倾斜镜头）如何潜移默化地影响观众对主体力量、脆弱性或不稳定的感知。这不是关于技术参数的罗列，而是关于如何有意识地利用这些工具来引导观众的情感反应。 第五章：摄影机的运动与节奏的预设 镜头运动是叙事的延伸。我们将区分固定镜头的使用（强调稳定与观察）与动态镜头（如摇摄、移轴、跟拍）的叙事功能。重点在于运动背后的目的性：镜头是跟随角色的情绪波动，还是主动介入以制造紧张感？我们还将初步探讨如何通过镜头的密度和速度来预设电影的整体节奏感。 第六章：光影的雕塑艺术——自然与人造光效的运用 光是电影的灵魂。本章着重于理解光线的质感、方向和色温如何服务于故事。我们将分析伦勃朗光、三点布光等经典照明模式在不同场景中的情感负载。此外，如何利用环境光和阴影来创造深度、神秘感或压迫感，是本章探讨的核心。 --- 第三部分：综合制作与场面调度——从概念到银幕 电影制作是一个复杂的协作过程，本部分关注如何在现场将前期的设计转化为最终的影像，并强调导演作为整合者的角色。 第七章：场面调度的艺术：空间中的戏剧性 场面调度涉及演员在银幕空间中的精确位置和走位。本章强调如何利用前景、中景、背景元素来丰富画面层次，并制造视觉上的冲突与和谐。我们将研究如何通过对演员空间关系的微调，来暗示权力关系、距离感或潜在的危险。 第八章：高效的拍摄计划与资源管理 从技术层面来看，高效的现场执行是实现创意的保证。本章提供实用的制片规划方法，包括如何制定详细的场次表（Shooting Schedule），如何预见潜在的制作难题，以及如何在预算和时间限制下做出最优的艺术决策。 第九章：导演的视听语言整合 本章回归到导演的核心职能：成为所有部门之间的桥梁。我们将探讨如何与摄影指导（DP）、美术指导（Production Designer）和演员进行有效沟通，确保所有部门的产出——从色彩选择到表演风格——都指向统一的叙事目标。这是将剧本、表演、摄影和声音融合成一个连贯的“世界观”表达的阶段。 --- 第四部分：后期的协同作用——声音、节奏与最终打磨 电影的最终面貌在后期制作中得以确立。本部分着重于声音设计和最终画面精修对叙事张力的贡献。 第十章：声音的叙事力量：超越对白 声音是常常被低估的叙事工具。本章详细分析环境音效（Ambiences）、拟音（Foley）和音效设计如何构建沉浸感。我们将探讨声音的对比、层次和位置感如何增强画面的真实性或超现实感，以及如何利用音调和频率变化来预示情节转折。 第十一章：调色与画面情绪的固化 色彩校正（Color Grading）是固化电影情绪的最后一道防线。本章阐述如何通过调整色彩平衡、对比度和饱和度，来强化或修正摄影阶段设定的视觉风格。我们将通过案例分析，展示不同色调（如冷峻的蓝调、温暖的琥珀色）如何与特定类型片和角色心境产生共鸣。 第十二章：节奏的雕刻与最终呈现 节奏是电影的心跳。在整合了影像与声音素材后，电影的最终叙事节奏得以确定。本章讨论如何通过对镜头长度、场景衔接、音乐切入点等元素的细微调整，来控制观众的呼吸和期待。最后，我们将探讨在不同放映媒介（影院、流媒体）中，如何微调作品以确保其叙事力量得以完整传递。 --- 结语： 本书旨在提供一个关于电影制作的全局性视角，强调每一个技术决策背后的叙事意图。它不是一本关于某单一工具的使用手册，而是一份关于如何系统性地构建和表达一个完整“电影世界观”的实践纲领。通过理解这些相互关联的元素，创作者将能够更自由、更有力地驾驭光影、空间与时间，讲述那些必须被讲述的故事。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上关于剪辑的书籍汗牛充栋，很多要么过于侧重软件功能介绍，要么就是堆砌着陈旧的电影史案例。但这本书真正做到了“返璞归真”，它把焦点重新拉回到“如何用剪辑来塑造观众的体验”。它对我最大的影响是改变了我对“删减”的理解。以前总觉得删减是浪费素材，是无奈之举；但这本书让我明白，高质量的剪辑往往来自于毫不留情的“舍弃”。作者用生动的比喻解释了“电影的呼吸感”是如何通过精确的留白和恰到好处的节奏变化来体现的。那些关于如何处理“情绪递进”的章节，特别具有启发性，它教会我如何像作曲家安排交响乐一样，去设计观众情绪的高潮和低谷。比如，它详细分析了在一个高潮场景前，如何通过一系列慢镜头和快速闪回的交替，来达到一种爆炸性的情感释放。这种对剪辑背后心理学层面的挖掘，让我对未来自己的作品有了更高的自我要求——不仅要看起来流畅，更要在情感上具备穿透力。

评分☆☆☆☆☆

这本关于电影剪辑的书籍，对我这个初学者来说，简直是一场及时的甘霖。在翻阅之前，我对“剪辑”这个概念的理解还停留在简单的片段拼接上，认为它主要就是把拍好的镜头按顺序连起来，没什么技术含量。但读完这本书后，我的整个认知被彻底颠覆了。作者并没有直接给我一堆晦涩难懂的理论术语，而是非常巧妙地将剪辑视为一种“叙事语言的构建过程”。书中对节奏和情绪的把控有着非常深入的剖析，比如如何通过不同长度的镜头切换来调动观众的紧张感或松弛感，这部分内容真是让我茅塞顿开。我特别喜欢其中关于“意在言外”的讨论，它不再仅仅教你技术层面的操作，而是引导你去思考，一个镜头停顿的瞬间，或者一个画面突然的切入，能为角色内心带来什么样的潜台词。这让我意识到，剪辑师其实是继导演和摄影师之后，第三个赋予电影灵魂的魔法师。它不是冰冷的技术活，而是充满人文关怀的艺术创作。那些关于如何处理对话场景的蒙太奇手法，以及如何利用声音设计来强化视觉冲击力的章节，都让我忍不住拿起手边的素材反复试验，那感觉就像是突然拿到了一个能解锁电影秘密的万能钥匙。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排方式，简直是为那些渴望从“操作者”晋升为“思考者”的电影爱好者量身定制的。它最棒的一点在于，它没有陷入那种过于学院派的枯燥理论泥潭，而是非常务实地将“美学思考”与“实际操作”无缝衔接起来。我最欣赏的是它对“镜头语言的转译”这一部分的论述。作者似乎深谙创作者在实践中遇到的所有困惑，比如当你的素材库极其有限时，如何通过精妙的剪辑来“创造”出更多的可能性。书中提供了一系列针对性极强的练习，它们不是那种让你重复做几十遍同样动作的机械训练，而是引导你去探索不同剪辑点对叙事重点的影响。更别提它对于“非线性叙事”剪辑的讲解，那部分内容简直是为我打开了一扇通往更复杂叙事结构的大门。它不是简单地教你如何打乱时间线，而是告诉你，为什么要打乱，以及打乱后如何确保观众的情感线索不至于断裂。读完后，我感觉自己不再是那个被动接受素材的剪辑工具，而是真正能驾驭时间与空间的叙事工匠。

评分☆☆☆☆☆

当我开始深入研究这本书时，最让我感到震撼的是它对“电影世界观表现”这一核心概念的阐释。坦白讲，以前我看电影，总觉得导演搭建的世界很宏大，但自己动手做短片时，总觉得画面缺乏那种“质感”和“连贯性”。这本书提供了一个绝佳的视角，它将剪辑定位为实现导演愿景的“翻译官”。它没有把我引向那种千篇一律的好莱坞流水线剪辑模板，而是鼓励我思考：这个故事应该拥有什么样的内在逻辑和视觉节奏？书中大量使用了对比鲜明的案例分析，比如文艺片那种舒缓、留白的剪辑，与动作片那种碎片化、高密度的处理方式之间的差异，不仅仅是速度的快慢，更是世界观的内在差异。特别是书中提到的一些关于“空间连续性”的微妙处理，很多时候我们以为镜头接上了，但感觉上就是“不对劲”，这本书用精准的图示和通俗易懂的语言解释了这些微妙的感知偏差从何而来。这对于我试图建立自己风格的创作路径，提供了坚实的理论基石和实操指导，让我不再满足于把故事讲明白，而是开始追求把故事“讲出风格”。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的最深层次的改变，在于它彻底重塑了我对“剪辑师的职责”的认知。这不是一本教你“快捷键”的书，而是一本关于“如何思考电影运动规律”的哲学指南。作者似乎对电影的“时间感”有着近乎偏执的钻研，并把这种理解倾注到了每一章节中。我特别赞赏它关于“主观视角与客观剪辑”之间平衡的探讨。在很多时候，我们陷入了过度强调主观体验而忽略了叙事清晰度的误区，这本书则提供了一个非常清晰的框架，指导我如何在保持角色内心世界的同时，不让观众在视觉上感到迷失。其中涉及的视觉引导技巧，比如如何利用光线、焦点甚至前景物的遮挡来巧妙地完成转场，这些细节的讲解极其到位，远超一般入门书籍的范畴。读完之后，我感觉自己看电影的习惯都变了，不再是单纯地享受故事，而是会下意识地去分析镜头之间的关联、节奏的起伏，以及这种处理方式对整体氛围的贡献。这本书真正让我体会到了，电影剪辑是一门将抽象思考具象化的复杂艺术。

评分☆☆☆☆☆

shuhengeili 可以看看啊shuhengeili 可以看看啊

评分☆☆☆☆☆

good

评分☆☆☆☆☆

老师推荐的书，还在看，全彩页，很好懂

评分☆☆☆☆☆

还没时间看，应该不错吧！

评分☆☆☆☆☆

书还可以

评分☆☆☆☆☆

还行吧

评分☆☆☆☆☆

还不错呢，价格公道，还挺好

评分☆☆☆☆☆

正品

评分☆☆☆☆☆

买了好多本，慢慢看慢慢看