影视编导专业文艺常识 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张辉刚，宁珂 编

图书标签:

• 影视编导
• 文艺常识
• 专业教材
• 电影
• 电视
• 编剧
• 导演
• 文化
• 艺术
• 传媒

出版社： 中国传媒大学出版社

ISBN：9787565713569

版次：1

商品编码：11767853

包装：平装

丛书名： 艺术类高考系列丛书

开本：16开

出版时间：2015-09-01

用纸：胶版纸

页数：257

正文语种：中文

内容简介

　　《影视编导专业文艺常识》特点：
　　1.内容全面，涵盖范围广。随着艺考院校数量的不断增加，艺考的考核项目也越来越多样化，很多学校会依据自身的定位和教学特色确定自己的考试内容。本套教材几乎涉及了近年来全国各大艺术类院校所考到的所有考试项目，并就考试具体要求作出了详细讲解。因此考生可根据自己所要报考的院校，查询其考试项目，再结合本套教材的相关内容进行有针对性的学习，定能使考生既高效又省时地完成备考任务。
　　2.紧贴艺考大纲，针对性强。《影视编导专业文艺常识》的写作顺应新目录、新发展的要求，对应戏剧与影视学下属的二级本科目录中的广播电视编导、戏剧影视文学、戏剧影视导演、电影学、播音与主持艺术以及特设专业影视摄影与制作的艺考大纲，对于大纲中重点强调的内容，书中进行了详细讲解，而对于逐年渐冷的考核项目，本教材也相应减少了篇幅。
　　3.案例通俗易懂，实用性强。在艺考培训学习中，很多考生非常困惑的便是没有合适的案例可供同学们参考，要么是名家作品无法借鉴，要么是千篇一律、毫无新意，甚至有些案例是高中语文课本中的篇目。本套教材中的所有案例均为编著团队教师在多年执教的过程中，精心收集并整理的优秀学生案例，既符合艺考评判标准，更重要的是来自“身边”的同学之作，定能让考生们看得清、读得懂。
　　4.讲解难易得当，梯度设计合理。由于影视传媒专业在本科教育中涉及很多专业课程，所以在艺考的学习过程中，很多知识都会被视为考核点要求考生有所涉猎。但毕竟艺考是一个相对初级的选拔过程，并不需要太过于深奥，因此本套教材的编写以实用为主，对所有内容进行了难易梯度划分，考生认真研读此书便可全面掌握艺考中的所有考核点。

作者简介

　　张辉刚，西北民族大学新闻传播学院讲师，广电综合实验室主任。毕业于中国传媒大学广播电视艺术学专业。曾在中央电视台、湖南卫视、甘肃卫视等多家媒体从事过编导工作，策划编排各类电视节目，并担任多台大型晚会导演。在高校任教期间主要研究领域为电视节目的策划及编排，发表学术论文多篇，承担多个科研项目，主持并参与了多门专业精品课程建设工作。
　　
　　宁珂，西北民族大学新闻传播学院讲师，广播电视艺术学硕士。曾在河北电视台、石家庄广播电视台、四川电视台等多家媒体从事记者、编导工作，采编制作过近百部新闻片、专题片和纪录片。在高校任教期间主要研究领域为视听文化、电视采访、电视画面编辑等。

目录

前言

第一章 艺术概论
第一节 什么是艺术
第二节 艺术的特征
第三节 艺术创作过程及方法
第四节 艺术的种类

第二章 文学部分
第一节 中国文学
第二节 外国文学

第三章 电影基础知识
第一节 电影的基本知识介绍
第二节 中外电影发展概况和主要流派
第三节 中外电影导演分析
第四节 重要电影节及奖项

第四章 广播电视基础知识
第一节 广播电视发展史
第二节 广播基本常识
第三节 电视基本常识
第四节 电视制作技术相关概念
第五节 国外经典电视栏目

第五章 视听语言
第一节 构图
第二节 景别
第三节 拍摄角度
第四节 运动摄影
第五节 焦距
第六节 色彩与影调
第七节 光线与照明
第八节 蒙太奇与长镜头
第九节 影视声音
第十节 声画组合

第六章 戏剧知识
第一节 戏剧基本常识
第二节 中国戏曲常识
第三节 中国戏剧常识

第七章 舞蹈知识
第一节 舞蹈基本理论
第二节 中国舞蹈
第三节 外国舞蹈

第八章 美术常识
第一节 美术基本常识
第二节 中国美术常识
第三节 外国美术常识
第四节 书法常识
第五节 篆刻常识

第九章 音乐知识
第一节 音乐基本常识
第二节 中国音乐史常识
第三节 外国音乐史常识

第十章 部分院校文艺常识考试真题及参考答案
附录一 中国历史小常识
附录二 根据文学作品改编的中国电影目录
附录三 中国文化界部分评奖
附录四 流行词汇解析
后记

精彩书摘

　　《影视编导专业文艺常识》：
　　【艾青】原名蒋海澄，浙江金华人，现代诗人。代表作是20世纪30年代在狱中写的长诗《大堰河——我的母亲》，它塑造了一位淳朴善良又饱受苦难的农村妇女的形象，她象征着祖国和劳动人民，用乳汁哺育了中华儿女。名诗还有《向太阳》《火把》《春》《黎明的通知》《南美洲的旅行》等。【钱钟书】江苏无锡人，著名作家和学者。代表作《围城》是杰出的长篇讽刺小说，写抗战初期“三间大学”迁往大后方的办学经历。它以方鸿渐与三位女性的爱情纠葛为主线，写出了知识分子的丑态，人物形象生动，语言幽默辛辣，是现代版的《儒林外史》。此外还有许多散文、小说和学术著作。
　　【欧阳予倩】
　　湖南浏阳人，戏剧家，中国话剧的创始人和电影事业开拓者。他早年留学日本，组织中国最早的话剧团体——春柳社，回国后倡导话剧活动，创作了大量剧本，并作京剧改良演出，与梅兰芳并称为“南欧北梅”。代表剧作有独幕剧《泼妇》，历史剧《忠王李秀成》，改编剧《黑奴恨》《桃花扇》等，此外他还创作改编了许多京剧。
　　【田汉】
　　字寿昌，湖南长沙人，杰出的戏剧家，中国革命戏剧、电影、音乐的领导人。田汉一生创作剧本百余部。代表作为20世纪50年代的历史剧《关汉卿》和《文成公主》，分别写元代戏剧家和唐代公主的故事。其他重要作品有话剧《名优之死》《乱钟》《卢沟桥》，歌剧《扬子江暴风雨》，京剧《谢瑶环》，电影剧本《风云儿女》《三个摩登的女性》《丽人行》等。他的多数作品取材于现实斗争，紧扣时代脉搏，喊出了人民的心声，充满了革命激情和浪漫主义色彩。此外，田汉还是杰出的歌词作者，他为多部话剧、电影创作歌曲，这些歌曲已成为久唱不衰的经典，如《毕业歌》《四季歌》《天涯歌女》等。尤其是《义勇军进行曲》，已被定为《中华人民共和国国歌》。
　　【夏衍】
　　原名沈端先，著名剧作家。夏衍的创作以话剧为主，代表剧作是《上海屋檐下》，写20世纪30年代上海一个大杂院里五家人的生活悲剧；《法西斯细菌》写医生俞实夫不问政治，潜心十年研究病菌，结果这幻想被日本侵略者的暴行粉碎；另有历史剧《赛金花》《秋瑾传》和现代剧《心防》等。夏衍也是中国革命电影的奠基人。他20世纪30年代就编写了《狂流>《上海24小时》《春蚕》等电影剧本，新中国成立后又改编了文学名著《祝福》《林家铺子》等。1936年的报告文学《包身工》揭露了帝国主义压榨中国女工的罪行。以他的名字命名的夏衍文学奖是中宣部批准设立的国家一级奖项，也是中国电影文学的最高奖。
　　【曹禺】
　　原名万家宝，湖北潜江人，中国现代杰出的戏剧家和语言大师。代表作《雷雨》是中国最有国际声誉和历史生命的话剧，写20世纪20年代周、鲁两家两代人之间错综复杂的阶级关系和血缘关系，揭露了资产阶级的腐朽虚伪。另一部名剧《日出》以交际花陈白露的客厅为中心，描写了20世纪30年代大都市的面貌，抨击了上流社会的荒淫无耻、尔虞我诈和小人物的不幸。《北京人》和《家》写封建大家庭的崩溃。《雷雨》《日出》《原野》和《北京人》被称为曹禺的“四大名剧”。其他剧作还有《蜕变》《明朗的天》《胆剑篇》《王昭君》等。
　　【丁玲】
　　原名蒋冰之，湖南临澧人，著名女作家。代表作长篇小说《太阳照在桑干河上》，写解放战争时期河北解放区暖水屯村的土地改革，反映了这场斗争的复杂性，塑造了农村各阶层的人物形象，如支书张裕民、农会主席程仁、地主钱文贵等。该书曾获得1951年斯大林文学奖。其他作品还有《梦珂》《莎菲女士的日记》《韦护》《水》《母亲》《我在霞村的时候》以及《在严寒的日子里》等。
　　……

电影制作的视觉叙事：从概念到银幕的完整指南 图书简介 本书深入探讨电影制作的各个层面，尤其聚焦于视觉叙事的核心要素与实践技巧。它并非一本枯燥的理论汇编，而是一本面向未来影像创作者的实战手册，旨在帮助读者建立起从模糊的创意火花到清晰、有力、具有感染力的银幕语言的转化能力。 全书结构严谨，内容涵盖了电影艺术的基石——从剧本结构的精妙布局到导演手法的创新应用，再到摄影、美术、灯光等技术层面的艺术化处理。我们相信，优秀的电影是技术与艺术的完美融合，每一个技术选择都应服务于故事的情感表达和主题的深刻揭示。 第一部分：故事的蓝图——剧本与叙事解构 本部分是构建所有影像作品的起点。我们摒弃了传统教科书中对剧本的僵化分类，转而从“角色驱动力”和“冲突的层次性”两个维度来解构成功的叙事结构。 1. 角色弧光与动机的深度挖掘： 详细分析了如何设计具有内在矛盾性（Internal Conflict）和外在驱动力（External Goal）的主角。我们通过大量经典案例，剖析了“渴望-需求-牺牲”这一核心三角关系在不同类型片中的变体，强调角色动机的真实性是观众共鸣的根本。 2. 情节的密度与节奏控制： 探讨了如何精确控制情节点的爆发时机。内容包括“次级高潮点（Midpoint Reversal）”的战略作用、“悬念制造的留白艺术”以及如何利用“场景功能分析”来确保每一个镜头的存在都具备不可替代的叙事价值，避免冗余信息的堆砌。 3. 对话的潜台词艺术： 深入研究了电影对话的“冰山理论”。好的电影台词往往是“未说出的话”的力量。本章通过场景分析，教授读者如何用环境、动作和眼神来承载那些未被直接言说的情感和意图，使对话更具张力与深度。 第二部分：导演的语言——镜头背后的哲学 导演是电影的首席建筑师。本部分着重于导演如何将剧本转化为可感知的空间和时间体验。 1. 空间调度与场面调度（Mise-en-scène）： 阐述了场面调度如何超越简单的走位安排，成为叙事的一部分。内容涵盖了： 景深的选择与心理暗示： 浅景深如何隔离角色，深景深如何展现环境对角色的压迫感或掌控力。 演员群体的动态平衡： 如何利用群体移动来暗示权力结构的变化或群体情绪的潜流。 道具的功能性美学： 每一个出现的道具都必须是角色性格或情节推进的隐喻。 2. 剪辑的节奏与情感植入： 剪辑是“时间的艺术”。我们详细讨论了： 跳切（Jump Cut）的实验性运用： 探讨其在表现时间流逝加速、角色精神错乱或打破线性叙事时的强大功效。 蒙太奇理论的现代演变： 如何从爱森斯坦的“碰撞蒙太奇”演进到当代电影中更细腻、更主观的“情感导向蒙太奇”。 非线性叙事的逻辑构建： 教授如何通过剪辑点和声音暗示，引导观众在碎片化的信息中重建清晰的情感线索。 3. 视角的确立与主观体验： 探讨了叙事视角的选择对观众代入感的影响。分析了“全知视角”、“有限主观视角”与“极端主观视角（POV）”的切换策略，以及如何通过镜头运动（如跟随、环绕、俯冲）来建立角色与观众之间的情感同盟或疏离感。 第三部分：光影的雕刻——摄影与美术的协同创作 本部分聚焦于如何运用视觉元素来构建电影的世界观和氛围。 1. 摄影机的“情绪语言”： 详细解析了不同焦距镜头对人物形象和空间感的影响。 广角镜头： 如何放大环境，制造疏离感或戏剧化的透视变形。 长焦镜头： 如何压缩空间，制造压迫感，并实现对细节的特写聚焦。 运动镜头的设计原则： 区分“目的性运动”（跟随、追踪）和“情绪性运动”（摇晃、旋转），并强调其在不同叙事阶段的应用。 2. 色彩理论的实战应用： 这不仅是关于色彩搭配，更是关于色彩心理学。内容包括： 对比色与互补色的冲突表达： 如何用强烈的色彩对比来突出角色间的对立。 三色调分离（Three-Strip Color）在特定氛围下的构建： 探讨如何通过统一的色调（如蓝色调代表疏离，暖色调代表回忆）来锚定观众的情绪基调。 3. 场面设计与世界观的构建： 美术指导的工作是将剧本的文字描述转化为可触摸的现实。本章探讨了布景、服装和化妆如何协同工作，服务于故事的真实性或寓言性。重点分析了“环境叙事”，即环境本身是如何“讲述”出角色的社会地位、心理状态以及故事发生的时代背景。 第四部分：声音的维度——听觉叙事的隐形力量 优秀的声音设计是电影的“第二剧本”。本书将声音提升到与视觉同等重要的地位进行讨论。 1. 对白、音效与音乐的层次划分： 教授如何处理三者之间的动态关系，避免信息过载。分析了“声音的聚焦与失焦”——何时需要背景环境音的清晰，何时需要将其淡化以突出对白的关键信息。 2. 音效的心理投射： 探讨如何利用非写实音效（如夸张的脚步声、心跳声）来直接表达角色的内心恐惧或兴奋，这是声音设计中最具穿透力的技巧之一。 3. 音乐的“不和谐”力量： 深入研究电影配乐如何通过“反讽”或“预示”来增强叙事张力，而非仅仅是情绪的附庸。讲解了“莱特莫蒂夫”（Leitmotif）在现代电影中如何被重新运用和演变。 结语：整合与创新 本书的最终目标是鼓励读者打破既有的技术框架，将上述所有元素视为可供自由组合的“工具箱”。真正的创新，源于对传统的深刻理解，以及在特定故事需求下，敢于打破规则、重塑观众体验的勇气。通过本书的学习，读者将掌握一套系统而灵活的视觉与听觉整合方法论，为创作出具有个人独特印记的影像作品奠定坚实的基础。

评分☆☆☆☆☆

初次接触这本书，我的第一反应是它排版上的疏朗与严谨，给人一种非常“学院派”的专业感。我当时正在为一部短片寻找灵感，尤其是在人物动机和戏剧冲突的构建上遇到了瓶颈。我翻阅了书中关于叙事结构的部分，希望能找到一些打破传统“三幕剧”框架的创新思路，或者至少是一些关于如何处理复杂多线性叙事的具体案例分析。书中对古典戏剧结构的梳理无疑是详尽无遗的，从古希腊悲剧的韵律到莎士比亚的戏剧张力，知识点罗列得非常全面，引用的文献也极其扎实，这无疑证明了作者深厚的学术功底。然而，当我试图将这些知识点与现代影视语言，比如网络剧集碎片化叙事、虚拟现实叙事中的“在场感”等前沿议题进行对接时，发现书中的论述似乎停滞在了相对经典的范畴内。它像是把一个已经搭建好的宏伟知识宫殿展示给我看，却没能提供一张清晰的地图，让我知道如何利用这些宫殿里的材料，去建造一座属于我自己的、符合当下语境的创意建筑。对于我这种更倾向于在“做中学”的实践型学习者来说，缺乏具体到镜头设计、场景转换中如何巧妙植入“文艺常识”的实例，使得书中的知识点更像是漂浮在空中的概念，而非可以抓住并运用的工具。

评分☆☆☆☆☆

对于我个人而言，我更看重的是“如何用”而不是“是什么”。我一直在寻找能帮我打破思维定势、拓展情感表达维度的读物。我对《影视编导专业文艺常识》的期待，是它能提供一套“美学翻译系统”。比如，当读到某位作家的诗歌意象时，我希望书中能直观地告诉我，这种意象在影像中如何通过构图、运动或音效来实现“等效表达”。可惜的是，这本书在提供知识背景方面做得非常到位，但“翻译”环节却显得苍白。它详细解释了“浪漫主义”的核心精神，却没能提供一组镜头语言的示范，来展示这种精神如何通过光影的对比、音乐的起伏，在一部现代电影中被‘重构’出来。这就好比给了我一块上等的玉石，却没给我雕刻的刻刀和图纸。因此，在实际面对拍摄任务时，我发现自己需要花费大量时间去“重新构建”书本知识与我的视觉表达之间的桥梁，而不是直接运用书中的现成工具。这种认知上的延迟，极大地影响了阅读的即时效用。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书的初衷，是希望能从中汲取到一些能让我的作品在“审美层面”脱颖而出的秘诀，也就是那些让作品具有“高级感”的内涵支撑。我理解，文艺常识的积累是提升品味的关键。书中对于各种艺术流派的起源、发展及其核心理念的阐述，无疑是严谨且富有深度的，这为提升我对艺术作品的鉴赏力打下了坚实的基础。然而，影视编导的特殊性在于其强烈的媒介属性——它必须是“表演的艺术”而非纯粹的“静默的思辨”。我所期待的，是作者能以更具前瞻性和批判性的视角，去探讨当代的媒介环境对传统文艺常识的冲击与重塑。例如，在短视频和直播已经成为主流传播方式的今天，那些经典的文艺理论，应如何被“解构”并“挪用”到这些新的载体中去，以保持其生命力。这本书似乎将这些前沿的挑战置于次要地位，更多是聚焦于对既有文艺经典的梳理。因此，虽然它无疑是一本扎实的参考书，但对于那些正在努力适应媒介变革的年轻编导来说，它提供的“未来感”相对不足，更像是一份对过去辉煌的细致回顾。

评分☆☆☆☆☆

这本《影视编导专业文艺常识》的定位，我一开始是抱着极大的期待去翻阅的。毕竟，在如今这个内容为王、创意至上的时代，扎实的理论基础和广博的文艺视野，对于任何想要在影视行业立足的人来说，都是一块坚实的基石。我原本设想中，这本书会像一位经验丰富的老教授，带着我们穿梭于古典文学、西方哲学、美学理论的殿堂，将那些晦涩难懂的艺术思潮，用最贴近影视语言的方式娓娓道来。比如，探讨康德的审美判断如何投射到电影的景深处理上，或是巴赫的对位法如何在蒙太奇的节奏中找到共鸣。我期待的，是那种能够立刻激发我思考方向，让我拿起笔就能尝试构建出更具深度叙事的“内功心法”。然而，当我合上书页时，却感到一种莫名的“空”感。它似乎过于专注于构建一个宏大的知识体系框架，却在如何将这些宏大叙事“翻译”成具体、可操作的编导技巧层面，显得有些力不从心。比如，谈及“空间感”的营造，期待的是关于场面调度、灯光布局的实战案例分析，而不是对“空间哲学”的纯理论阐述。这本书给我留下的印象，更像是一份厚重的学术参考书目，而非一本能即时指导实践的工具书，这对于渴望快速上手的初学者来说，或许是一个不小的门槛。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的厚度让我望而生畏，但更让我感到困惑的是其知识点的跳跃性。它涵盖的范围之广，几乎涉及了从文学、绘画到音乐、戏剧的方方面面，这本身是好事，体现了编导学科的交叉性。但是，在实际阅读过程中，我感觉作者像是在一个巨大的知识海洋里快速地划过一圈，而非深入某个特定海域进行精细的探秘。例如，当讲到“色彩美学”时，可能前一页还在细致分析印象派画家对光影的捕捉，下一页就迅速转到了文艺复兴时期宗教画中的象征符号，中间缺乏平滑的过渡和清晰的逻辑链条来连接这些看似不相关的领域，更没有明确指出，编导在拍摄某一特定场景时，应该如何有意识地从这些历史流派中提取元素并转化为影像语言。这导致的结果是，我接收到了大量的信息，却难以形成一个连贯的、可提取的“方法论”。我的感受是，这本书更像是一份高度浓缩的、面向研究生的参考资料摘要，而不是一本面向准备进入行业的实操型教材。它要求读者本身就具备极高的知识储备和融会贯通的能力，才能真正理解作者所构建的文艺知识网络。

评分☆☆☆☆☆

???????????

评分☆☆☆☆☆

棒

评分☆☆☆☆☆

很实用

评分☆☆☆☆☆

书好

评分☆☆☆☆☆

非常好，挺全的

评分☆☆☆☆☆

有点偏向文科难记和摄影关系少

评分☆☆☆☆☆

好

评分☆☆☆☆☆

棒棒哒

评分☆☆☆☆☆

还不错，作为编导艺考生来说很棒了