造型设计基础（第2版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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邱松 著

图书标签:

• 造型设计
• 设计基础
• 艺术设计
• 平面设计
• 工业设计
• 视觉传达
• 设计原理
• 构图
• 色彩
• 形式美学

出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040422078

版次：2

商品编码：11782581

包装：平装

开本：16开

出版时间：2015-09-01

用纸：胶版纸

页数：309

字数：390000

正文语种：中文

内容简介

　　《造型设计基础（第2版）》是艺术设计专业本科生的核心基础课程教材。教材的重点在于综合研究形态的造型及其成型规律，以及建立在形态、材料、结构和工艺基础上的设计思维与方法的应用研究，而综合性、案例性研究是其主要特点。通过该过程的学习，既是对设计思维与方法的灵活运用和体验，也是对生产与研发的初步认识和理解。通过案例式教学方法、实践性课题设置与课程操作的合理建构，在实践的过程中有步骤地实现课程的预定目标。
　　《造型设计基础（第2版）》不仅注重知识与技能的学习，更强调思维与方法的掌握，通过实践探索不断提高综合造型能力，并为进一步的专业学习奠定良好、坚实的基础。

目录

第一章 总论
第一节 造型设计基础的基本概念
一、以“装饰图案”为主导的造型设计基础
二、以“三大构成”为主导的造型设计基础
三、以“设计思维与方法”为主导的造型设计基础
第二节 造型设计基础的目的
一、更新观念，确立科学的设计思维模式
二、着眼形态，在造型过程中提高审美能力
三、强调操作，在实践中提高表现技巧
第三节 造型设计基础的基本内容
一、造型的要素
二、造型设计基础的思维方法
第四节 造型设计基础与相关学科的关系
一、造型设计基础与造型基础的关系
二、造型设计基础与科学技术的关系
三、造型设计基础与各设计学科的关系
四、造型设计基础与其他设计基础的关系
第五节 造型设计基础的发展方向
一、造型设计基础课程目前存在的问题
二、造型设计基础的理想授课模式
思考题
练习题

第二章 师法自然
第一节 研究自然形态的目的和意义
一、研究自然形态的目的
二、研究自然形态的意义
第二节 学会观察自然形态
一、掌握观察方法
二、反复练习
第三节 深入分析自然形态
一、从自然形态周围的环境来分析
二、从自然形态的组织构造来分析
三、从自然形态的习性来分析
第四节 掌握归纳自然形态成型规律的方法
一、同类自然形态的归纳方法
二、非同类自然形态的归纳法
思考题
练习题

第三章 人类智慧的结晶
第四章 形态
第五章 材料
第六章 结构
第七章 加工工艺
第八章 色彩与肌理
第九章 设计思维与案例

视觉叙事：从素描到数字艺术的探索之旅 图书简介 《视觉叙事：从素描到数字艺术的探索之旅》是一本旨在为当代视觉创作者提供全面而深入基础训练的专业教材。本书超越了传统意义上的“入门指南”，它构建了一个从最基础的观察与表达能力，到复杂的媒介转换与现代设计思维的完整学习路径。本书的定位是帮助读者建立起坚实而灵活的视觉语言体系，使其能够自信地应对从传统手绘到前沿数字媒体的各种创作挑战。 本书的结构围绕“观察、理解、表达、应用”四大核心支柱展开。我们坚信，有效的视觉表达源于深刻的洞察和扎实的技法功底，而非仅仅依赖工具的先进性。 第一部分：视觉的基石——观察与二维构筑 本部分是全书的理论核心，致力于训练读者建立“设计师的眼睛”——一种能够解构、分析和重构现实世界结构的能力。 第一章：现实的分解与重组 本章详细探讨了视觉感知的心理学基础。我们不满足于教授“如何画圆或方”，而是深入研究光影如何塑造体积、透视如何定义空间，以及色彩如何在我们的情感和认知中扮演的角色。内容包括： 光影的物理与美学： 剖析硬光、漫射光、环境光对物体表面的影响，区分固有色、环境色与反光，并教授如何通过明度差异而非过度依赖色彩来表现质感。 透视系统的精妙： 从单点透视的精准性扩展到多点透视和非欧几里得透视在概念艺术中的应用。重点讲解了“视平线高度”和“灭点选择”如何直接影响观众的代入感和故事的基调。 形式语言的抽象化： 引入结构主义和格式塔心理学原理，指导读者如何将复杂的自然形态抽象为基础的几何母题，并讨论如何通过肌理（Texture）和笔触（Mark-making）为抽象形式赋予生命力。 第二章：二维平面的张力 本章专注于构图的动态原理，将构图视为一种视觉能量的调度艺术。 动态平衡与视觉引导： 系统梳理了三分法、黄金分割、对角线构图等经典法则，并超越这些规则，探讨如何运用“负空间”（Negative Space）作为与主体同等重要的设计元素。内容详述了如何通过线条的汇聚、形状的重复与对比来精确控制观众的视线流动路径。 节奏、韵律与重复： 讨论了如何在静止的画面中创造时间感。通过分析巴洛克建筑的装饰母题到现代主义平面设计的网格系统，展示节奏在建立视觉秩序和制造视觉兴奋点中的作用。 色彩的情感地图： 深度解析色彩的物理属性（色相、明度、纯度）与心理效应的对应关系。本章提供了大量关于“有限色板策略”、“高对比度下的色调统一”以及“跨文化色彩象征意义”的案例分析。 第二部分：媒介的转换——从物质到数字的桥梁 本部分旨在打通传统技能与现代数字工作流之间的壁垒，强调无论使用何种工具，核心的造型逻辑和光影理解是不可动摇的。 第三章：材质的触觉表达 本章侧重于如何通过媒介的特性来模拟和创造不同的物质感。 传统媒介的纹理深度： 对水彩的渗透、油画的堆叠、炭笔的颗粒感进行细致的技法解析。重点在于理解媒介的局限性如何转化为独特的风格优势。 数字笔刷的工程学： 深入探讨数字绘画软件中笔刷引擎的工作原理，包括压力感应、纹理叠加、混合模式（Blend Modes）对材质表现的决定性影响。本书提供了一套构建模拟真实材料笔刷的参数化方法。 表面处理的层次构建： 教授如何区分和表现高光、反射、漫反射和环境遮蔽（Ambient Occlusion）。通过三维渲染的原理反推二维绘制的逻辑，确保画面中材质的物理一致性。 第四章：形态的塑造与解剖学基础 本章将造型训练提升至三维空间的理解层面，为角色设计和环境设计打下基础。 基础几何体与有机形态： 强调所有复杂形态都可以分解为基本的体块（立方体、球体、圆柱体）。随后过渡到对生物学形态的简化和结构化分析，而非纯粹的表皮描摹。 空间透视与深度营造： 除了基础透视，本章引入了空气透视（Atmospheric Perspective）的量化方法，如如何根据距离变化调整色彩饱和度和细节清晰度，以营造真实的环境纵深感。 运动与动态速写： 介绍如何捕捉转瞬即逝的动态瞬间，训练“动态线”（Line of Action）的使用，使静态画面也充满内在的运动潜力。 第三部分：概念与应用——面向未来的视觉实践 本部分着眼于将基础训练融入实际的创意项目流程中，培养高阶的叙事能力和项目管理思维。 第五章：叙事性视觉的构建 视觉艺术的终极目标往往是传达信息或讲述故事。本章探讨如何有目的地运用所有学到的基础元素来实现叙事。 主题聚焦与视觉层级： 如何通过构图、焦点和色彩来明确传达故事的“主题句”。分析如何利用“视觉层级”（Visual Hierarchy）引导观众的阅读顺序，确保关键信息不被遗漏。 情绪驱动的设计： 讨论如何设计一个“情绪板”来指导整个项目的视觉语言。分析不同风格（如表现主义、极简主义）在表达特定情绪（如焦虑、宁静、史诗感）时的有效性。 符号学与文化语境： 探讨图标、隐喻和原型在视觉传达中的力量。指导读者如何运用普遍的视觉符号，或创造新的符号系统，以增强故事的深度和跨文化理解度。 第六章：专业工作流与自我迭代 本书的收尾部分关注创作者的职业发展和持续学习的方法论。 从草图到成品的高效迭代： 介绍“快速原型设计”在视觉概念开发中的重要性，以及如何有效地进行视觉测试和反馈整合。 作品集的策略性构建： 指导读者如何根据目标行业的需求（如游戏、电影、平面广告）来筛选和呈现作品，确保作品集能清晰展示其核心竞争力。 风格的形成与突破： 鼓励读者在掌握了足够多的“规则”之后，学会如何有意识地“打破”或“扭曲”这些规则，以形成具有个人辨识度的艺术风格，并为未来的技术演进（如AI辅助创作）做好认知准备。 《视觉叙事：从素描到数字艺术的探索之旅》为每一位立志于在视觉领域有所建树的学习者提供了一条清晰、深刻且充满实践指导的成长阶梯。它不仅是工具书，更是思维训练手册。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书在理论阐述上采取了一种非常宏大且体系化的视角，它似乎并不满足于教授具体的“如何画”的技巧，而是深入挖掘了“为什么这样设计”背后的哲学基础和历史渊源。例如，它花了大篇幅去讨论包豪斯运动对现代设计语言的冲击与继承，以及不同文化背景下对“美”的定义是如何影响造型的构建。这种深度的挖掘，对我原先那种只看效果图、不问出处的学习习惯进行了强有力的修正。我以前总觉得设计就是靠灵感和直觉，读了这本书后才明白，那些看似随性的曲线背后，往往隐藏着严谨的数学比例和人文关怀。只是，对于初学者而言，一开始接触这么多高深的理论可能会感到有些吃力，有时候读完一个章节，我需要合上书本，在脑子里绕好几圈才能真正消化吸收，建议新手可以先跳过理论最密集的部分，结合案例去反推理论会更有效率。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量简直是顶级的享受，纸张摸起来厚实而有质感，内页的色彩还原度非常高，即便是复杂的线条和渐变色也能清晰地呈现出来，这对于我们设计学习者来说太重要了。我记得第一次翻开它的时候，那种墨香混合着纸张的清爽气息扑面而来，让人立刻就能感受到这是一本用心制作的专业书籍。特别是那些图例部分，排版得井井有条，每一个案例的结构拆解都做得非常细致，让人一眼就能抓住重点。不过，话说回来，这本书的厚度确实有点吓人，初次拿到手里时，我差点以为自己抱了一块砖头，想随身携带去图书馆或者咖啡馆学习，携带起来还是有些费劲的，真心希望未来能推出一个更轻便的精简版或者电子版，方便随时查阅。尽管如此，从书籍本身的物理感受上来说，它绝对是物超所值的，摆在书架上也是一道亮丽的风景线，让人心情愉悦。

评分☆☆☆☆☆

这本书的案例选择简直是教科书级别的精准，它涵盖了从基础的点、线、面构成，到复杂的立体空间关系处理，几乎没有遗漏任何一个核心知识点。我特别欣赏作者在讲解空间透视和比例关系时，所使用的那种抽丝剥茧式的分解步骤，每一步都配有清晰的辅助线和标注，让人感觉自己就像有一个经验丰富的大师在旁边手把手地指导一样。比如说，在讲解如何用负空间来塑造主体时，书中给出的几个练习题极具启发性，它们强迫你跳出传统的“画出物体”的思维定式，去关注物体与环境的相互作用。唯一的遗憾是，书中有些高级的数字建模或参数化设计的实际操作流程提及得比较少，更侧重于手绘和传统媒介的表达，对于习惯了三维软件的年轻一代设计师来说，可能需要在实践中自行补充软件层面的应用技巧了。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，这本书的语言风格是相当严肃和学院派的，它用词精准，逻辑链条非常严密，几乎没有使用任何口语化或幽默的表达来缓解阅读的枯燥感。这无疑保证了内容的专业性和权威性，但同时也让我在深夜阅读时，时不时地会感到一种智力上的疲劳。我感觉自己像是在啃一块硬骨头，必须全神贯注，否则很容易错过关键的转折点。如果作者能在一些复杂的概念解释后，穿插一些现代设计大师们在实际项目中遇到类似问题的解决思路，哪怕只是短短的“设计师笔记”之类的插叙，我相信都能极大地提升读者的代入感和学习的兴趣。目前来看，它更像是一本需要被“攻克”的参考书，而不是一本可以轻松翻阅的灵感来源。

评分☆☆☆☆☆

我将这本书推荐给了我那位在艺术高中读书的表妹，她回来后反馈说，这本书里的色彩搭配理论部分简直是她的救星。她过去常常在配色上感到迷茫，总是觉得自己的作品“看起来不对劲”，但这本书系统地讲解了冷暖对比、邻近色调和互补色的心理效应，并且配上了大量实际应用的范例图，让她终于明白了如何通过色彩来引导观众的视觉流线和情感体验。她尤其提到，书中关于材质表现的章节，对于区分不同纹理（比如金属的冷峻和木材的温润）的笔触处理，让她受益匪浅，这直接提高了她作品的质感。唯一的缺点是，这本书的索引做得不够完善，当我需要快速查找某一特定术语或技法时，定位起来比较费时费力，希望下一版能加入更细致的关键词索引，让查阅效率更高一些。