中国双钢琴改编曲集（二） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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傅红 著

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• 钢琴曲
• 双钢琴
• 改编曲
• 中国音乐
• 钢琴合奏
• 乐谱
• 古典音乐
• 器乐
• 艺术类
• 音乐

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103050774

版次：1

商品编码：12084277

品牌：人民音乐出版社（PEOPLE’S MUSIC PIBLISHING HOUSE）

包装：平装

开本：8开

出版时间：2017-05-01

用纸：胶版纸

内容简介

该选题为中国音乐学院专业方向建设项目，钢琴二重奏（双钢琴）演奏与系列教材建设、音响录制及探究子项。曲集中将收录：《二泉映月》《十面埋伏》《彩云追月》 《步步高》《春节序曲》等五首中国传统乐曲的双钢琴改编曲目。所有曲目都经过舞台的检验，具有较强的可听性。该书拟中英双语的方式，可以用于版权输出，推广中华文化。

目录

1. 步步高………………………………………………………… 吕文成曲 高为杰、傅 红改编（ 1 ）
2. 春节序曲……………………………………………………… 李焕之曲 孙程程、傅 红改编（12）
3. 彩云追月………………………………………… 广东音乐 任 光编曲 田 田、傅 红改编（28）
4. 二泉映月……………………………………………………… 华彦钧曲 田 田、傅 红改编（41）
5. 十面埋伏……………………………………………………… 中国古曲 田 田、傅 红改编（52）

前言/序言

　　这是一本按教材思路编排的可以在教学中使用的双钢琴改编曲集，其中包括一首中国古曲（《十面埋伏》）和四首中国名曲（《步步高》《春节序曲》《彩云追月》《二泉映月》）。中国传统音乐作品中有大量适合以双钢琴形式呈现的曲目，希望本曲集的出版能填补中国传统音乐作品双钢琴改编曲出版物的空白。
　　曲集中的五首作品均直接以原作为素材，分别由本人与作曲家高为杰、孙程程、田田合作改编完成。在基本保持原作品音乐风格及特性的基础上，手法上做到了新颖独创、各不相同。
　　1.《步步高》
　　该曲原作相对短小、精致，结构凝练、清晰。改编曲将轻松欢快的演奏效果烘托得十分到位。引子一开始以自由畅想的手法，节奏上在第6至9小节略为自由，将轻快的主题动机在D大调上第一次呈现。第72至75小节再次出现引子的素材，并通过这四个小节在调性上做了转调。第二段从第76小节开始，明确进入E大调，两架钢琴交换了声部，并且较之第一段加了一些变奏。这里要用更加明朗的音色演奏，速度可略快一点，让第二段比前段更活泼、更生动。第137小节的Presto（急板）再次将乐曲提速，推出高潮，将整首乐曲步步高升、节节向上、积极上进的气氛营造出来，使音乐更加贴近主题。
　　这首乐曲的曲调极富广东民间音乐的韵味，技术难度不是很大，演奏起来十分顺手。两架钢琴在音乐上彼此呼应、层层递进、合作巧妙，很适合室内乐演奏经验尚不丰富的学生学习。
　　2.《春节序曲》
　　这首具有陕北秧歌音调和节奏特点的乐曲早已被人们所熟知，其演奏形式多样化，但以双钢琴的形式呈现则为第一次。与《步步高》相比，该作品在演奏技术与合作技巧上都略难一些。无论是手指的快速跑动、大跨度跳跃的八度与和弦，还是抒情、歌唱性部分的演奏方法，此作品都需要学生具备一定的专业技术能力方能胜任。
　　乐曲是典型的ABA三段体曲式。A段的旋律欢快、节奏鲜明，表现出节日里人们扭着秧歌、敲锣打鼓、热闹欢腾的“大场”表演场面。所谓“大场”，即秧歌中热烈红火的大型集体舞，通常做出各种复杂的队形来。演奏上要注意力度表情的处理，ff和f的乐句要有音乐层次和声音质量上的要求，每个声部不能简单地处理成“响”和“噪”，要同时强调节奏的特点，例如第1至6小节、第88至95小节等。此外，强与弱的对比要鲜明，例如第13至24小节，两个声部彼此对应。B段从第136小节开始并转入F大调，旋律抒情、优美、如歌，是秧歌里的“小场”表演场面，即由两三人表演的常常是简单、简洁的小型歌舞。演奏此段的主旋律时要注意触键柔和、声音歌唱。伴奏声部是轻盈的跳音，不要弹成短、快的跳音，同时运用浅踏板，使跳音既跳又不干。旋律和伴奏要有不同的音色，要听上去既丰富又和谐……

好的，以下为您创作的图书简介，严格遵守您的要求，不包含《中国双钢琴改编曲集（二）》的内容，字数约1500字： --- 图书名称： 《二十世纪西方管弦乐作品选析与演奏实践》 作者： 艺术研究组 出版社： 音乐理论与实践出版社 定价： 188.00 元 ISBN： 978-7-5000-0000-0 图书分类： 音乐学 / 20世纪音乐 / 管弦乐配器与演奏 --- 卷首语：穿越时代的声响结构 进入二十世纪，西方音乐的河流奔涌入一个前所未有的广阔水域。传统和谐、旋律和曲式的束缚被打破，作曲家们以前所未有的自由和深刻的哲学思考，探索着声音的无限可能性。从印象主义的朦胧色彩到序列主义的严谨逻辑，从新古典主义的回归平衡到电子音乐的未来前瞻，管弦乐队——这一古典时期的集大成者——成为了承载这些激进思想与细腻情感的熔炉。 本书《二十世纪西方管弦乐作品选析与演奏实践》，并非旨在提供一部包罗万象的音乐史全景图，而是聚焦于那些在技法上具有里程碑意义，在音乐语汇上极具代表性，且对后世演奏实践产生深远影响的核心作品。我们试图搭建一座桥梁，连接起晦涩的现代乐谱与舞台上的生动呈现之间那道看似难以逾越的鸿沟。对于音乐专业人士、指挥系学生以及所有对二十世纪音乐思潮抱有热忱的听众而言，本书旨在提供一把钥匙，开启理解和演绎这些复杂而迷人的声响世界的通道。 第一部分：技法革新与语汇重塑——管弦乐配器的新维度 二十世纪的管弦乐配器法是一场彻底的革命。作曲家们不再满足于浪漫主义时期对音色的简单叠加，而是将乐器视为独立的音色粒子，重新审视其在整体织体中的功能与张力。 1. 印象主义的色彩斑斓与管弦乐队的“去中心化”： 德彪西和拉威尔将管弦乐的色彩处理推向了极致。本书重点分析了德彪西《海》中对木管乐器组（尤其是长笛和单簧管）的细腻运用，如何通过微小的动态变化和非传统的音区使用，营造出水波荡漾的视觉效果。我们详细探讨了如何在演奏中重现这种“透明度”和“非实体感”，这要求演奏者必须放弃传统的厚重音色，转而追求乐器个体音色的纯净与精确叠加。对于打击乐器的运用，例如对吊钹（Cymbal）的极轻微摩擦，也被提升到了与弦乐和声同等重要的地位。 2. 斯特拉文斯基的“机械节奏”与配器的新秩序： 《春之祭》无疑是二十世纪音乐的转折点。本书对其中对节奏的分解和重组，以及对铜管乐器的爆炸性使用进行了深入剖析。我们不仅关注其不协和和声的构建，更关注配器层面是如何支撑这种“野蛮的、原始的”律动感的。例如，对低音提琴和大提琴的集体不和谐音程的弓法处理，要求演奏者必须以一种近乎“打击”而非“歌唱”的方式来处理乐句，这彻底改变了弦乐组的演奏规范。 3. 新古典主义中的“剥离”与“清晰化”： 面对浪漫主义的过度膨胀，以浦罗哥菲夫和肖斯塔科维奇为代表的作曲家，在继承了传统结构的同时，对配器进行了“瘦身”。我们对比分析了他们在采用奏鸣曲式时，如何通过减少弦乐的厚度、增加木管和打击乐的清晰度，来实现一种既古典又充满现代张力的音响效果。特别值得注意的是，对定音鼓和军鼓在非传统节奏下的功能性强调，使其从单纯的节奏支撑点，演变为结构性的音色锚点。 第二部分：前卫探索与演奏技法的极限挑战 进入下半叶，管弦乐的探索进入了更具实验性的领域，对演奏者的技术要求达到了前所未有的高度。 1. 序列主义与全面控制的配器艺术： 勋伯格的十二音体系及其后续的序列化发展，要求配器遵循一套严密的逻辑结构。本书重点分析了韦伯恩的作品，探讨了如何将音高、时值、力度、音色等所有要素都纳入序列控制的体系中。在演奏实践中，这对独奏乐器（如单簧管或小提琴）的音准、音色均匀性提出了极致挑战，因为任何微小的“情感化”处理都可能破坏作曲家精心构建的数学美学结构。我们探讨了如何通过精确的乐谱标记和指挥的严格控制，来呈现这种“去情感化”的纯粹结构。 2. 自由度与机遇音乐：开放性的配器实践： 以布列兹和斯托克豪森为代表的作曲家，将随机性引入管弦乐作品，这要求演奏者从被动的执行者转变为主动的、即时的决策者。本书详细解读了那些包含“图表记谱法”（Graphic Notation）或“概率记谱法”的作品，如某些要求演奏者自主选择演奏时值的段落。这不仅仅是技术问题，更是哲学问题——如何在大师设定的框架内，进行符合音乐逻辑的“即兴创作”？我们提供了针对这些作品的排练策略，旨在保证集体演奏的有机统一性，同时尊重个体演奏者的即时创造力。 3. 扩展技巧（Extended Techniques）在管弦乐中的应用： 二十世纪管弦乐的一个重要特征是声源的拓展。从弦乐的“大力度拉奏”（Sul Ponticello, Sul Tasto 的极端化应用），到木管乐器的“超吹”（Overblowing）和“非泛音”（Non-Harmonic Tones），再到铜管乐器通过呼吸声和噪音产生的音效。本书详细收录了针对这些扩展技巧的标准记谱法，并配有实际的演奏示范解析（非音频，而是技法分析），指导演奏者如何安全、有效地发出这些非常规音响，并将其有机融入到整体管弦织体中，而不是仅仅作为一种孤立的音响奇观。 第三部分：管弦乐曲目与指挥艺术的互动 管弦乐作品的成功演绎，是作曲家构思、演奏家的技术与指挥家的艺术视野三者高度契合的结果。 本书的最后一部分着重于几部被公认为二十世纪管弦乐“试金石”的作品的排练与研究方法。例如，对于马勒晚期作品中那种极度拉伸的时间感和复杂的分层结构，我们探讨了指挥应如何通过宏观结构把握与微观细节雕琢之间的平衡。又如，对于早期的巴托克作品中，民歌节奏的融入与复杂的室内乐处理，要求指挥必须对民间音乐的律动有深刻理解，并能准确地将这种律动注入到庞大的乐队编制中。 《二十世纪西方管弦乐作品选析与演奏实践》，致力于为音乐界提供一本既有深厚学术理论支撑，又紧密贴合舞台实践需求的研究性工具书。它期望能激发新一代的音乐家，以更开放、更具批判性的视角，去拥抱这片充满挑战与无限美学的二十世纪声响大陆。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本音乐集一上手就给我一种既熟悉又充满惊喜的感觉。作为一名常年活跃在音乐教育和演奏一线的乐迷，我深知中国传统音乐的魅力与西方和声体系结合的复杂性。当我翻开这本《中国双钢琴改编曲集（二）》时，我原本期待的是一些耳熟能详的民歌或戏曲片段的简单移植，但呈现在眼前的，却是作曲家们深厚功力的体现。 首先，从改编的深度来看，它远远超出了简单的“把单音旋律配上和弦”的层面。许多乐曲的对位处理极其精妙，两个钢琴声部不再是简单的“主旋律+伴奏”的关系，而是形成了真正意义上的对话。在某些篇章中，一个钢琴负责保持原作的古朴韵味，用近乎原始的节奏型来铺陈意境；而另一个钢琴则如同现代的管弦乐团，用丰富的三度和七和弦进行色彩的渲染和情绪的推进。这使得双钢琴这种体裁的潜力得到了极大的释放，听者在享受中国旋律的同时，也能感受到德彪西或拉赫玛尼诺夫式宏大织体的冲击力。我尤其欣赏其中对“留白”的把握，有些段落，声音密度突然降低，只留下零星的音符在空气中回荡，那种意境，仿佛置身于一幅水墨画卷前，非常耐人寻味。

评分☆☆☆☆☆

老实说，第一次完整地通读这套曲谱时，我感到的更多是“震撼”而非“愉悦”。这种震撼源于其编配的难度和对演奏者技巧的极高要求。市面上很多双钢琴改编本，要么为了迎合初学者而牺牲了艺术性，要么就是为了炫技而让作品显得过于拥挤和喧闹。然而，这本《中国双钢琴改编曲集（二）》找到了一个极其微妙的平衡点——它既保留了原作的民族性格，又将钢琴的特性发挥到了极致。 特别是在那些涉及快速跑动和大规模和弦块的段落，我能清晰地看到作者在如何巧妙地利用钢琴的低音区和高音区进行空间上的错位，制造出一种立体感极强的音响效果。比如处理一段气势磅礴的叙事性乐曲时，它没有简单地堆砌八度，而是通过复杂的节奏型和错拍的运用，营造出千军万马过境的动态感。这对于钢琴演奏者而言，要求的是极高的默契和对触键力度（Touch）的精准控制。这不是一本可以随便放在茶几上消遣的作品，它更像是为音乐学院高年级学生或专业音乐家准备的“试金石”。每一次练习，都像是一次对指尖力量、对音乐理解力的深度挖掘。

评分☆☆☆☆☆

如果将这本曲集看作是一次文化对话的记录，那么它无疑是成功且富有远见的。我常常思考，当我们试图用一种西方成熟的音乐形式来承载东方古老的音乐灵魂时，最大的挑战是什么？是避免变成不伦不类的“文化拼贴”。令人惊喜的是，这本《二集》在这方面处理得非常老道。它似乎吸取了前辈们在合奏改编上的教训，没有强行去“西化”中国旋律的核心骨架。 它的处理方式更像是一种“尊重基础上的再创造”。例如，对于一些五声音阶为主的曲调，它没有急于用大量复杂的属七和弦去“美化”，而是选择用开放的四度、五度和弦来衬托，让旋律本身的线条感保持清晰。在某些段落，钢琴声部甚至采用了类似“古琴”或“琵琶”的演奏技法模拟，通过快速的琶音或特殊的击弦效果，来模仿中国传统乐器的音色特点，这简直是天才之举！这种细腻的处理，体现了编者对中国音乐美学有着深刻的体悟，使得成品既有现代钢琴的饱满音色，又不失东方神韵的空灵与克制。

评分☆☆☆☆☆

从收藏和学习价值的角度来看，这本书的价值无疑是巨大的。它不仅仅是提供了一套可以直接演奏的曲目，更像是一本关于“如何进行中国民族音乐现代化改编”的教科书。对于任何有志于从事民族音乐创作、编曲或教育工作的音乐人来说，这本书提供了无数值得借鉴的范例。 我注意到，在曲集的后半部分，有几首改编曲目明显倾向于探索更具实验性的和声语言。这些作品不再拘泥于传统的调性框架，而是大胆地引入了十二音体系的片段，或者是在节奏上采用了复杂的复节奏结构，挑战了听众对于“中国音乐”的既有认知。这些创新并没有让作品流于晦涩难懂，而是巧妙地将这些现代手法融合在民族旋律的框架内，形成了一种既陌生又熟悉的听觉体验。这表明，编者们并非墨守成规，而是勇敢地站在了继承与创新的十字路口上，为中国音乐的未来走向提供了一种有力的可能性参考。这份勇气和探索精神，使得这本曲集远超一般的改编本，具有了里程碑式的意义。

评分☆☆☆☆☆

我特别关注了这本集子在不同情绪表达上的拓展性。很多国内的改编作品，在处理到宏大、欢快的主题时非常得心应手，但在表达那种深沉的、内敛的、带有历史沧桑感的题材时，往往力不从心。然而，这本《二集》的广度令人印象深刻。 有一首曲子，旋律基调非常忧郁，我原以为钢琴的加入只会让它听起来更“悲壮”，但实际上，作者通过在钢琴低音区使用持续的、极其微弱的持续音（Pedal Point），并让高音区用极其稀疏的、像雨滴一样的分解和弦进行回应，营造出了一种“举重若轻”的哀伤。这种处理方式，完全摆脱了传统“大起大落”的戏剧化表达，转而追求一种哲学层面的沉思。这让我意识到，双钢琴不仅仅是用来演奏气势恢宏的交响乐段的工具，它同样可以成为表达内省、细腻情感的绝佳载体，非常适合在需要静心聆听的场合播放。