具体描述
编辑推荐
在本书中，雕塑家威廉·塔克站在艺术创作者的视角，以雕塑家独有的体验，通过批评家般清晰的文字，讲述了一场从罗丹开始悄然发生的，几乎与雕塑本身等同重要的艺术运动——这场运动重塑并赋予雕塑全新的意义。自1974年首次出版以来，《雕塑的语言》在欧美各国成为雕塑行业中经久不衰的必读手册。此次中文版补充了作者自80年代以来的数篇论文及访谈，从而为当今的中文读者提供了更详尽、全面的理论认识和历史图景。内容简介
在《雕塑的语言》中，雕塑家威廉·塔克站在艺术创作者的视角，以雕塑家独有的体验，通过批评家般清晰的文字，讲述了一场从罗丹开始悄然发生的，几乎与雕塑本身同等重要的艺术运动一这场运动重塑并赋予雕塑全新的意义。自1974年首次出版以来，《雕塑的语言》在欧美各国成为雕塑行业中经久不衰的必读手册。此次中文版补充了作者自80年代以来的数篇论文及访谈，从而为当今的中文读者提供了更详尽、全面的理论认识和历史图景。作者简介
威廉·塔克（William Tucker），美国英裔著名雕塑家、教育家、作家，美国巴德学院艺术系联合主席，英国皇家艺术学院高级院士。内页插图
精彩书评
《雕塑的语言》作为一本雕塑家的著作，具有一般理论家、批评家所没有的视角……只有雕塑家才讲得出的切身经验和独到理解，在塔克的文字中也俯拾皆是。——隋建国，著名雕塑家
塔克的文字清晰、严谨、犀利且又质朴……任何一位对过往或者当今雕塑感兴趣的读者都会发现这一系列文章中的非凡激情。
——玛丽娜·韦西，《金融时报》
一部兼具专业学者和博学之士风范的作品……对于任何一个严肃的雕塑学生都是必不可缺的。
——英国《艺术评论》杂志
他的写作卓越、让人耳目一新。
——英国《艺术家》杂志
目录
总序 ix中文版前言 xi
序 xv
导言 1
1 罗丹 7
2 布朗库西：雕塑的元素 34
3 毕加索：立体主义与构成品 53
4 冈萨雷斯 71
5 马蒂斯的雕塑 82
6 物体 106
7 布朗库西在特尔古日乌 130
8 重力 148
注释 164
插图清单 169
马蒂斯雕塑：观看到的和抓握到的 175
这种艺术的语言是身体。曾几何时它被注视？ 184
梅达多·罗索：第二看法 188
特尔古日乌的传奇 202
布朗库西与两幅圣像 207
展览“塔克，体块与人像”策展人Kosme de Baranano教授对威廉· 塔克教授的访谈 217
作者简介 233
前言/序言
中文版前言威廉·塔克，上世纪六十年代登上英国雕塑舞台，七十年代就写出了欧美各国雕塑界从业人员入门的必读手册——《雕塑的语言》。
塔克这本专著的最吸引人之处，在于他从一个雕塑创作实践者的角度，在自身经验的基础上，深入论述了罗丹以及五六个受其影响却走上完全不同雕塑创作道路的重要欧洲艺术家个案。塔克选择的标准，显示出在他眼里谁更重要，谁更拥有未来，字里行间贯穿着他写作时作为思考基础的个人（也是他那一代人的）艺术理念。
《雕塑的语言》的核心，是对抽象艺术的信念，对雕塑作为自我包含的物体的信念。首先，是作为雕塑本体的雕塑——脱离开人体结构，实现作为特殊“物”存在的雕塑；再进一步，是作为感知对象的雕塑——独立自在、自我确认的，拥有主体性、“建立起物体与观者新关系的雕塑”。循着这样一种信念，塔克跟那一代英国雕塑家一起登上了国际雕塑舞台。当时他所认可的雕塑原则就是“雕塑中，材料既肯定了独特的表面，也肯定了连接方式”。塔克很快就成为新的英国雕塑家中的佼佼者。这本书的出版，也印证了这一点。
然而本书出版后没几年，塔克的雕塑创作实践就发生了重大转折。上世纪八十年代，塔克前往美国。在那里，他猛然发现自己“试图借用每个因素来为人类的意义做纪念碑，除了一个最重要的本质——大块，物质、实体的核心。”他意识到自己漏掉了什么。
从那以后，塔克掉转了创作方向。他转向具象雕塑，把目标对准了重力感和触觉等几个泥塑艺术中的关键问题，强调塑造和双手的作用。这些艺术实践的结果，可以在他九十年代以来的作品中看到。而随着观念的改变，塔克思考问题以及看待罗丹以来现代主义大师的眼光也变了。这就是为什么中文版《雕塑的语言》，又收入了至少四篇塔克八十年代以来的论文。在这些文章里，塔克又重谈梅达多·罗索、马蒂斯、布朗库西，甚至重新评价贾科梅蒂。为了与这些文字呼应，书中还收录了塔克谈自身创作的几篇重要访谈与文章，同时配上了他的作品图片。
塔克围绕罗丹等艺术家进行的写作，对长期沉浸在具象写实雕塑传统中的中国雕塑家具有重要的启示意义。在相当长的时间内，大多数中国雕塑家认为自己是在追随罗丹的道路。上世纪二十年代，留学归来的雕塑家们开始在中国组建美术院校，设立雕塑系科。从那时以来，雕塑领域最值得捧读的专著就是《罗丹艺术论》。可以说，中国几代雕塑家都是读着这本书走上艺术道路的。但事实是，随着现代主义雕塑在全球的兴起，罗丹雕塑的价值早已超出了追随自然、忠实于写生对象形体解剖结构的古典审美原则。罗丹的成就被视为：打破古典主义雕塑审美，以天才而超常的雕塑感悟力，将自己的泥塑人体塑造成为现代雕塑的动力源泉。
关于罗丹对于现代雕塑的启发性作用，塔克在书中讨论马蒂斯、布朗库西、德加和罗索时都有涉及。他说自己“花了很多年才接受罗丹，仍然不能全然接受地看待他的雕塑，这种不安在看德加作品时从不曾有：这是一种力量，对尴尬、丑陋的容貌损毁的接纳，它是纯塑造的结果，这种纯粹就是不加工具的中和，不加眼睛和大脑的审查，直接把人体的能量传导到到物质上。”关于这方面，重新发现了罗丹价值的美国艺术史家列奥·斯坦伯格，在批评文集《另类准则》中也有严谨而充满激情的论述。
所以说，塔克、斯坦伯格、克劳斯等倾情于现代雕塑的欧美艺术家、理论家——甚至大多数经过现代雕塑洗礼的欧美雕塑家——眼里的罗丹，早已不是我们原来循着古典写实雕塑的思路理解的罗丹。
《雕塑的语言》作为一本雕塑家的著作，具有一般理论家、批评家所没有的视角——从雕塑的内部看雕塑。读《罗丹艺术论》时，雕塑家都会注意到，罗丹特意强调了他最初学会的看形体方式：从正面看——每一个形体都是朝着你从内部顶出来。只有这样理解，雕塑家手中塑造或雕琢的形体才能达到最大的饱满度与视觉张力。另外罗丹还一再强调米开朗琪罗的话：真正的雕塑是从山上滚下来剩下的部分。这种只有雕塑家才讲得出的切身经验和独到理解，在塔克的文字中也俯拾皆是。
在《雕塑的语言》中，塔克从雕塑本质上是“物体”这一核心论点出发，将罗丹的《巴尔扎克》和德加的《舞女》、马蒂斯的《农奴》和布朗库西的《祈祷者》作为一个四联结构，精辟论述了“作为人体的雕塑”与“作为雕塑的人体”这一对看上去像语言游戏，其实却导致了古典与现代雕塑分道扬镳的理念，指出它们之间的边界、切分与重合。1975年，塔克又发表了一篇关于马蒂斯雕塑的论文，进一步阐述了马蒂斯雕塑的抓握感、小尺度、平衡性、反戏剧化，以及由此形成器物特质，进而给人以抓握的实在感，强调马蒂斯其实在布朗库西之前就已经认识到“作为雕塑的人体”这一现代雕塑的真理。马蒂斯雕塑细部无雕琢的塑造，是罗丹、布朗库西以及所有技巧纯熟的雕塑家永远垂涎三尺而无法抵达的境界。
塔克在书中还进一步讲到，马蒂斯因为觉悟到自己雕塑中含有的空间与距离的秘密，而关心同时代的贾科梅蒂的工作。他还指出了罗索作品中源于光线及摄影视觉的不可触摸性。2006年，塔克撰文分析布朗库西晚年在故乡特尔古日乌的一组纪念性雕塑，其精确与感性也是雕塑评论史上少见的。更重要的是，这篇文章写于塔克将审美天平从布朗库西摆向马蒂斯和贾科梅蒂之后的许多年。怎样的理智与距离感，才使塔克的心灵感受如此自由而洒脱！
谈及自身创作，塔克也有精彩表达。他说：“重力感是调解我们对雕塑的视觉感知与我们对其‘真实’形式的概念性知识的要素。雕塑的生命力实际上一直是依靠已知与感知间的差距维持。”对比马蒂斯与贾科梅蒂各自整体感的来源后，塔克阐释了自己对人体雕塑整体感的理解——不只是手指的触觉，把握要靠手掌，拥抱要靠手臂，从末梢到人体躯干本身是一个连通渐进的系统，就像每一片树叶的形状都是这棵树整体形状的复现。而且这种潜在的部分与整体之关系呈现为某种无穷秩序。
塔克以平生所学所求得出的思考，白纸黑字写在书里，激发后来者的思考。他1974年就写出了这本重要著作，如今辗转翻译成中文已是四十多年后。对于中国读者来说，这其中的遗憾是不言而喻的。但幸运的是，现在我们能够同时读到二十世纪七十年代的塔克与二十一世纪初的塔克。半个世纪的时间流转，滤掉许多表面的泡沫，将大海深处的洋流标示出来。因此，塔克雕塑理念转变前后的著述被翻译成中文一起在中国出版，有着非同寻常的意义。《雕塑的语言》中文版，将作为时间与空间（方向）上的双重节点，为中国现当代雕塑提供参考。
隋建国2016年11月于北京
用户评价
我最近读完的这本书，简直就是一部色彩斑斓的视觉史诗，聚焦于文艺复兴时期佛罗伦萨画派的色彩运用与光影处理。作者的叙事方式非常流畅，仿佛一位经验丰富的导游，带着读者穿梭于美第奇家族的宫廷和作坊之间。书中对湿壁画颜料的取材过程，以及不同时期（如早期文艺复兴到盛期文艺复兴）对蓝色和红色调的偏好变化，进行了细致入微的考证。最让我惊喜的是，作者竟然找到了几份关于提香晚期油画媒介配方的手稿复印件，并配以现代化学分析的结果，这极大地满足了我对“技法秘密”的好奇心。虽然对艺术史背景知识要求较高，但即便不完全了解那些复杂的家族谱系，光是沉浸在作者对光线如何塑造人物情感的描述中，就已经值回票价了。它不是一本枯燥的教科书，而更像是一本充满激情的匠人笔记，充满了对美学实践的热爱与敬畏。
评分这本关于现代艺术理论的专著，简直是为我这种试图在当代语境下理解抽象表达的“外行人”量身定制的。作者的笔触极其细腻，尤其是在探讨杜尚的现成品与观念艺术的交汇点时，那种抽丝剥茧的分析力度令人印象深刻。他并没有仅仅停留在对作品表面的描述，而是深入挖掘了艺术家在创作过程中所建立的那套内在逻辑系统。例如，书中对“剩余价值”在雕塑语境下的重构，通过引用大量晦涩难懂的德语哲学家的论述，构建了一个坚实的理论基石。虽然某些章节的学术性略显过重，初读时需要反复推敲，但一旦领悟了作者的思考路径，你会发现自己看待任何三维作品的方式都产生了根本性的转变。它教会我如何“听见”材料的沉默，如何“阅读”空间中的张力，而不是仅仅用眼睛去捕捉一个具象的形象。整本书的结构严谨，论证步步为营，读完后有一种被高强度智力训练过的感觉，推荐给所有对艺术哲学有深度探索欲望的读者。
评分读完这本书，我感觉自己仿佛经历了一场穿越时空的听觉盛宴，尽管书本是沉默的，但它成功地将声音的物理属性和情感的非物质性连接了起来。重点探讨的是20世纪中叶，电子音乐和偶然音乐的先驱们如何利用磁带、振荡器和录音机的剪辑技术，来“雕刻时间”本身。书中对斯托克豪森早期实验作品的分析尤其精彩，作者不仅描述了声音的频率和密度，更重要的是，解释了这些复杂的声场设计如何影响听众的本体感受和空间认知。它非常注重对技术革新的描述，从早期的模拟合成器到后来的数字采样，清晰地勾勒出声音媒介发展的脉络。这本书的排版设计也很有心裁，穿插了大量的波形图和电路图，使得原本抽象的理论变得具象可感。对于电子音乐爱好者或者声音设计师来说，这是一部不可多得的理论指南和灵感宝库。
评分这本书的视角相当独特，它完全跳出了传统的美学评价体系，转而从社会人类学的角度切入，探讨了19世纪末欧洲工业化背景下，手工艺人在城市化进程中的身份焦虑与艺术表达的异化。作者大量引用了当时的工人阶级报刊、工厂记录以及私人信件，构建了一个极具生活质感的图景。特别是关于英国工艺美术运动中，那些试图回归田园牧歌式创作的工匠们，他们作品中的“粗粝感”究竟是故意的反叛，还是时代压力的必然流露，书中给出了一个非常引人深思的辩证分析。文字风格非常写实，没有过多的文学修饰，反而因此显得更加有力。它让人深思，当我们赞美一件艺术品时，我们究竟在赞美“艺术”本身，还是赞美它背后所承载的，那些早已逝去的劳动和情感？对于研究社会史和文化变迁的人来说，这本书提供了极佳的案例支撑。
评分这部作品的切入点非常新颖，它没有关注宏大的艺术流派或大师生平，而是专注于“材料的内在生命力”这一哲学命题。作者以一种近乎诗意的散文笔触，探讨了不同材质——从火山岩的冷却纹理到丝绸纤维的韧性——如何在被艺术家处理之前，就已经携带了它们自身的历史和形变潜力。书中对“腐朽与新生”这一主题的讨论尤为深刻，作者认为，任何试图“固定”瞬间的艺术行为，本质上都是与材料的自然衰变过程的对话。比如，它详细描述了古代木材在潮湿环境中如何与真菌共生，以及这种共生关系如何被后世的修复师视为一种“破坏”。阅读体验是极其沉浸的，它引导读者关注那些我们日常生活中习以为常却又轻易忽略的“物质的低语”。如果你期待的是一本关于创作技巧的指南，你可能会失望，但如果你想深入理解人与物质世界的深层互动关系，这本书绝对会给你带来巨大的启发。
评分非常好
评分希望中央美术学院雕塑系兑现每年翻译出几本“现当代雕塑理论译丛”，这是雕塑的大事。40年前一本《罗丹艺术论》，今天“现当代雕塑理论译丛”。
评分为数不多的著作之一
评分好评。
评分很好，对各种艺术风格进行梳i理
评分还没看不错吧
评分好评。
评分不错，买着备用，先把素描的学好
评分书是全新正版的，送到的是包装好好，没有损坏哦。书的内容详细，不错。
相关图书
本站所有内容均为互联网搜索引擎提供的公开搜索信息，本站不存储任何数据与内容，任何内容与数据均与本站无关，如有需要请联系相关搜索引擎包括但不限于百度，google,bing,sogou 等
© 2025 book.idnshop.cc All Rights Reserved. 静思书屋 版权所有