故宫书画图录(二十七) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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国立故宫博物院 著

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出版社： 国立故宫博物院

ISBN：2010010501679

商品编码：16093192

故宫博物院藏珍品系列：明代青花瓷器研究与赏析 本书聚焦于故宫博物院收藏中极具代表性的明代青花瓷器，旨在通过对实物、工艺、纹饰及历史背景的深入剖析，构建一个全面、立体的研究框架。 引言：皇权与瓷韵的交融 明代是中国陶瓷艺术发展史上的一个黄金时期，尤其以青花瓷的成熟与辉煌著称于世。故宫博物院作为汇集了明清两代皇室用瓷精华的宝库，其收藏的明代青花瓷器品类之全、等级之高、艺术成就之卓越，举世罕有。本书将从宏观的历史脉络入手，探讨青花瓷如何从元代的萌芽走向明代的鼎盛，并逐步成为服务于宫廷、彰显皇权至高无上的物质载体。我们将首先梳理明代不同时期（洪武、永乐、宣德、正统、景泰、天顺、成化、弘治、正德、嘉靖、万历）的烧造特点和风格演变，为后续的细致研究奠定基础。 第一章：永乐、宣德——青花艺术的“黄金时代” 永乐（1403-1424）和宣德（1426-1435）两朝，是明代青花瓷发展史上的高峰期，其器型饱满、胎釉温润、青花色泽运用达到了前所未有的高度。 1.1 进口苏麻离青的辉煌与局限： 重点剖析永乐时期大量使用进口“苏麻离青”（或称“苏麻青”）钴料的特点。这种料因其铁、锰含量适中，烧成后呈现出浓郁的蓝中带黑的色泽，并常伴有美丽的“黑斑”或“锡光”现象。我们将通过对多件典型器物如大盘、梅瓶、碗的断代分析，讨论苏麻离青在不同气氛（还原或氧化）下呈现出的细微色差。同时，也会探讨苏麻离青原料的稀缺性对该时期产量和器型尺寸的影响。 1.2 宣德款识的规范化与成熟的绘画技艺： 宣德时期，青花装饰艺术达到了炉火纯青的境界。本书将详细研究宣德官窑款识的书写风格——字体方正、笔画清晰，规范地出现在器物底部或口沿。在纹饰方面，我们将重点解读宣德青花中“一花多枝”、“折枝花卉”、“海水纹”的构图变化。尤其值得深入探讨的是，宣德时期的画师们在表现龙、凤、鱼、莲等题材时，如何运用“渲染法”和“填色法”，使青花图案具有强烈的立体感和水墨画的韵味，这标志着装饰艺术与文人审美的深度结合。 1.3 器型研究：从实用到陈设的转变： 永宣时期的器型硕大、线条流畅，反映了宫廷对气势恢宏的审美需求。我们将对凤首扁壶、抱月瓶、特大型碗、以及外销至海外的青花瓷器进行分类研究，探讨其在礼制和外事活动中的功能定位。 第二章：成化一朝的“斗彩先声”与“豆青”替代 成化（1465-1487）青花风格较永宣时期有所转变，体量趋于秀美、灵巧，呈现出一种内敛的文人气质。 2.1 胎土与釉面的精细化： 成化官窑的胎土更为细腻洁白，釉面肥厚、温润如脂，尤其著名的“雨过天青”釉色（尽管主要用于豆青釉，但其对白釉质感的影响亦体现在青花器上）。我们着重分析成化时期，由于苏麻离青原料枯竭，转而使用国产“平等青”（或称“浙料”）的现象。平等青的特点是色泽淡雅，青花色调多呈灰蓝色，层次感较弱，但线条更为纤细，有利于表现精微的刻画细节。 2.2 “无款”与款识的“小”与“秀”： 成化官窑的款识风格独特，多为双圈六字楷款，字体小巧秀丽，笔道圆润。本书将辨析大量无款但风格明确的成化器物，并将其与有款器进行比对，探讨这种风格延续性背后的管理因素。 2.3 纹饰的创新：婴戏与密集的几何纹样： 成化青花中，婴戏图（如“一孩戏莲”纹）的描绘达到了高峰，人物刻画生动活泼，极富生活情趣。同时，器物边缘或主题纹饰间常布满细密的几何纹饰或缠枝纹，体现出一种“繁缛而不乱”的装饰美学。 第三章：嘉靖、万历——青花装饰的“晚明变奏” 嘉靖（1522-1566）和万历（1573-1620）时期，是中国青花瓷的又一次高峰，但其特点在于极度的装饰性、色彩的饱满以及款识的复杂化。 3.1 钴料的变革与“石青”的运用： 晚明时期，青花料的性质发生了显著变化。嘉靖时期，开始大量使用含铁量较高的国产钴料，烧成后青花色调浓艳、层次感强，出现明显的“黑斑”和“铁锈斑”，色彩对比强烈。万历时期，部分器物甚至出现了“五彩青花”的雏形，即在青花色地上施加釉上彩（如黄、绿、红等），为清代彩瓷的发展埋下了伏笔。 3.2 宗教题材与道家思想的渗透： 嘉靖朝的皇帝笃信道教，这直接反映在青花瓷的纹饰中。本书将集中研究以“八仙”人物、云鹤道教图案、以及“江山社稷”主题为代表的宫廷用瓷，分析其图像学意义。 3.3 款识的“长篇大论”与民窑的崛起： 嘉靖、万历官窑款识往往书写得更为繁复，字数增多，布局拉长，且多见“大明嘉靖/万历年制”的六字楷款。同时，我们将对比分析这一时期江南地区民窑青花的繁荣景象，探讨官窑与民窑在技术、风格和市场定位上的差异。 第四章：工艺细节的微观解析与辨伪要点 本书的最后部分将回归到对实物细节的考察，为收藏者和研究者提供具体的鉴赏标准。 4.1 足底处理与釉面光泽： 详细对比不同时期足底的修足工艺（如泥鳅背、平削、内凹），以及釉面在不同光照下的反光特性。例如，永宣时期的釉面常有细小的“橘皮纹”，而清雅的成化釉面则更为平滑。 4.2 绘画笔触与纹饰的“气韵”： 通过高清图版，分析不同朝代画师的笔触习惯——永宣的粗犷有力与成化的纤细工整。探讨如何通过对龙鳞、火焰、花瓣的描绘方式来判断其断代归属。 4.3 伪作的常见特征与应对策略： 基于对历代真品风格的掌握，揭示清代仿品（康熙、乾隆）与明代真品的关键区别，尤其是在钴料的还原程度、胎土的精纯度以及款识的“神韵”捕捉上的差异，旨在提供一套科学的辨伪思路。 结论：承古开今的艺术遗产 故宫博物院的明代青花收藏，不仅是皇室物质生活的见证，更是中国传统审美意识形态的物化体现。本书通过对这些稀世珍品的细致梳理，旨在阐明青花瓷如何在中国手工艺史上，以其独特的钴蓝魅力，完成了从技术创新到艺术巅峰的完美蜕变。

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读完这本《故宫书画图录(二十七)》，我感觉自己的艺术视野得到了极大的拓展。以往对于中国书画的认知，更多地停留在一些名家名作的表面。而这本书，则像一位引路人，带我深入到了更广阔的艺术天地。我惊叹于那些古代画家的才华，他们能够在宣纸上挥洒自如，描绘出如此生动传神的画面。无论是壮丽的山河，还是精巧的花鸟，抑或是栩栩如生的人物，都展现了他们非凡的观察力和表现力。而且，这本书不仅提供了精美的图版，还通过一些细节的处理，比如对题跋、印章的展示，让我看到了作品的另一层历史信息。这些信息，对于理解画作的创作背景、流传过程以及当时的社会文化都有着重要的意义。可以说，它让我对中国书画的理解，从“看热闹”进入到了“看门道”的层面。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，艺术是连接古今的桥梁，《故宫书画图录(二十七)》无疑是这座桥梁上的一块重要基石。每一次捧起它，都像是走进了一个充满故事的殿堂。那些画作，并非冰冷的图画，而是承载着历史信息和情感的生命体。我能从画中的山川叠嶂感受到古人的壮志豪情，也能从花鸟的灵动姿态中体会到生命的律动。而且，这本书对于细节的呈现非常到位，让我得以近距离地欣赏到艺术家们一丝不苟的笔法和精湛的技艺。每一个勾勒，每一次渲染，都凝聚着他们对美的极致追求。同时，我也能从中感受到不同时代、不同画家的艺术风格差异，这种对比和学习，让我对中国书画的丰富多样性有了更深刻的认识。这本书不仅仅是一本画册，更是一次与历史对话，与艺术对话的绝佳机会。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的震撼，远不止于视觉上的享受。它更像是一本浓缩的艺术史，让我得以从一个全新的角度去理解和审视那些耳熟能详的画作。当我仔细观察那些线条的流畅与劲道，色彩的搭配与晕染，以及构图的巧妙与平衡时，我才真正体会到中国传统绘画的独特魅力。不仅仅是技法上的精湛，更重要的是画作背后所蕴含的哲学思想和人文精神。每一幅山水都寄托着文人的情怀，每一朵花鸟都象征着生命的顽强，每一张人物都诉说着时代的变迁。我常常沉浸其中，仿佛与画中人对话，与画中山水共鸣。图录的编排也颇具匠心，并非简单的罗列，而是按照一定的脉络和主题进行组织，这使得我能够更系统地梳理和学习。每一次翻阅，都能有新的发现和感悟，这绝对是一本值得反复品读、珍藏的艺术宝典。

评分☆☆☆☆☆

拿到《故宫书画图录(二十七)》时，我抱着一种期待，希望能从中获得一些关于中国书画的系统性知识，不只是走马观花地看看图片。而这本书，恰恰满足了我这个愿望。它的图版质量非常高，细节清晰，色彩还原度也很不错，这对于欣赏画作的笔触和墨韵至关重要。我尤其喜欢那些标注有详细款识和印章的部分，这不仅是考证的依据，更是作品历史生命力的见证。通过对不同时期、不同流派作品的对比，我逐渐对中国书画的发展脉络有了更清晰的认识。一些我曾觉得模糊的概念，在这本书的引导下，也变得豁然开朗。它不是那种枯燥的学术著作，而是用一种更为亲切和直观的方式，向我展示了中国书画的辉煌成就。感觉就像是有一位经验丰富的老师，耐心地为我讲解每一幅作品背后的故事和价值。

评分☆☆☆☆☆

初次翻开这本《故宫书画图录(二十七)》，我就被它厚重典雅的气息深深吸引。精美的装帧，古朴的书页触感，都仿佛让我穿越了时空的阻隔，置身于那恢弘壮丽的紫禁城中。书中精心遴选的每一幅画作，不仅仅是静态的图像，更像是一扇扇窗，让我得以窥见历史的脉络，感受古人的情怀。从山水画的雄浑壮阔，到花鸟画的细腻生动，再到人物画的传神写意，每一笔每一墨都凝聚着匠心独运的技艺和深邃的文化底蕴。那些曾经只在博物馆展柜中遥不可及的珍品，如今就这样静静地呈现在我的眼前，让我可以反复品味，细致揣摩。尤其是一些我之前并不熟悉的画家作品，通过这本图录的呈现，我才得以有机会了解他们的艺术风格和生平故事，不禁感慨于中华文明的博大精深，以及历代艺术家们为之付出的心血与智慧。