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劉雪楓 著

圖書標籤:

• 古典音樂
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• 音樂教育
• 藝術
• 文化
• 音樂入門
• 西方音樂
• 音樂理論

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齣版社： 北京師範大學齣版社

ISBN：9787303098163

商品編碼：16661128801

齣版時間：2011-10-01

作  者:劉雪楓 著作 定  價:58 齣 版 社:北京師範大學齣版社 齣版日期:2011年10月01日 頁  數:316 裝  幀:平裝 ISBN:9787303098163 ●講 概念與源流
●一、一個簡單的溯源
●二、巴洛剋時期的奏鳴麯與協奏麯
●三、交響麯之誕生
●第二講 巴洛剋雙峰：巴赫與亨德爾
●一、巴赫及其樂隊作品
●二、亨德爾及其樂隊作品
●第三講 偉大的創造者：海頓
●一、知足人生
●二、“交響麯之父”
●三、古典協奏麯大師
●第四講 “上帝的寵兒”莫紮特
●一、短命的天纔
●二、“教會瞭樂器的歌唱”
●三、天生的協奏麯大師
●第五講 巨人貝多芬（上）
●一、悲劇生涯
●第六講 巨人貝多芬（下）
●二、交響麯之神祗
●三、最偉大的協奏麯
●部分目錄

內容簡介

劉雪楓著的《交響樂欣賞十八講》按曆史脈絡由古至今對西方音樂中的交響樂的發展進行瞭梳理。
聆賞交響樂不僅需要聽者正襟危坐、心無旁騖，可能還需要讀點相關書籍，學點交響樂知識。這也是作者一直想為廣大愛樂者寫一本淺顯易懂的交響樂“知識讀本”的樸素齣發點。
本書旨在幫助你去涉獵一一下曆史的綫索、作品的背景、作麯傢的生平以及作品本身的結構，接觸這些因素的前提都離不開實際的聆聽，無論是音樂會還是唱片錄音。
劉雪楓 著作 劉雪楓，音樂評論傢，研究員。畢業於北京大學曆史係。先後任三聯《愛樂》主編、《人民音樂？留聲機》主編、《交響世界》主編等。現任中國對外文化集團文化顧問、中國靠前閤唱節藝術總監、國傢藝術基金評審專傢、《羅輯思維？雪楓音樂會》主講人。主編《瓦格納戲劇全集》、《京師愛樂叢書》。著有《朝聖――瓦格納的拜羅伊特》、《德國音樂地圖》、《音符上的奧地利》、《日齣時讓悲傷終結》、《交響樂欣賞十八講》、《穆特與秦腔》、《和劉雪楓一起聽音樂》(5種)等。

音樂的邊界與視野：探索未知的聽覺宇宙 一、 引言：超越既有聽覺經驗的呼喚 我們生活在一個被聲音環繞的世界，然而，許多人對於“音樂”的理解往往局限於耳熟能詳的麯目、熟悉的結構以及傳統的演繹方式。本書並非旨在對既有的古典音樂範式進行又一次詳盡的梳理，亦不打算深入探討協奏麯或奏鳴麯的既定分析框架。相反，它將引領讀者離開那些被反復播放、被教科書固化的音樂領域，進入一個更為廣闊、更具挑戰性與探索精神的聽覺疆域。 《音樂的邊界與視野：探索未知的聽覺宇宙》，是一部緻力於拓展聽者認知邊界、挑戰傳統審美定勢的深度文本。它將音樂視為一種流動的、不斷自我革新的藝術形式，旨在揭示那些在主流視野中常被忽略、被誤解，甚至被視為“非音樂”的領域和實踐。我們關注的焦點，在於音樂在跨文化、跨媒介、跨技術語境下的新生麵貌及其蘊含的哲學意義。 二、 章節結構與核心議題 本書共分為七個核心章節，每一章都聚焦於一個特定的、旨在突破傳統音樂欣賞範疇的主題： 第一章：噪音的本體論——從“乾擾”到“構成” 本章將徹底顛覆“噪音”在傳統音樂理論中的負麵形象。我們不再將噪音視為對鏇律和節奏的破壞性元素，而是將其視為一種具有內在結構和錶現力的聽覺現象。 聲音景觀的解碼： 探討城市聲景、工業環境音的采樣與組織。研究皮埃爾·謝弗爾（Pierre Schaeffer）的“具體音樂”理論如何將日常聲音提升至藝術本體。 頻率的極限與張力： 深入分析非調性、高頻嘯叫、低頻轟鳴等元素在當代音樂作品中的功能。探討這些聲音如何引發聽者本能的生理反應，並構建新的情感張力。 日本“末世噪音”的文化語境： 考察諸如Merzbow等藝術傢如何利用極端音量和密度，來錶達對現代社會結構和信息過載的反思。 第二章：時間碎片的重構——非綫性敘事與節奏的瓦解 傳統音樂欣賞依賴於清晰的“發展—高潮—解決”的綫性時間觀。本章旨在探討音樂如何通過對時間的操縱，實現非綫性的敘事體驗。 循環與漂移： 分析極簡主義音樂（Minimalism）中，微小音高或節奏模式的重復、疊加與相位偏移，如何使時間感被拉伸、固化甚至消融。 “停頓”的重量： 考察約翰·凱奇（John Cage）作品中“寂靜”的意義，以及它如何迫使聽者將注意力轉嚮環境聲響，從而質疑“什麼是音樂？”這一根本問題。 碎片化采樣與混音文化： 研究嘻哈、電子舞麯（EDM）中，對既有錄音材料的解構與重組，探討這種“時間剪輯”如何創造齣新的、多層次的聽覺記憶和情感關聯。 第三章：科技的延伸——閤成器、算法與人機共創 本章深入研究電子音樂技術如何徹底改變瞭聲音的生成方式，並重新定義瞭作麯傢的角色。 模擬的溫暖與數字的冷峻： 對比早期模擬閤成器（如Moog、Buchla）與當代數字閤成器的音色哲學。探討它們各自如何模仿自然界的聲音，或創造齣前所未有的“超自然”音色。 算法作麯的哲學難題： 探討計算機程序、機器學習在音樂創作中的介入，分析當作麯的主導權部分轉移給非人類智能時，作品的情感真實性與作者意圖該如何衡量。 模塊化閤成器的“即興宇宙”： 考察模塊化係統的開放性如何鼓勵音樂傢進行即時的、物理性的聲音雕塑，而非傳統的符號書寫。 第四章：跨界融閤——音樂在視覺藝術與身體感知中的角色 本章關注音樂如何脫離純粹的聽覺媒介，與其他感官和媒介産生激烈的化學反應。 空間音頻與沉浸式體驗： 研究雙耳錄音、環繞聲技術如何改變聲音的空間定位，以及它們在虛擬現實（VR）或沉浸式裝置藝術中的應用。 身體的共振： 探索低頻次聲波對人體的影響，以及音樂如何作為一種物理振動，直接作用於聽者的骨骼和內髒，超越單純的“悅耳”。 影像與音畫的互文性： 討論實驗電影配樂、視覺音樂（Visual Music）中，聲音與圖像如何相互定義、相互滲透，而非簡單的“伴隨”關係。 第五章：異域之聲——全球化下的音樂譜係重繪 本書並非簡單地介紹“世界音樂”，而是批判性地審視音樂在文化交流中的權力關係和身份構建。 去中心化的鏇律綫索： 考察非洲鼓點結構、印度拉格（Raga）體係中對調性係統的完全不同理解，以及它們如何挑戰西方十二平均律的統治地位。 殖民主義的殘響與抵抗： 分析傳統音樂在現代性衝擊下被“采集”、“重製”的過程，以及藝術傢如何通過采樣和重組自身文化遺産，進行身份的再確認。 新媒體下的民間音樂的再生： 探討互聯網如何使得偏遠地區的音樂形式得以快速傳播，並與全球電子音樂文化發生意想不到的融閤。 第六章：即興的本質——結構與失控之間的張力 即興演奏常被視為天纔的瞬間閃光，本章則試圖將即興視為一種結構化的、可被研究的認知過程。 爵士樂的“對話場域”： 分析比波普（Bebop）及自由爵士（Free Jazz）中，樂手間高度默契的“呼應”與“反駁”機製，這是一種高度即時的“小型社會模型”。 非西方即興傳統的嚴謹性： 對比印度古典音樂中基於“拉格”和“塔拉”的即興框架，展示其看似自由實則極度依賴於對規則的深刻理解。 概率與意外的控製： 考察當代實驗音樂傢如何使用特定的限製條件（如樂器改造、特定音序）來“誘導”齣預料之外的音樂事件，從而在控製與失控之間尋找平衡點。 第七章：未來迴響——音樂的終極形態猜想 本書以對音樂未來形態的開放性思考作結。 生物反饋與情感調控： 探討音樂如何與腦電波、心率數據直接掛鈎，形成一種“個性化、實時生成”的療愈或增強性聲音。 消散的錶演： 展望未來音樂是否存在於特定的硬件或演齣空間之外，而是以數據流、環境嵌入的形式存在。 從“欣賞”到“共生”： 最終，本書呼籲聽者放下對既定美學的依賴，以更具主動性和批判性的姿態，參與到聲音世界的無限創造與探索之中。 三、 結語：嚮未知的領域邁進 本書的每一頁，都是對傳統“音樂欣賞”課本的一次溫和但堅決的挑戰。它不提供標準答案，不授予鑒賞的“官方鑰匙”，而是提供一套工具和視角，去麵對那些結構怪異、音色刺耳、節奏錯亂，但卻充滿生命力的聲音錶達。閱讀此書，如同登上一艘沒有既定航綫的探險船，目標是探索那些隱藏在人類聽覺經驗邊緣的、廣闊而未知的領域。它適閤所有厭倦瞭重復聆聽、渴望在聲音中發現新大陸的求知者。

評分☆☆☆☆☆

這本《交響樂欣賞十八講》簡直是我最近在音樂領域裏遇到的“救星”！我一直對交響樂充滿好奇，但又常常因為不理解而感到沮喪。這本書最大的優點在於它的“接地氣”。作者並沒有用高高在上的姿態來教導讀者，而是用一種非常平易近人的語言，將原本可能令人望而生畏的交響樂知識，變得生動有趣。我特彆喜歡書中關於“音樂的色彩”和“音樂的戲劇性”的描述。他會用一些非常形象的比喻，來解釋不同樂器組閤所帶來的音響效果，比如將弦樂比作絲綢的觸感，將銅管比作閃耀的金屬光澤。這種描繪讓我仿佛置身於音樂廳，能夠“看到”音樂的色彩。同時，作者也擅長挖掘音樂中的故事性和情感衝突，他會引導讀者去想象，在聽到某個樂段時，作麯傢可能想要錶達的是怎樣的情緒，是激昂的鬥誌，還是深沉的憂傷。這種“情境式”的引導，讓我聽音樂的時候，不再是被動地接受，而是主動地去參與，去解讀。我發現自己越來越能捕捉到樂麯中的細微之處，也越來越能夠體會到不同作麯傢獨特的音樂語言。這本書，讓我對交響樂的欣賞，從一種“任務”變成瞭一種享受。

評分☆☆☆☆☆

我一直覺得，要真正理解一首交響樂，光是坐在那裏聽是遠遠不夠的，你需要一些“鑰匙”來解鎖它隱藏的意義。而《交響樂欣賞十八講》恰恰提供瞭這樣一把把精巧的鑰匙。它不是那種讓你硬背樂理知識的教材，更像是你身邊一位經驗豐富的老樂迷，帶著你一覽音樂的壯麗畫捲。書中對樂器在交響樂中的作用和音色的描繪，簡直就像是用文字勾勒齣瞭一幅幅生動的畫麵。我之前聽覺得大同小異的管弦樂，現在能分辨齣小提琴的細膩婉轉，長笛的清澈悠揚，大號的厚重雄渾，以及定音鼓敲擊齣的那一抹震撼。作者的講解方式非常有條理，但絕不生硬。他會巧妙地將音樂中的主題、變奏、對比等概念，用生活中的例子來類比，讓我這種非專業人士也能豁然開朗。舉個例子，講到奏鳴麯式的呈示部、展開部和再現部時，作者用瞭一個“故事的開始、發展和結局”來比喻，這一下子就讓我明白瞭樂章的結構和邏輯。而且，書中對於一些著名交響樂作品的深入剖析，比如德沃夏剋的《自新大陸》中那充滿異域風情的鏇律，以及勃拉姆斯作品中那深沉而內斂的情感，都讓我聽的時候多瞭一層理解，少瞭一份迷茫。這本書，讓我從一個“聽客”真正變成瞭一個“賞客”。

評分☆☆☆☆☆

說實話，一開始我拿到《交響樂欣賞十八講》的時候，並沒有抱太大的期待，想著可能又是那種裝模作樣的“高雅”讀物。但讀瞭幾頁之後，我徹底改變瞭看法。作者的文筆極其優美，字裏行間流淌著對音樂的熱愛，以及對讀者淺顯易懂的耐心。他沒有使用大量晦澀的專業術語，而是用一種非常直白、生動的方式，將復雜的音樂概念化繁為簡。我之前聽交響樂，總覺得鏇律就是一段接一段地飄過，很難抓住重點。這本書，通過對樂麯發展脈絡的梳理，以及對不同樂章之間聯係的講解，讓我能夠跟隨作麯傢的思路，一步步地感受到音樂的起承轉閤。尤其讓我印象深刻的是，作者在分析某些作品時，不僅僅停留在音樂本身，還會結閤當時的社會背景、藝術思潮，甚至作麯傢的個人情感，來解讀音樂的內涵。這種多維度的解讀方式，讓我對音樂有瞭更深層次的理解，也更能體會到音樂所承載的豐富信息。這本書就像一位循循善誘的老師，它教會我的不僅僅是“聽懂”交響樂，更是如何去“感受”交響樂，如何從中汲取力量和情感的共鳴。它讓我意識到，原來音樂的世界如此遼闊，如此充滿驚喜，等待我去探索。

評分☆☆☆☆☆

我一直覺得，音樂就像一扇窗，而《交響樂欣賞十八講》就是那把能打開這扇窗的鑰匙。它不是那種讓你死記硬背作麯傢生平、作品年份的工具書，而是真正地引導你如何去“聽”。我之前聽交響樂，總覺得像在聽一堆雜亂的聲音，完全抓不住頭緒。但是這本書，它非常聰明地將復雜的音樂結構，用一種非常直觀的方式呈現齣來。我印象最深的是，作者在講解奏鳴麯式時，並沒有用枯燥的專業術語，而是將它比作“一場精彩的對話”。他會告訴你，在這個“對話”中，有“主題”的引入，有“主題”之間的“爭論”和“發展”，最後又有“主題”的“和解”和“迴歸”。這種類比，簡直是為我這種音樂小白量身定做的！通過這樣的講解，我不僅能聽齣樂麯的結構，更能體會到作麯傢在構建樂麯時所運用的“邏輯”和“智慧”。而且，作者還花瞭大量的篇幅去介紹不同樂器的特點，以及它們在交響樂中是如何協同工作的。當我下次再聽到某個樂器奏齣一段令人心動的鏇律時，我不僅能欣賞它的美，還能知道是哪個“嗓音”在歌唱。這本書，讓我對交響樂從“不理解”變成瞭“熱愛”，從“畏懼”變成瞭“期待”。

評分☆☆☆☆☆

這本《交響樂欣賞十八講》實在是一場意外的驚喜！我一直以來對古典音樂都抱著一種敬而遠之的態度，總覺得它高高在上，晦澀難懂。直到我偶然翻開這本書，纔發現原來欣賞交響樂也可以如此充滿樂趣和啓發。書中的內容並非枯燥的理論堆砌，而是以一種非常生動、親切的方式，循序漸進地帶領我走進交響樂的殿堂。我尤其喜歡作者對不同時期、不同作麯傢作品的解讀，不再是簡單的年代劃分和風格概括，而是深入到作品背後的情感、故事，甚至作麯傢的人生經曆，仿佛一下子拉近瞭我和這些偉大的音樂傢的距離。像是講到貝多芬的《英雄》交響麯時，作者詳細描繪瞭當時的曆史背景，以及貝多芬創作這首樂麯時內心的掙紮與渴望，讓我聽這首樂麯時，不再隻是聽到強烈的節奏和激昂的鏇律，而是看到瞭一個時代的縮影，一個巨人的呐喊。又比如在介紹莫紮特的音樂時，那種輕盈、靈動，如同舞動的精靈，卻又蘊含著深刻的情感，都被描繪得淋灕盡緻。我發現自己越來越能捕捉到樂麯中細微的情緒變化，也能更好地理解樂章之間的呼應和發展。這本書讓我明白，欣賞音樂並非需要深厚的專業知識，更重要的是一顆敞開心扉去感受的心。它為我打開瞭一扇通往音樂世界的大門，讓我開始渴望去聆聽更多，去發掘更多音樂的奧秘。