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刘雪枫 著

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出版社： 北京师范大学出版社

ISBN：9787303098163

商品编码：16661128801

出版时间：2011-10-01

作  者:刘雪枫 著作 定  价:58 出 版 社:北京师范大学出版社 出版日期:2011年10月01日 页  数:316 装  帧:平装 ISBN:9787303098163 ●讲 概念与源流
●一、一个简单的溯源
●二、巴洛克时期的奏鸣曲与协奏曲
●三、交响曲之诞生
●第二讲 巴洛克双峰：巴赫与亨德尔
●一、巴赫及其乐队作品
●二、亨德尔及其乐队作品
●第三讲 伟大的创造者：海顿
●一、知足人生
●二、“交响曲之父”
●三、古典协奏曲大师
●第四讲 “上帝的宠儿”莫扎特
●一、短命的天才
●二、“教会了乐器的歌唱”
●三、天生的协奏曲大师
●第五讲 巨人贝多芬（上）
●一、悲剧生涯
●第六讲 巨人贝多芬（下）
●二、交响曲之神祗
●三、最伟大的协奏曲
●部分目录

内容简介

刘雪枫著的《交响乐欣赏十八讲》按历史脉络由古至今对西方音乐中的交响乐的发展进行了梳理。
聆赏交响乐不仅需要听者正襟危坐、心无旁骛，可能还需要读点相关书籍，学点交响乐知识。这也是作者一直想为广大爱乐者写一本浅显易懂的交响乐“知识读本”的朴素出发点。
本书旨在帮助你去涉猎一一下历史的线索、作品的背景、作曲家的生平以及作品本身的结构，接触这些因素的前提都离不开实际的聆听，无论是音乐会还是唱片录音。
刘雪枫 著作 刘雪枫，音乐评论家，研究员。毕业于北京大学历史系。先后任三联《爱乐》主编、《人民音乐？留声机》主编、《交响世界》主编等。现任中国对外文化集团文化顾问、中国靠前合唱节艺术总监、国家艺术基金评审专家、《罗辑思维？雪枫音乐会》主讲人。主编《瓦格纳戏剧全集》、《京师爱乐丛书》。著有《朝圣――瓦格纳的拜罗伊特》、《德国音乐地图》、《音符上的奥地利》、《日出时让悲伤终结》、《交响乐欣赏十八讲》、《穆特与秦腔》、《和刘雪枫一起听音乐》(5种)等。

音乐的边界与视野：探索未知的听觉宇宙 一、 引言：超越既有听觉经验的呼唤 我们生活在一个被声音环绕的世界，然而，许多人对于“音乐”的理解往往局限于耳熟能详的曲目、熟悉的结构以及传统的演绎方式。本书并非旨在对既有的古典音乐范式进行又一次详尽的梳理，亦不打算深入探讨协奏曲或奏鸣曲的既定分析框架。相反，它将引领读者离开那些被反复播放、被教科书固化的音乐领域，进入一个更为广阔、更具挑战性与探索精神的听觉疆域。 《音乐的边界与视野：探索未知的听觉宇宙》，是一部致力于拓展听者认知边界、挑战传统审美定势的深度文本。它将音乐视为一种流动的、不断自我革新的艺术形式，旨在揭示那些在主流视野中常被忽略、被误解，甚至被视为“非音乐”的领域和实践。我们关注的焦点，在于音乐在跨文化、跨媒介、跨技术语境下的新生面貌及其蕴含的哲学意义。 二、 章节结构与核心议题 本书共分为七个核心章节，每一章都聚焦于一个特定的、旨在突破传统音乐欣赏范畴的主题： 第一章：噪音的本体论——从“干扰”到“构成” 本章将彻底颠覆“噪音”在传统音乐理论中的负面形象。我们不再将噪音视为对旋律和节奏的破坏性元素，而是将其视为一种具有内在结构和表现力的听觉现象。 声音景观的解码： 探讨城市声景、工业环境音的采样与组织。研究皮埃尔·谢弗尔（Pierre Schaeffer）的“具体音乐”理论如何将日常声音提升至艺术本体。 频率的极限与张力： 深入分析非调性、高频啸叫、低频轰鸣等元素在当代音乐作品中的功能。探讨这些声音如何引发听者本能的生理反应，并构建新的情感张力。 日本“末世噪音”的文化语境： 考察诸如Merzbow等艺术家如何利用极端音量和密度，来表达对现代社会结构和信息过载的反思。 第二章：时间碎片的重构——非线性叙事与节奏的瓦解 传统音乐欣赏依赖于清晰的“发展—高潮—解决”的线性时间观。本章旨在探讨音乐如何通过对时间的操纵，实现非线性的叙事体验。 循环与漂移： 分析极简主义音乐（Minimalism）中，微小音高或节奏模式的重复、叠加与相位偏移，如何使时间感被拉伸、固化甚至消融。 “停顿”的重量： 考察约翰·凯奇（John Cage）作品中“寂静”的意义，以及它如何迫使听者将注意力转向环境声响，从而质疑“什么是音乐？”这一根本问题。 碎片化采样与混音文化： 研究嘻哈、电子舞曲（EDM）中，对既有录音材料的解构与重组，探讨这种“时间剪辑”如何创造出新的、多层次的听觉记忆和情感关联。 第三章：科技的延伸——合成器、算法与人机共创 本章深入研究电子音乐技术如何彻底改变了声音的生成方式，并重新定义了作曲家的角色。 模拟的温暖与数字的冷峻： 对比早期模拟合成器（如Moog、Buchla）与当代数字合成器的音色哲学。探讨它们各自如何模仿自然界的声音，或创造出前所未有的“超自然”音色。 算法作曲的哲学难题： 探讨计算机程序、机器学习在音乐创作中的介入，分析当作曲的主导权部分转移给非人类智能时，作品的情感真实性与作者意图该如何衡量。 模块化合成器的“即兴宇宙”： 考察模块化系统的开放性如何鼓励音乐家进行即时的、物理性的声音雕塑，而非传统的符号书写。 第四章：跨界融合——音乐在视觉艺术与身体感知中的角色 本章关注音乐如何脱离纯粹的听觉媒介，与其他感官和媒介产生激烈的化学反应。 空间音频与沉浸式体验： 研究双耳录音、环绕声技术如何改变声音的空间定位，以及它们在虚拟现实（VR）或沉浸式装置艺术中的应用。 身体的共振： 探索低频次声波对人体的影响，以及音乐如何作为一种物理振动，直接作用于听者的骨骼和内脏，超越单纯的“悦耳”。 影像与音画的互文性： 讨论实验电影配乐、视觉音乐（Visual Music）中，声音与图像如何相互定义、相互渗透，而非简单的“伴随”关系。 第五章：异域之声——全球化下的音乐谱系重绘 本书并非简单地介绍“世界音乐”，而是批判性地审视音乐在文化交流中的权力关系和身份构建。 去中心化的旋律线索： 考察非洲鼓点结构、印度拉格（Raga）体系中对调性系统的完全不同理解，以及它们如何挑战西方十二平均律的统治地位。 殖民主义的残响与抵抗： 分析传统音乐在现代性冲击下被“采集”、“重制”的过程，以及艺术家如何通过采样和重组自身文化遗产，进行身份的再确认。 新媒体下的民间音乐的再生： 探讨互联网如何使得偏远地区的音乐形式得以快速传播，并与全球电子音乐文化发生意想不到的融合。 第六章：即兴的本质——结构与失控之间的张力 即兴演奏常被视为天才的瞬间闪光，本章则试图将即兴视为一种结构化的、可被研究的认知过程。 爵士乐的“对话场域”： 分析比波普（Bebop）及自由爵士（Free Jazz）中，乐手间高度默契的“呼应”与“反驳”机制，这是一种高度即时的“小型社会模型”。 非西方即兴传统的严谨性： 对比印度古典音乐中基于“拉格”和“塔拉”的即兴框架，展示其看似自由实则极度依赖于对规则的深刻理解。 概率与意外的控制： 考察当代实验音乐家如何使用特定的限制条件（如乐器改造、特定音序）来“诱导”出预料之外的音乐事件，从而在控制与失控之间寻找平衡点。 第七章：未来回响——音乐的终极形态猜想 本书以对音乐未来形态的开放性思考作结。 生物反馈与情感调控： 探讨音乐如何与脑电波、心率数据直接挂钩，形成一种“个性化、实时生成”的疗愈或增强性声音。 消散的表演： 展望未来音乐是否存在于特定的硬件或演出空间之外，而是以数据流、环境嵌入的形式存在。 从“欣赏”到“共生”： 最终，本书呼吁听者放下对既定美学的依赖，以更具主动性和批判性的姿态，参与到声音世界的无限创造与探索之中。 三、 结语：向未知的领域迈进 本书的每一页，都是对传统“音乐欣赏”课本的一次温和但坚决的挑战。它不提供标准答案，不授予鉴赏的“官方钥匙”，而是提供一套工具和视角，去面对那些结构怪异、音色刺耳、节奏错乱，但却充满生命力的声音表达。阅读此书，如同登上一艘没有既定航线的探险船，目标是探索那些隐藏在人类听觉经验边缘的、广阔而未知的领域。它适合所有厌倦了重复聆听、渴望在声音中发现新大陆的求知者。

评分☆☆☆☆☆

说实话，一开始我拿到《交响乐欣赏十八讲》的时候，并没有抱太大的期待，想着可能又是那种装模作样的“高雅”读物。但读了几页之后，我彻底改变了看法。作者的文笔极其优美，字里行间流淌着对音乐的热爱，以及对读者浅显易懂的耐心。他没有使用大量晦涩的专业术语，而是用一种非常直白、生动的方式，将复杂的音乐概念化繁为简。我之前听交响乐，总觉得旋律就是一段接一段地飘过，很难抓住重点。这本书，通过对乐曲发展脉络的梳理，以及对不同乐章之间联系的讲解，让我能够跟随作曲家的思路，一步步地感受到音乐的起承转合。尤其让我印象深刻的是，作者在分析某些作品时，不仅仅停留在音乐本身，还会结合当时的社会背景、艺术思潮，甚至作曲家的个人情感，来解读音乐的内涵。这种多维度的解读方式，让我对音乐有了更深层次的理解，也更能体会到音乐所承载的丰富信息。这本书就像一位循循善诱的老师，它教会我的不仅仅是“听懂”交响乐，更是如何去“感受”交响乐，如何从中汲取力量和情感的共鸣。它让我意识到，原来音乐的世界如此辽阔，如此充满惊喜，等待我去探索。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，音乐就像一扇窗，而《交响乐欣赏十八讲》就是那把能打开这扇窗的钥匙。它不是那种让你死记硬背作曲家生平、作品年份的工具书，而是真正地引导你如何去“听”。我之前听交响乐，总觉得像在听一堆杂乱的声音，完全抓不住头绪。但是这本书，它非常聪明地将复杂的音乐结构，用一种非常直观的方式呈现出来。我印象最深的是，作者在讲解奏鸣曲式时，并没有用枯燥的专业术语，而是将它比作“一场精彩的对话”。他会告诉你，在这个“对话”中，有“主题”的引入，有“主题”之间的“争论”和“发展”，最后又有“主题”的“和解”和“回归”。这种类比，简直是为我这种音乐小白量身定做的！通过这样的讲解，我不仅能听出乐曲的结构，更能体会到作曲家在构建乐曲时所运用的“逻辑”和“智慧”。而且，作者还花了大量的篇幅去介绍不同乐器的特点，以及它们在交响乐中是如何协同工作的。当我下次再听到某个乐器奏出一段令人心动的旋律时，我不仅能欣赏它的美，还能知道是哪个“嗓音”在歌唱。这本书，让我对交响乐从“不理解”变成了“热爱”，从“畏惧”变成了“期待”。

评分☆☆☆☆☆

这本《交响乐欣赏十八讲》实在是一场意外的惊喜！我一直以来对古典音乐都抱着一种敬而远之的态度，总觉得它高高在上，晦涩难懂。直到我偶然翻开这本书，才发现原来欣赏交响乐也可以如此充满乐趣和启发。书中的内容并非枯燥的理论堆砌，而是以一种非常生动、亲切的方式，循序渐进地带领我走进交响乐的殿堂。我尤其喜欢作者对不同时期、不同作曲家作品的解读，不再是简单的年代划分和风格概括，而是深入到作品背后的情感、故事，甚至作曲家的人生经历，仿佛一下子拉近了我和这些伟大的音乐家的距离。像是讲到贝多芬的《英雄》交响曲时，作者详细描绘了当时的历史背景，以及贝多芬创作这首乐曲时内心的挣扎与渴望，让我听这首乐曲时，不再只是听到强烈的节奏和激昂的旋律，而是看到了一个时代的缩影，一个巨人的呐喊。又比如在介绍莫扎特的音乐时，那种轻盈、灵动，如同舞动的精灵，却又蕴含着深刻的情感，都被描绘得淋漓尽致。我发现自己越来越能捕捉到乐曲中细微的情绪变化，也能更好地理解乐章之间的呼应和发展。这本书让我明白，欣赏音乐并非需要深厚的专业知识，更重要的是一颗敞开心扉去感受的心。它为我打开了一扇通往音乐世界的大门，让我开始渴望去聆听更多，去发掘更多音乐的奥秘。

评分☆☆☆☆☆

这本《交响乐欣赏十八讲》简直是我最近在音乐领域里遇到的“救星”！我一直对交响乐充满好奇，但又常常因为不理解而感到沮丧。这本书最大的优点在于它的“接地气”。作者并没有用高高在上的姿态来教导读者，而是用一种非常平易近人的语言，将原本可能令人望而生畏的交响乐知识，变得生动有趣。我特别喜欢书中关于“音乐的色彩”和“音乐的戏剧性”的描述。他会用一些非常形象的比喻，来解释不同乐器组合所带来的音响效果，比如将弦乐比作丝绸的触感，将铜管比作闪耀的金属光泽。这种描绘让我仿佛置身于音乐厅，能够“看到”音乐的色彩。同时，作者也擅长挖掘音乐中的故事性和情感冲突，他会引导读者去想象，在听到某个乐段时，作曲家可能想要表达的是怎样的情绪，是激昂的斗志，还是深沉的忧伤。这种“情境式”的引导，让我听音乐的时候，不再是被动地接受，而是主动地去参与，去解读。我发现自己越来越能捕捉到乐曲中的细微之处，也越来越能够体会到不同作曲家独特的音乐语言。这本书，让我对交响乐的欣赏，从一种“任务”变成了一种享受。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，要真正理解一首交响乐，光是坐在那里听是远远不够的，你需要一些“钥匙”来解锁它隐藏的意义。而《交响乐欣赏十八讲》恰恰提供了这样一把把精巧的钥匙。它不是那种让你硬背乐理知识的教材，更像是你身边一位经验丰富的老乐迷，带着你一览音乐的壮丽画卷。书中对乐器在交响乐中的作用和音色的描绘，简直就像是用文字勾勒出了一幅幅生动的画面。我之前听觉得大同小异的管弦乐，现在能分辨出小提琴的细腻婉转，长笛的清澈悠扬，大号的厚重雄浑，以及定音鼓敲击出的那一抹震撼。作者的讲解方式非常有条理，但绝不生硬。他会巧妙地将音乐中的主题、变奏、对比等概念，用生活中的例子来类比，让我这种非专业人士也能豁然开朗。举个例子，讲到奏鸣曲式的呈示部、展开部和再现部时，作者用了一个“故事的开始、发展和结局”来比喻，这一下子就让我明白了乐章的结构和逻辑。而且，书中对于一些著名交响乐作品的深入剖析，比如德沃夏克的《自新大陆》中那充满异域风情的旋律，以及勃拉姆斯作品中那深沉而内敛的情感，都让我听的时候多了一层理解，少了一份迷茫。这本书，让我从一个“听客”真正变成了一个“赏客”。