具体描述
基本信息
书名：美术基础教程
定价：28.00元
作者：邓怀东,张国崴,周鲁潍,顾彬
出版社：清华大学出版社
出版日期：2006-04-01
ISBN：9787302125716
字数：
页码：
版次：1
装帧：平装
开本：
商品重量：0.359kg
编辑推荐
内容提要
本书足根据建筑装饰专业教学要求编写的美术教材。全节共分为3章，主要包括素描、水粉画和水彩画三大部分，着重于讲述绘画的基本理沦知识和基本技法，此外还提供了大量的绘画习作，以便于参考。
本书作者长期从事建筑美术教育工作，熟悉和厂解各种不同的的教学对象、模式和教学方法。本书足作者多年教学经验的结晶，书中的文字、图例和范画编排史具有针对性和实用性，使阅读使用非常方便。
本书主要用作建筑装饰专业、环境艺术专业以及规划和园林专业的教材，也可作为函授和白考辅导用书，或供相关专业人员参考。
目录
作者介绍
文摘
序言
《光影之谜：解构西方古典油画的色彩与结构》 引言：穿越时空的对话 本书并非枯燥的技法手册，而是一场对西方古典油画黄金时代——文艺复兴盛期至巴洛克鼎盛期——的深度探索。我们聚焦于那些奠定了西方艺术史基石的巨匠们（如达芬奇、拉斐尔、卡拉瓦乔、伦勃朗），剖析他们如何将对自然界和人体的精准观察，转化为永恒的视觉震撼。本书的宗旨是揭示隐藏在精美画面之下的“骨骼”与“血液”：严谨的结构逻辑、对光线无与伦比的掌控，以及色彩的心理学运用。 --- 第一部分：理性之光——透视、解剖与构图的几何学 古典油画的精髓在于“再现”的科学性与“理想化”的艺术性的完美融合。本部分将深入探讨支撑画面稳定性和叙事张力的基础技术。 第一章：视网膜的重构——线性透视与空气透视的精妙平衡 我们摒弃基础的单点消失线教学，转而深入探讨古典大师如何运用多点透视和不对称构图来引导观众视线，制造戏剧性。 “拉斐尔的房间”： 分析《雅典学院》中如何利用建筑的收缩线，将人物群像组织在一个统一的、具有纵深感的舞台上。 视点高低的哲学： 探讨高视点（俯瞰，如提香的部分作品）带来的疏离感与低视点（仰视，如巴洛克教堂壁画）带来的崇高感之间的转换机制。 空气透视的色彩衰减： 深入研究透视不仅是线条的收缩，更是色彩饱和度和冷暖倾向的系统性变化。远景的“蓝调”是如何通过控制颜料的媒介比例实现的，而非简单地添加白色。 第二章：人体的结构语言——从骨骼到动态的解剖学基础 古典写实建立在对人体运动学和形态学的深刻理解之上。本书不提供速写练习，而是侧重于“结构简化”与“动态捕捉”的理论。 “普拉克西特利式的肌肉”： 研究米开朗基罗在解剖基础上如何进行“夸张化”处理，以强调英雄主义和情感张力，而非仅仅是生理的复制。 姿态的心理学： 讨论“contrapposto”（对立平衡）如何从雕塑语言过渡到油画中的动态平衡，以及如何通过关节的扭转来预示角色的内在冲突（如卡拉瓦乔画作中人物的“瞬间定格”）。 褶皱的逻辑： 褶皱（Drapery）并非随机的布料堆积，而是对下方人体形态和重力作用的忠实报告。分析不同材质（丝绸、羊毛、亚麻）在光照下的形变规律。 第三章：构图的隐秘秩序——黄金分割与动态三角 超越基础的“三分法”，本部分研究大师们如何构建复杂的、多层次的叙事构图。 动态三角与金字塔结构： 剖析达芬奇如何将核心人物置于稳定而又略带倾斜的几何框架中，以确保画面的视觉稳定性和信息层级。 对角线的张力： 探讨如何利用强烈的对角线（如武器、手臂或视线）来打破画面的静态平衡，制造叙事高潮和运动感。 留白与负空间的战略运用： 研究在巴洛克早期，如何通过对空白区域（特别是背景天空或阴影）的精确控制，来反衬主体的高光部分。 --- 第二部分：色彩的炼金术——光影的哲学与媒介的秘密 如果说结构是骨架，那么色彩和光影则是赋予油画生命的灵魂。本部分专注于古典油画中对媒介的极致运用，特别是对“光”的模拟。 第四章：卡拉瓦乔的黑暗剧场——明暗对比（Chiaroscuro）的深度解析 本章是关于“光线控制”的专题研究，完全聚焦于光线如何成为叙事的主角。 单光源的戏剧性： 分析卡拉瓦乔如何使用极端的“聚光灯”效果，模拟自然界中不常见的、从特定角度射入的强光，以及这种光线如何塑造人物的命运感。 “Sfumato”的超越： 区别于达芬奇的柔和烟雾效果，本章研究更具锋利边缘的“暗部过渡”技术，即如何用极少量中间调来连接极亮与极暗区域，避免“脏”色。 背景的“吞噬”作用： 讨论背景如何从单纯的场景设定，演变为深不可测的虚无，用以衬托被光照亮的人性瞬间。 第五章：伦勃朗的“温暖的阴影”——色彩的心理学与层次堆叠 伦勃朗对色彩的运用是一种内向的、情感驱动的过程，与意大利的“线条主义”形成了鲜明对比。 “油膏的厚度”与光线的反射： 深入研究伦勃朗在皮肤和织物高光处使用的厚涂（Impasto）技术，以及这些物质表面的纹理如何通过调节媒介与颜料的比例，捕捉并散射环境光。 色彩的“内省”： 分析伦勃朗如何偏爱使用土红、赭石、棕色和镉黄的复杂混合，创造出一种“自发光”的感觉，仿佛光芒是从人物内部散发出来，而非外部照射。 色彩的“不精确性”： 探讨为何伦勃朗的色彩在局部看来可能略微“偏离”自然真实，但整体却无比和谐，这是对“视觉舒适区”的精妙调控。 第六章：威尼斯画派的色彩革命——媒介的调性与透明度 本章对比了北方（注重细节和油性）与威尼斯画派（注重色彩和气氛）在媒介运用上的差异。 “Glazing”（罩染）的魔力： 详细解析提香、委罗内塞等大师如何通过数百层极薄、高透明度的油性釉料层，逐步建立起色彩的深度和光泽感。这是一种“减法”的着色过程，与现代的直接画法形成对照。 媒介的秘密： 研究古代画家如何使用松节油、达玛树脂、核桃油等不同媒介，来精确控制每一层颜料的干燥速度、光泽度和透明度，以适应不同的光影需求。 色彩的氛围营造： 分析如何利用大面积的暖色调（如深红与金色）来营造宫廷的奢华感或神圣的温暖感，以及如何通过引入冷色调的局部对比来平衡整体的“热度”。 --- 结语：永恒的技艺与当代的视野 本书旨在为读者提供一套工具，使他们能够“阅读”古典油画的内部结构，理解每一条线条、每一块阴影背后所蕴含的严密规划。我们不教授如何“画得像”，而是教授如何“看得懂”这些大师们是如何思考光线、结构与情感的统一性的。学习古典油画的“基础”，意味着掌握的是一套跨越时代、关于视觉表达的永恒法则。
用户评价
我最近对色彩的搭配和运用产生了浓厚的兴趣，尤其是那些能够准确捕捉到事物情感色彩的大师作品，总让我心生向往。我一直觉得，色彩不仅仅是颜料的堆砌，更是一种语言，能够传递情绪、营造氛围。然而，我对于如何调出干净、和谐的色彩，以及如何运用色彩来增强画面的表现力，却感到一头雾水。我希望《美术基础教程》能够在这方面提供一些深入的指导。例如，书中是否会讲解色彩的基本原理，比如三原色、三间色、互补色等，以及它们之间的关系？我特别好奇，如何才能调出生活中常见的那些微妙的色彩变化，比如夕阳下天空的渐变色，或者花瓣上的细腻色彩。除了色彩理论，我也非常期待书中能够提供一些实用的色彩搭配技巧，比如如何运用冷暖对比来突出主体，如何利用色彩的饱和度和明度来控制画面的节奏。如果书中能有大量的范例，展示不同色彩组合的效果，那对我来说将是极大的帮助。我希望它能教会我如何通过色彩来表现画面的情绪，无论是宁静、喜悦，还是忧伤。总而言之，我期望《美术基础教程》能够成为我通往色彩世界的指南，让我能够驾驭这门充满魅力的艺术语言，创作出更富情感和表现力的作品，让我的画笔能够更好地传达我内心深处的感受。
评分我对构图一直是个门外汉，每次画画的时候，都感觉画面“乱糟糟”的，或者重心不稳，缺乏艺术感。《美术基础教程》的名字听起来非常“硬核”，我猜测它应该会对构图这一至关重要的环节进行深入的讲解。我非常期待它能够教会我如何巧妙地安排画面中的元素，让整个画面看起来既有秩序又富有视觉冲击力。我希望书中能够介绍一些经典的构图法则，比如三分法、黄金分割、对称构图等等，并且用大量的图例来演示它们的应用。我尤其关心，在进行创作的时候，如何根据不同的主题和表现意图，选择最合适的构图方式。例如，画风景的时候，如何利用前景、中景、远景来营造空间感？画静物的时候，如何摆放物体才能显得既和谐又有趣？我希望这本书能告诉我，如何避免画面出现“死角”或者“空洞”，如何引导观者的视线在画面中流动，从而更好地传达画面的主题和情感。如果书中能提供一些关于动态构图和静态构图的区别，以及如何运用线条的走向来影响画面的动感，那我将不胜感激。
评分第一眼看到《美术基础教程》这本封面设计得颇有艺术感的书，我的第一反应就是它似乎能解决我一直以来对绘画最基本、最困惑的问题。我一直对素描的透视原理感到头疼，感觉画出来的物体总是“不对劲”，要么显得扁平，要么比例失调。虽然我试着在网上找过一些零散的教程，但往往讲得比较跳跃，缺乏系统性。这本书的出现，让我看到了希望，它承诺要从零开始，一步一步地讲解透视的奥秘，从一点透视到两点透视，甚至可能涉及三点透视。我特别期待它在讲解过程中，能否用生动形象的比喻，或者提供一些实际案例，比如如何画好一个方形的盒子、一个圆柱体，甚至一个房间的内部空间，让我能够真正地理解透视是如何作用于我们所看到的物体的。同时，我也很关注书中对于明暗的处理。很多人画不好，就是因为对光影的理解不够深刻，无法真实地表现出物体的体积感。我希望这本书能详细地讲解光源的方向、明暗交界线的形成，以及投影的绘制技巧，让我能够画出更有立体感、更具生命力的作品。这本书，在我看来，不仅仅是一本教科书，更像是一个循循善诱的老师，带着我一步步走进绘画的世界，感受线条与光影的魅力，解决我一直以来在基础训练中的瓶颈，让我能够更自信地拿起画笔，去描绘我眼中的世界。
评分在我看来，绘画不仅仅是技巧的堆砌，更是一种观察和理解世界的方式。我一直希望能通过绘画，更深入地去理解我所看到的一切，无论是自然界的山川湖海，还是城市中的建筑人文。我发现，很多时候，我对事物的观察不够细致，抓不住事物的本质特征，导致画出来的东西总是显得“死气沉沉”。我希望《美术基础教程》能够在“写实”方面给我带来启发。我期待它能教我如何去“看”，如何去捕捉事物的形体、结构和比例。例如，书中是否会讲解如何准确地分析一个物体的基本形状，然后在此基础上添加细节？我特别希望它能提供一些关于如何画好人物和动物的指导，因为这两者往往是最考验绘画功力的。毕竟，要画出栩栩如生的人物，需要对人体结构有深入的了解，而要画好动物，则需要捕捉它们独特的神态和动态。我希望书中能提供一些练习方法，帮助我培养敏锐的观察力，学会从不同的角度和光线下观察同一个物体，从而更好地理解和表现它的真实形态。如果这本书能引导我从“看”到“画”的过程中，找到一种更深刻的连接，让我能够真正地用画笔去“复述”我所观察到的世界，那将是最大的收获。
评分我对不同绘画媒介的特性和运用一直感到非常好奇，尤其是那些能够呈现出独特质感和效果的技法。《美术基础教程》的覆盖面应该很广，我希望它能为我打开一个关于各种绘画材料的“新世界”。我之前尝试过一些基础的绘画材料，但感觉总是在“摸索”状态，无法充分发挥它们的潜力。我期待这本书能详细地介绍各种常用的绘画媒介，比如铅笔、炭笔、彩铅、水彩、油画等等，并且说明它们各自的优缺点，以及最适合表现的题材。我希望书中能提供一些关于如何正确使用这些材料的技巧，比如如何控制笔触的力度和方向，如何混合不同的颜色，如何创造出肌理感等等。我特别想知道，如何才能在纸面上模拟出金属的冰冷光泽，或者丝绒的柔软触感。如果书中能有针对不同媒介的写生或创作范例，并且在过程中详细地解释所使用的技法，那对我来说将是无价的。我希望能通过这本书，了解不同绘画媒介所带来的独特视觉体验，并找到自己最得心应手的工具，从而拓展我的绘画表现力，创作出更具多样性和个性的作品。
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