水彩写生教程---西方经典美术技法译丛-W pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 保罗·拉塞尔，魏荩津 著

图书标签:

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• 艺术
• 绘画技巧

店铺： 炫丽之舞图书专营店

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532295142

商品编码：29682870434

包装：平装

出版时间：2015-07-01

基本信息

书名：水彩写生教程---西方经典美术技法译丛-W

定价：28.0元

作者：保罗·拉塞尔,魏荩津

出版社：上海人民美术出版社

出版日期：2015-07-01

ISBN：9787532295142

字数：1

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：18开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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 　　1．书中进行分步骤讲解教学，并配有对应步骤的案例图片，通俗易懂、示范性和实用性强，能够帮助读者系统有效地迅速掌握水彩写生的相关知识与技巧；
　　2．排版清晰明了，让人一目了然。每章节都配有练习题，可以让读者在理论学习之后进行具有针对性的练习，迅速运用和巩固所学技巧，真正做到理论与实践的结合；
　　3．通过对本书的学习，读者将跟随作者进入到水彩写生的奇妙世界，体验水彩写生的无限乐趣；
　　4.本书适合设计师、建筑师、艺术家阅读。

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内容提要

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《西方经典美术技法译丛——水彩写生教程》是一本关于水彩写生的技法教程。在美国的建筑学教育教学以及的建筑速写和相关建筑研究中，水彩，这种画面表现手法发挥着举足轻重的作用。《西方经典美术技法译丛——水彩写生教程》的内容涵盖了水彩写生的基本技巧，建筑速写实例，水彩的明暗色调与细节处理，数字媒体的应用等。无论是水彩的初学者，还是旅行建筑师、艺术家，或是正准备环游世界去发现生活之美的设计师，此书提供的水彩写生技巧，会助你一臂之力。无论现在你学习到什么阶段，本书都将为你提供有益且实用的建议。

目录

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作者介绍

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保罗·拉塞尔：一位来自印第安纳州曼西市，波尔州立大学建筑与规划学院的建筑学教授，也是该校的一位出版协调员。AIA教育荣誉奖的获得者，同时也是一位纽约州的注册建筑师。并且在水彩绘画上有很深的造诣，多次出版水彩方面的书籍。

文摘

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序言

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介于两耳之间的——大脑，是人类所特有的强武器，它为人类的发展提供无尽可能。—艾伦凯
　　现在你手中所捧的是一本有关水彩速写的书籍，本书将速写作为体验社会环境、激发思考的一种重要手段和媒介。但是，本书也会像《手绘速写》、《水彩速写》等同类书籍一样，将水彩作为加强画面效果和提升设计师创造力的一种有效手段的基本途径。
　　在早年，有关美国建筑学的教育教学中，水彩作为一种表现手法在国外的建筑速写和相关建筑研究资料中有着举足轻重的作用。由于水彩有一种与生俱来表现画面张力、体现绘者笔触的特性，所以水彩技巧有时就显得可有可无了。特别是近些年，科技的迅速发展、信息技术的高度发达，我们的设计过程、研究手段也因辅助工具的演变和发展而变得轻而易举，但我们仍不可忽视画面表现技巧的训练和培养。水彩作为一种画面表现手法特别是在理论和实践中，总对人们有致命吸引力。特别是现今，我们所面对的客户和同行都十分关注设计师间的建筑设计经验差异，而评判差异的重要和直接的主要手段则是设计师的水彩表现技法。
　　因为一份的设计方案是架构在丰富的建筑类知识以及各种不同的设计创意之上，所以不断地学习和研究对各位的建筑生涯有着举足轻重的作用。水彩速写为你发现自身所现存的或潜在的问题提供了有利的手段。此时，你的问题就不再是你能做出什么而是怎么能做得更好。
　　当然，一份好的设计方案是建立在设计师与客户、使用者间大量且有效沟通的基础上。而这样的沟通需要建立在高超的语言技巧和作品强大的视觉表现基础上。
　　所以，无论你是一个水彩的初学者，还是重拾水彩的前辈，无论是旅行建筑师、艺术家，抑或是正准备环游世界去发现生活之美的设计师，此书正是为你提供相关的速写技巧、为你的设计工作坚实基础的良师益友。无论现在你学习到什么阶段、事业发展得如何，本书都将为你提供有益且实用的建议，特别在提升图形表现力方面有十分重要的价值。
　　通过本书，我已经深入地向各位介绍了水彩创作中应养成的良好习惯和应掌握的基本表现手法。我希望通过本书能激起你发现水彩的无限潜力及它带给你的巨大收获。它不仅帮助我们开阔眼界，而且可以帮助提升对事物的认知能力。当你畅游于平面设计和建筑设计时，水彩也会对你产生奇幻的魔力。在创作过程中提升你的视觉敏锐力、应变能力，并提升个人愉悦感。
　　所以水彩速写可以使你体验愉悦之感的。简单来说，它不仅可以让你完全沉醉其中，享受身心的愉悦，还可以让你在专心于创作时体验画笔在画纸上婆娑的强大震撼力和巨大财富。每一位有所成就的画家都明白，每一次成功的创作都源于生活的体验，对事物的专注以及敏锐的触感。如果你能完全融入这种过程的享受，你将体会到我在巴黎街头邂逅我仰慕已久的音乐家的兴奋之感。这种情景的体验远不是照片所能够传递的。

《油画：光影的诗篇——从古典大师到当代探索》 图书简介 本书是一部深度探寻油画艺术发展历程、技法精髓与精神内核的权威指南。它并非一部单纯的技法手册，而更像是一场跨越时空的艺术对话，带领读者沉浸于油彩的丰富层次与光影的微妙变化之中。我们将从文艺复兴的曙光出发，系统梳理油画自其诞生以来如何成为西方艺术史上最具表现力的媒介，并深入剖析不同历史时期大师们的创作哲学与独门秘籍。 第一部分：油画的诞生与早期辉煌——文艺复兴的色彩革命 油画，作为一种媒介，其兴起彻底改变了绘画的格局。本书首先追溯其在尼德兰地区的早期发展，重点剖析扬·凡·艾克等人如何完善了油基颜料的配方，使其具备了前所未有的透明度、光泽度和持久性。我们将详细解读“蛋油混合媒介”的奥秘，以及早期艺术家如何利用这种新媒介实现对物体表面的细腻描摹与对光线的精准捕捉。 进入意大利文艺复兴盛期，油画的运用达到了新的高度。达·芬奇的“晕染法”（Sfumato）如何营造出空气感和模糊的轮廓？提香如何通过色彩的堆叠与“湿画法”（Alla Prima）的运用，赋予画面以澎湃的生命力？本部分将结合具体作品案例，解析古典写实主义的核心要义——对形体结构、解剖学的扎实理解，以及如何利用多层罩染（Glazing）技术构建深邃的色层结构。我们不仅关注“画什么”，更关注“怎么画”——颜料的准备、底层的处理（Imprimatura）以及对透视学的科学运用，如何共同支撑起宏伟的叙事。 第二部分：巴洛克与洛可可的戏剧张力 随着艺术思潮的转变，油画的表现力愈发外放。巴洛克时期，卡拉瓦乔以其强烈的“明暗对比法”（Tenebrism）震惊画坛。本书将详细拆解他如何利用极端的黑暗背景来凸显被聚焦的主体，这种戏剧性的光线处理不仅仅是技法，更是一种情感的投射。伦勃朗的肖像画则是另一个高点，他如何通过微妙的暖色调和厚涂（Impasto）的笔触，捕捉人物内心深处的复杂情感？我们分析其“自画像”系列，探讨他晚期颜料运用中流动的肌理感是如何体现生命体验的。 相较于巴洛克的沉重，洛可可的油画则转向了轻快与柔和。布歇和华托的作品展示了油画在表现丝绸、肌肤和光影斑驳的户外场景时的细腻之处。本部分将探讨如何利用稀薄的油层和柔和的笔触，创造出那种慵懒而精致的氛围，这要求艺术家对色彩的“饱和度”与“明度”进行极为精密的控制。 第三部分：从新古典主义到浪漫主义的风格转向 18世纪末，油画艺术开始承载更宏大的时代使命。新古典主义的倡导者如大卫，回归古典的线条与明确的轮廓，油画的质感趋于平滑、克制，追求一种雕塑般的精准度。我们分析他们如何使用“干画法”和均匀的底色处理，以确保画面的清晰与理性。 然而，浪漫主义的兴起为油画注入了情感的狂澜。德拉克洛瓦和特纳，他们是色彩和光线的狂热信徒。特纳的水景画几乎是纯粹的光与色的交响，颜料的运用开始脱离对描摹的绝对服从，笔触变得自由奔放，预示着未来印象派的来临。本部分将重点研究他们如何在画面中创造出“运动感”和“氛围感”，这是通过对油料与松节油比例的不断试验得出的成果。 第四部分：现代性的冲击——印象派与后印象派对油画的颠覆 19世纪中叶，化学颜料工业的发展解放了画家的户外创作。印象派画家们（莫奈、雷诺阿）的核心贡献在于，他们不再将油画视为构建“幻觉空间”的工具，而是将其视为记录“视觉瞬间”的载体。我们将详细分析他们如何摒弃传统的深色底层，转而使用浅色底色，并大量采用并置的纯色笔触来模拟光线的振动。这种“碎笔触”技巧对油画颜料的“厚度”和“并置”提出了全新的要求。 后印象派（塞尚、梵高、高更）则在印象派的基础上进行了深刻的结构与精神重塑。塞尚用色彩的色块来构建物体的内在结构，预示着立体主义的诞生；梵高的画作则是对颜料表现力的极致释放，他厚涂的、扭曲的笔触，使得油画表面本身成为叙事的一部分，颜料不再仅仅是色彩的载体，而是能量的实体。 第五部分：20世纪的媒介拓展与当代视野 进入20世纪，油画的边界被不断拓宽。野兽派（马蒂斯）以大胆、平面化的色块冲击视觉；表现主义（蒙克、基弗）则利用油画的粗粝质感来表达焦虑和内在的挣扎。抽象表现主义（罗斯科、德·库宁）更是将油画推向了极限——笔触的轨迹、颜料的滴落、流淌，成为了作品本身。我们研究这些艺术家如何通过稀释、泼洒、甚至刮擦油画颜料，探索媒介的物理属性。 最后，本书将目光投向当代，探讨在数字媒介日益强大的今天，传统油画是如何在观念艺术、新具象绘画中找到新的立足点，以及当代艺术家如何结合传统技法与混合媒介，创造出具有当代语境的视觉语言。 本书旨在提供一个全面、深入、兼具学术性与实践指导意义的油画史与技法集成，帮助读者理解每一笔油彩背后所蕴含的时代精神与艺术家穷尽一生探索的奥秘。

评分☆☆☆☆☆

作为一个初学者，我常常在学习过程中感到迷茫，不知道从何下手，也不知道哪些技法是真正有效的。这本书的出现，简直像一道光照亮了我前行的道路。它没有一开始就抛出过于复杂的概念，而是从最基础的调色开始，非常细致地讲解了各种颜料的特性以及如何调出纯净、丰富的色彩。我过去总是对颜色的混合感到头疼，要么显得浑浊，要么就是不够鲜亮，但通过书中的指导，我学会了如何控制颜色的纯度，如何通过色彩对比来增强画面的活力。更让我受益匪浅的是关于“水分控制”的章节，这是水彩的关键，也是最难掌握的一点。作者通过大量的图示，生动地展示了“湿画法”和“干画法”在不同场景下的运用，以及如何通过调整画纸的湿度来达到不同的效果。比如，在表现柔和的背景时，湿画法能够营造出晕染自然的氛围；而在刻画细节时，干画法则能保证线条的清晰和准确。书中还提供了一些非常实用的练习方法，比如“色彩渐变练习”、“色块叠加练习”等，这些练习不仅有趣，而且能够有效地巩固所学的知识。我发现，通过这些基础的训练，我的色彩感知能力和手部控制能力都得到了显著提升。这本书的语言也非常通俗易懂，没有过多专业术语的堆砌，让我能够轻松地理解和吸收。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值在于它不仅仅是一本教程，更像是一位经验丰富的老友在传授他毕生的绘画秘诀。我一直以来都对光影的塑造在绘画中的重要性有着深刻的认识，但如何将其在水彩中表现得淋漓尽致，却是我长期以来探索的难题。这本书的“光影表现”章节，可以说是我的“救星”。它深入浅出地讲解了不同光源（如阳光直射、散射光、室内灯光）对物体色彩、明暗的影响，并且提供了大量的实例分析，比如如何通过冷暖色的对比来表现阴影的微妙变化，如何利用留白和色彩的叠加来塑造高光。我尤其印象深刻的是关于“色彩透明度”的讲解，这本书让我明白了为何西方古典水彩能够呈现出如此通透、富有层次的视觉效果，这与颜料的叠加方式、水分的运用以及对底色的理解息息相关。书中对一些经典静物写生的案例剖析，让我看到一个简单的水果或布料，是如何通过精妙的光影处理和色彩搭配，变得栩栩如生。这激发了我对写生创作的极大热情，让我不再害怕表现复杂的光线环境。此外，书中的一些关于构图和透视的小技巧，也为我解决了在实际创作中遇到的不少问题。

评分☆☆☆☆☆

这本《水彩写生教程——西方经典美术技法译丛-W》真是让我惊喜连连！我一直对西方古典水彩的细腻光影和丰富层次着迷，但苦于国内相关教材的深度和系统性不足，总觉得缺少了点什么。拿到这本书后，我迫不及待地翻阅，立刻被其扎实的内容所吸引。它并非泛泛而谈，而是层层递进地讲解了从基础的色彩理论应用到具体的写生技巧。例如，在表现物体体积感的部分，作者通过对不同光源下色彩冷暖、明暗变化细致入微的描绘，让我茅塞顿开。我尤其喜欢其中关于“透明度与覆盖性”的讲解，这对于水彩而言是核心难点，书中用大量的范例图清晰地展示了如何通过叠加、留白、干湿等多种技法来达到想要的效果。还有对不同质感表现的深入分析，比如丝绸的光泽、木头的纹理、金属的反光，每个案例都像是精心设计的实验，让我忍不住拿起画笔亲自尝试。书中对经典西方写生作品的引用和分析也十分到位，不再是简单的罗列，而是深入挖掘了大师们在构图、用色、笔触上的独到之处，为我的学习提供了宝贵的参考。整本书的排版也十分舒适，大量的插图质量很高，印刷清晰，让我阅读起来倍感愉悦。对于想要系统学习西方水彩写生技法的爱好者来说，这本书绝对是一笔宝贵的财富，它让我看到了通往大师之路的清晰路径。

评分☆☆☆☆☆

我是一位对欧洲古典绘画风格情有独钟的艺术爱好者，特别是那些充满生命力的肖像画和风景画，一直是我心中的向往。这本书的出现，无疑为我打开了一扇通往那个时代的窗户。它不仅教授了绘画技巧，更重要的是，它传达了一种艺术精神和创作态度。书中对西方水彩写生技法的阐述，非常注重细节和写实性，这与我一直欣赏的古典风格不谋而合。例如，在表现人物皮肤质感时，书中详细讲解了如何通过细腻的色彩过渡和微小的笔触变化，来呈现出皮肤的柔软和细腻。在描绘自然风光时，书中不仅指导如何捕捉天空的色彩变化，还深入分析了如何表现不同季节、不同天气下树木、岩石等自然元素的纹理和光影。我尤其喜欢书中关于“情感表达”的探讨，作者认为，优秀的写生作品不仅仅是客观的描绘，更应该融入画家的情感和理解。这让我明白，绘画不仅仅是技术的堆砌，更是心灵的沟通。书中对一些西方经典水彩画作的赏析，也为我提供了丰富的灵感。通过阅读这本书，我仿佛能够听到来自几个世纪前的艺术家们在创作时的低语，感受到他们对艺术的热情和执着。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我之前接触过一些水彩教程，但总感觉它们要么过于浅显，要么过于偏重某种风格，很难找到一本既系统又全面的教材。这本《水彩写生教程》简直填补了我长久以来的空白。它在“色彩学”和“技法应用”两个方面都做得非常出色。在色彩学方面，它不仅仅讲了基础的三原色、三间色，更深入地探讨了色彩的心理效应、色彩的情绪表达，以及如何在写生中运用色彩来营造氛围和烘托主题。我特别喜欢它关于“色彩和谐”和“色彩对比”的讲解，这让我对如何运用色彩来达到视觉冲击力和画面平衡有了更深的理解。在技法应用方面，这本书非常务实，它详细分解了写生的每一个步骤，从构图、轮廓的勾勒，到色彩的铺陈、细节的刻画，每一步都有清晰的指导和大量的范例。我以前常常纠结于如何处理画面的“虚实”关系，这本书在这方面提供了很多巧妙的解决方案，比如如何通过模糊的边缘来表现远景，如何通过锐利的线条来突出近景的细节。读完这本书，我感觉自己对水彩的掌握程度有了质的飞跃，不再是凭感觉乱画，而是有了一套清晰的创作思路和扎实的技术支撑。