爵士鼓演奏技巧训练 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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黄中山 著

图书标签:

• 爵士鼓
• 鼓技巧
• 演奏技巧
• 训练
• 音乐教材
• 乐器学习
• 节奏
• 打击乐
• 爵士乐
• 鼓谱

出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540445409

版次：1

商品编码：10025111

包装：平装

开本：大16开

出版时间：2010-04-01

用纸：胶版纸

页数：131

正文语种：中文

内容简介

　　爵士鼓源于美国黑人鼓手爵士，是他将军乐队里的大小鼓和钹由三人演奏的乐器改造为由一人演奏，因此，人们将这种演奏形式称为爵士鼓演奏。摇滚乐吸引了爵士乐、流行音乐、里人音乐、乡村音乐，总之用极滚石乐等的特点，而摒弃了以往自娱自乐的情调。以一种毫无束缚的豪放和狂野，表现自我，追求精神的自我解放。在强烈的音响和重金属低音中，摇滚乐更具有强烈的时代感和时代精神。摇滚乐的特点是以大鼓的节奏为主，然而小鼓始终在本拍的第二、四拍上打一个四分音符的特征。
　　爵士鼓独奏手法即演奏手法。演奏手法是独奏和伴奏的基础。《爵士鼓演奏技巧训练》将爵士鼓各种演奏手法详细而系统地罗列出来。有些是教学书中所没有的，是作者从事打击乐器和爵士鼓教学几十年的点滴体验。

内页插图

目录

（一）音符·休止符
（二）小鼓基本音符的演奏
（三）关于“四等分”节奏
（四）休止符、延音连线音、延长音的奏法
（五）“四等分”节奏基本奏法
（六）五种节奏的四种结构对照
（七）五种节奏系列奏法
（八）十六分音符的各种奏法
（九）十六分音符的重音变化（重音移位）
（十）三连音的各种奏法
（十一）三连音的重音变化（重音移位）
（十二）两拍的节奏两种记谱及奏法
（十三）倚音的奏法
（十四）带倚音的五种节奏
（十五）带倚音的三连音
（十六）并拍节奏及其变化
（十七）四个鼓的演奏（小鼓及高、中、低音桶鼓）
（十八）带倚音的奏法
（十九）倚音在各种节奏中的运用
（二十）八分之六拍节奏
（二十一）八分之六原型节奏及其变化节奏
（二十二）八分之六节奏带倚音的奏法
（二十三）倚音在并拍节奏中
（二十四）五连音、七连音
（二十五）滚奏
（二十六）小滚奏在节奏中的运用
（二十七）左右手重叠奏法
（二十八）节拍重音的变换奏法
（二十九）节奏型的奏法
（三十）摇滚节奏
（三十一）摇滚节奏手钹三种基本奏法
（三十二）低音大鼓的节奏变化
（三十三）摇滚节奏（型）系列
（三十四）小鼓插入节奏与大鼓节奏结合
（三十五）小鼓插入节奏与大鼓节奏系列奏法
（三十六）单挑节奏
（三十七）拉丁摇滚节奏
（三十八）拉丁摇滚小鼓插入节奏系列
（三十九）导拍节奏型系列（慢摇滚）
（四十）摇滚节奏（型）伸长与缩短手法
（四十一）大小鼓复合拍叠置奏法（混合奏法）
（四十二）四分之三二四分之三拍混合奏法
（四十三五四分之三节拍奏法
（四十四）八分之五号拍节奏型
（四十五）八分之七拍节奏型系列
（四十六）散板的演奏手法
（四十七）散板式背景音乐演奏手法
（四十八）小鼓槌按压滑奏法
（四十九）名词解释与演奏手法
（五十）爵士鼓独奏结构（段落）
（五十一）“四等分”节奏分析法

附录
一、爵士鼓各件乐器的功能作用（五件套）
二、爵士鼓独奏与传播
三、爵士鼓记谱说明

鼓点艺术的探索与精进：一部关于现代鼓组构建与风格演变的专著 书名：节奏的骨架：现代鼓组构建、音色设计与风格化应用详解 内容提要： 本书深入剖析了现代音乐语境下，架子鼓（鼓组）作为节奏核心的复杂性与无限可能性。我们不专注于单一技巧的刻板练习，而是将目光投向鼓组的整体构建、音色选择背后的音乐哲学，以及如何在不同音乐风格中实现鼓手角色的灵活转变。本书旨在为有一定基础的鼓手提供一个从“演奏者”到“声音设计师”和“节奏架构师”的进阶视角。 第一部分：现代鼓组的解构与重组 本部分彻底颠覆了传统对鼓组配置的认知，强调“功能性优先于固定配置”。 第一章：鼓组的声学蓝图——超越标准配置的思考 定制化配置逻辑： 如何根据所演奏音乐的频率范围、动态需求和空间声学环境，科学地选择镲片数量、嗵鼓（Toms）尺寸和底鼓（Bass Drum）的开孔方式。探讨“Less is More”在特定风格（如极简放克或环境音乐）中的应用。 材料的声学签名： 深入分析木材（枫木、桦木、桃花心木等）及金属（黄铜、青铜、镍银）对鼓皮共振、泛音和衰减特性的决定性影响。提供不同品牌、不同厚度鼓皮搭配的声学测试报告与实践建议。 硬件的动态关联： 阐释军鼓（Snare Drum）的“响弦”（Snares Wire）张力、线数与金属材质对手感和音色的微妙影响。分析脚踏（Pedals）的驱动机制（直驱、链条、杠杆）如何改变底鼓的瞬态响应速度和力度传输效率。 第二章：音色调校的科学与艺术 调音的频率图谱分析： 讲解如何使用频谱分析仪辅助调音，确定军鼓、嗵鼓和底鼓的核心基频（Fundamental Frequency）以及关键泛音，确保它们在混音中相互避让或有效叠加。 “闷音”的哲学： 详细介绍使用不同类型的吸音材料（如气环、毛巾、特制凝胶）对鼓组声音进行“塑形”的过程，区分“短促的击打感”与“过度的闷死”之间的界限。 镲片的多维度声音雕刻： 不仅仅是选择“Crash”或“Ride”，而是研究镲片尺寸、重量和锤击工艺对“Shimmer”（闪烁感）、“Wash”（弥散度）和“Stick Definition”（鼓槌清晰度）的影响。提供专业级镲片“烘烤”（Baking）与“抛光”的保养指南。 第二部分：风格化的节奏叙事与动态控制 本部分将视角从乐器本身转向鼓手如何在特定音乐语境下“扮演”节奏的叙述者。 第三章：现代律动的核心——Groove的内化与外放 时间感的微观校准： 探讨“前赶”（Playing Ahead）、“后拖”（Laying Back）以及“精准对点”（On the Grid）在不同音乐（如拉丁放克、后摇滚）中的应用边界。分析顶尖鼓手对节拍器的心理依赖与超越。 填充（Fills）的结构性应用： 讨论填充不再是炫技的工具，而是段落过渡、情绪累积和释放的必要结构。教授如何设计具有“主题性”的填充，使其与歌曲的旋律或和声进行呼应。 动态范围的文学表达： 深入研究pp（极弱）到ff（极强）之间的过渡如何构建听觉张力。特别关注使用“Ghost Notes”（幽灵音符）和“Rimshots”（响边敲击）来增加律动层次的精妙手法，强调力度变化带来的“呼吸感”。 第四章：跨界融合中的鼓组角色定位 电子音乐的脉动模拟： 如何在原声鼓组上模拟经典电子鼓机的音色特征（如808的衰减曲线或909的金属感）。讲解如何在不依赖采样的情况下，通过敲击技巧和效果器处理达到类似效果。 实验与氛围音乐中的“非节奏”： 探索鼓组在噪音音乐、氛围后摇滚中作为“纹理发生器”的角色。如何利用刷子、链条、打火机等非传统工具来拓宽鼓组的音域和表现力。 即兴与对话： 将鼓组视为一个完整的对话系统。研究如何聆听贝斯手的低频运动、吉他的和弦纹理，并即时地调整自己的节奏密度和音色选择，实现真正的“音乐互动”。 第五章：录音室环境下的鼓组工程学 麦克风布局的声场重现： 不仅介绍常用的XY、ORTF等阵列，更侧重于“空间感”的捕捉技术。例如，如何通过房间麦克风（Room Mics）的混音比例来控制鼓组的“大小”和“湿度”。 军鼓与底鼓的相位校准： 详述相位问题在多麦克风收录中对低频冲击力的削弱，并提供一套快速、高效的相位检查与调整流程。 后期处理的哲学指导： 探讨压缩器（Compressor）在鼓组处理中的角色——是“粘合剂”还是“塑形刀”。分析限幅器（Limiter）与瞬态塑形器（Transient Shaper）对鼓声冲击力边界的重塑作用。 结语：超越技术，回归音乐性 本书的最终目标是引导读者跳出单纯的手指速度和脚部协调性的训练，转而关注鼓组在整个音乐作品中的战略地位。节奏是骨架，而音色与动态则是赋予骨架血肉与灵魂的艺术手段。掌握这些构建和设计原则，方能真正成为一位全面且富有创造力的现代节奏艺术家。

评分☆☆☆☆☆

读完这本关于“节奏重构与乐句构建”的厚重之作（我以为它会是这样的书），我感到一种深深的智力上的空虚。我真正想探讨的是，在后摇滚（Post-Rock）领域，鼓手如何通过稀疏的、充满空间感的填充（Fills）来推动叙事性，而不是仅仅是炫技。这本书里关于“填充”的章节，全部聚焦于如何用最快的速度连续敲击十六分音符，并配有大量毫无情感色彩的节拍器数字标注。这种“速度至上”的理念，在当今强调音乐性和氛围感的时代，简直是一种倒退。更让我失望的是，书中完全没有提及如何有效地利用“鼓组的声场布局”来影响演奏的听感，比如底鼓的共鸣如何与贝斯线的低频相互作用，镲片（Cymbals）选择对整体音色的“定调”作用。这些都是构成一个成熟鼓手“技巧”不可或缺的部分。它只停留在“你怎么敲”的层面，而完全忽略了“为什么这么敲”和“敲出来听起来是什么效果”这两个核心问题。这本书的作者似乎还停留在上世纪八十年代对鼓手“机械化”要求的审美中，对于现代音乐制作和编曲中鼓组的地位，缺乏基本的认知和探讨，简直是工具书中的“异类”。

评分☆☆☆☆☆

我原本寄望这本书能为我打开一扇通往“即兴演奏的逻辑世界”的大门，毕竟，真正的技巧训练最终目的在于解放演奏者的创造力。我期待阅读到关于“和声与节奏的互动关系”，例如在爵士乐中，鼓手如何通过对和弦进行（Chord Changes）的微妙强调来引导Solo乐手的即兴方向；或者，在放克（Funk）音乐中，如何通过对重音（Accents）的精心放置来创造出“律动错位感”（Groove Displacement）。然而，这本书给我的感觉更像是一本关于“如何正确地拿鼓槌”的指导手册的扩充版。它花了大量的篇幅去讲解握槌的力度平衡和腕部灵活度，这些固然重要，但它们只是技巧的地基。地基打得再好，没有上层建筑，也成不了高楼。关于如何将这些基础动作转化为富有音乐性的乐句组织，书里只用了一句“多听多模仿”带过，这种逃避复杂问题的态度，对于一本专业的“技巧训练”书籍而言，是不可原谅的。如果我只想学握槌，我大可以去看任何一个鼓厂提供的免费宣传视频。

评分☆☆☆☆☆

这本号称“深度解析XX流派鼓点演变脉络”的书籍，真是让我大跌眼镜。我原本期待能看到一些关于现代音乐中节奏型态如何受到非洲、拉丁美洲甚至电子音乐影响的系统性梳理，比如对波萨诺瓦（Bossa Nova）复杂切分音在摇滚乐中的嫁接案例的细致剖析，或者对“碎拍”（Breakbeat）如何被解构并重构成新金属（Nu Metal）鼓型的一些案例分析。然而，这本书的篇幅几乎完全被一些极其基础的、我初学鼓时翻烂了的教材里都会涵盖的“基础手型训练”占据了。我甚至在书中寻找了关于“动态控制”（Dynamics Control）在Fusion音乐中如何作为表现力核心的讨论，但收获的仅仅是关于如何击打“Rimshot”音色的几页枯燥文字，完全没有涉及如何运用力度变化来塑造乐句的呼吸感和情绪起伏。如果说它有什么价值，大概就是能让一个完全没有接触过任何音乐理论的初学者，辨认一下军鼓、底鼓和踩镲在标准五线谱上的位置，仅此而已。对于任何一个渴望理解节奏背后的文化和技术语境的鼓手来说，这本书提供的知识密度，恐怕还不如随便找一篇高质量的鼓乐博客文章来得充实。它更像是一本为“零基础入门”准备的、但又命名得极其唬人的宣传册，完全没有触及到任何“技巧训练”所应包含的深度和广度。

评分☆☆☆☆☆

我尝试在书中寻找关于“录音室技巧”与“现场演奏”的差异化训练方法，因为这是区分职业鼓手和业余爱好者的重要分水岭。例如，在录音室中，如何精确控制踩镲的开启角度以避免镲片音“溢出”麦克风拾音范围；或者在大型体育场馆演出时，如何调整演奏力度以适应现场的混响时间，确保节奏的清晰度。遗憾的是，这本书对“技巧”的定义极其狭隘，仅限于“在无任何外部影响下的个人击打准确性”。它完全忽略了“音乐家”的身份，即在特定声学和技术环境中进行适应性调整的能力。书中关于“音色选择”的讨论，也仅仅停留在“你需要一个好的军鼓”这种常识层面，而没有深入探讨不同木材、腔体深度如何影响特定音乐风格下的“穿透力”。如果一本“技巧训练”书不能教会我如何作为一个环境适应者和声音塑造者去演奏，那么它充其量只能算作一本“练习册”，而且是一本信息量极其滞后的练习册，对我的演奏提升帮助微乎其微。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和图示也让我费解。我本以为这是一本针对进阶鼓手的、探讨“复节奏”（Polyrhythms）和“复合节拍”（Odd Time Signatures）如何内化的实战手册。我希望看到如何用图表清晰地分解如5/4拍或7/8拍中的重音分布，以及如何将这些非对称节奏“内化”到身体记忆中，而不是仅仅依赖数拍子。但这本书的插图大多是陈旧的、模糊不清的鼓组照片，似乎是从上世纪末的杂志上直接扫描下来的，光影效果极差，很多力度标记（如sfz, pp）在黑白印刷中几乎难以辨认。更要命的是，它在处理复杂节奏时，完全没有提供任何“视觉辅助工具”来帮助理解节奏的对位关系。它只是机械地列出了一连串的音符，让读者自行去体会。这完全是逆着人类学习规律而行的。一本现代的“技巧训练”书籍，应当利用一切视觉手段来简化复杂的概念，这本书却似乎在刻意制造理解的障碍，让人感觉它更像是为某种特定、过时的教学体系服务的，与现代鼓乐教学理念格格不入。

评分☆☆☆☆☆

不错不错不错不错不错不错不错不错不错不错

评分☆☆☆☆☆

东西还是不错的 喜欢哦

评分☆☆☆☆☆

东西还是不错的 喜欢哦

评分☆☆☆☆☆

想学鼓，看了一下内容还可以。

评分☆☆☆☆☆

很好很好好好好很好好好好好

评分☆☆☆☆☆

帮朋友买的，朋友说书还不错

评分☆☆☆☆☆

好

评分☆☆☆☆☆

想学鼓，看了一下内容还可以。

评分☆☆☆☆☆

巩固演奏水平的一本爵士教材。