新编长笛演奏实用教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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邵伟民，邵欢 编

图书标签:

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• 乐理知识
• 演奏技巧
• 练习曲
• 音阶练习
• 考级用书
• 音乐入门

店铺： 博库网旗舰店

出版社： 中国青年

ISBN：9787515313825

商品编码：1027276753

开本：16

出版时间：2013-01-01

基本信息

• 商品名称：新编长笛演奏实用教程
• 作者：邵伟民//邵欢
• 定价：39
• 出版社：中国青年
• ISBN号：9787515313825

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2013-01-01
• 印刷时间：2013-01-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：139
• 字数：120千字

编辑推荐语

为了满足广大青少年业余长笛爱好者学习和练习的需要，在此前出版的《长笛演奏实用教程》基础上，编者邵伟民、邵欢对大部分曲目进行了*新，既照顾到学练长笛的实际需要，又兼顾曲目的时尚和流行。例如，《新编长笛演奏实用教程》增加了技巧练习曲、小型乐曲、外国民歌名曲，以及不同调性、不同节拍、不同风格特点的练习曲和乐曲。练习吹奏这些乐曲，有利于全面提高长笛爱好者的演奏水平和音乐素质，实现以普及为基础，以普及促提高，为今后用长笛独奏、重奏以及参加乐队合奏打下良好的基础。希望长笛爱好者们喜欢，并多提宝贵意见。

目录

**章 长笛及其吹奏法概述
**节 长笛简介
第二节 发音和演奏姿势
第三节 呼吸方法和呼吸练习
第四节 正确的吹奏方法及调音
第五节 作者:邵伟民//邵欢
第六节 学习进度及乐器保养
第七节 长笛指法表(本调)
第二章 音阶、音程、琶音练习
**节 F大调-d和声小调音阶、音程、琶音练习
第二节 G大调-e和声小调音阶、音程、琶音练习
第三节 bB大调-g和声小调音阶、音程、琶音练习
第四节 D大调-b和声小调音阶、音程、琶音练习
第五节 bE大调-c和声小调音阶、音程、琶音练习
第六节 A大调-4f和声小调音阶、音程、琶音练习
第七节 bA大调-f和声小调音阶、音程、琶音练习
第八节 E大调-1c和声小调音阶、音程、琶音练习
第九节 大调音阶练习
第十节 每日练习谱例
第十一节 长笛低、中、高三个音区教学谱例
第三章 旋律综合练习
第四章 受人喜爱的小曲及重奏曲
**节 外国名曲13首
第二节 中国名曲1首
第三节 重奏曲2首
第四节 练习曲14首

《西方音乐史纲：从格里高利圣咏到二十世纪先锋》 本书特色： 本书旨在为音乐爱好者、音乐专业学生以及寻求系统了解西方音乐发展脉络的读者提供一份详尽而富有洞察力的导览。我们摒弃了枯燥的年代罗列，转而采用“风格演变与时代背景交织”的叙事方式，力求展现音乐如何作为人类文明与社会思潮的镜子，在历史长河中不断自我革新与对话。全书内容丰富，结构严谨，注释翔实，配有大量乐谱示例与历史图片，确保读者不仅“知其然”，更能“知其所以然”。 第一部分：源起与奠基（中世纪：公元500年—1450年） 本部分深入探究西方音乐的萌芽与早期形态。我们将从古希腊的音乐理论（如毕达哥拉斯的音程学说）入手，确立西方音乐的哲学基础。 第一章：宗教音乐的统治地位——格里高利圣咏的形成与结构。 详细分析单音音乐的特点、尼奥姆（Neumes）记谱法的起源与发展，以及早期复调音乐的初步尝试，例如奥尔加农（Organum）的演进。探讨教会对音乐的规范化过程。 第二章：世俗音乐的勃兴与吟游诗人。 关注游吟诗人（Troubadour）、游吟乐师（Trouvère）和明斯特歌手（Minnesänger）的贡献，分析他们的音乐主题（爱情、骑士精神）及其与宫廷文化的关系。介绍世俗歌曲的曲式与旋律特点。 第三章：早期复调的革命——巴黎乐派的成就。 重点剖析莱奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）在巴黎圣母院时期对多声部音乐的系统化发展。深入讲解有节奏的记谱法（Rhythmic Modes）的发明，这是西方音乐从“旋律线性”向“和声结构”转折的关键一步。 第二部分：文艺复兴的和谐之声（约1450年—1600年） 文艺复兴的核心在于“人文主义”的觉醒，音乐也开始摆脱纯粹的神学束缚，追求清晰、平衡与情感表达的和谐统一。 第四章：荷兰乐派的统治与早期复调的完善。 介绍杜飞（Dufay）等早期代表人物，重点研究奥克冈（Ockeghem）和雅各布斯·奥布雷赫特（Obrecht）如何将模仿手法推向高峰。探讨约斯坎·德普雷（Josquin des Prez）如何以其对位技巧和文本处理能力，成为文艺复兴时期的“音乐之王”。 第五章：宗教音乐的典范与改革浪潮。 详细分析帕莱斯特里纳（Palestrina）的弥撒曲和经文歌，探讨特伦特会议对音乐风格的影响，即如何平衡对位复杂性与文本清晰度。对比罗马乐派与威尼斯乐派（如帕迪拉的色彩运用）的差异。 第六章：世俗音乐的繁荣与器乐的独立。 考察法国香颂（Chanson）、意大利假面歌（Madrigal）的曲式特点和文本表达技巧。本章将着重介绍器乐的独立发展，如鲁特琴音乐、维也纳乐派的键盘作品，以及早期组曲（Dance Suite）的雏形。 第三部分：巴洛克时代的辉煌与对位艺术（约1600年—1750年） 巴洛克时期是音乐史上最具活力和装饰性的时代之一，记谱法更加成熟，风格更加自由奔放，并确立了以数字低音为基础的协奏概念。 第七章：歌剧的诞生与早期风格。 探讨佛罗伦萨的“卡梅拉塔”对古希腊悲剧的复兴尝试，分析抒情宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）的初步划分。分析蒙特威尔第（Monteverdi）在《奥尔费奥》中对“表达情感”（Affetti）的革命性处理。 第八章：协奏曲与奏鸣曲的成熟。 深入研究科雷利（Corelli）和维瓦尔第（Vivaldi）如何确立快-慢-快的三乐章协奏曲结构。重点分析“办奏曲”（Concerto Grosso）与“独奏协奏曲”的对比，并讨论巴洛克时期调性的系统化运用。 第九章：德奥晚期巴洛克的集大成。 本章是全书的重点之一。详细解析巴赫（J.S.Bach）的对位艺术，包括赋格曲的结构原理、平均律体系的实践意义，以及他晚期作品（如《音乐的奉献》）的思想深度。同时，剖析亨德尔（Handel）的清唱剧，特别是《弥赛亚》如何将德奥精神与英伦戏剧性完美结合。 第四部分：古典主义的平衡与清晰（约1750年—1820年） “风格转换”（Style Galant）的出现，标志着音乐从巴洛克复杂的对位转向清晰、对称、歌唱性的旋律主导。 第十章：歌剧改革与交响曲的定型。 分析格鲁克（Gluck）对歌剧“回归自然”的呼唤。深入探讨海顿（Haydn）作为“交响曲之父”的贡献，包括他如何确立奏鸣曲式（Sonata Form）在第一乐章中的主导地位，以及四乐章交响曲的结构规范。 第十一章：维也纳古典乐派的巅峰。 细致分析莫扎特（Mozart）的音乐语言，探讨其旋律的完美比例、和声的精妙布局，以及他在歌剧（如《费加罗的婚礼》）中对人物心理的刻画。 第十二章：贝多芬：从古典到浪漫的桥梁。 重点分析贝多芬如何通过拓展奏鸣曲式的篇幅、引入英雄主题（Heroic Style），以及运用动机发展技巧，极大地解放了音乐的表现力，预示着浪漫主义的来临。 第五部分：浪漫主义的激情与民族色彩（约1820年—1900年） 浪漫主义音乐强调个人情感的极端表达、对超自然事物的迷恋以及民族身份的探索。 第十三章：早期浪漫主义的抒情诗篇。 考察舒伯特（Schubert）对艺术歌曲（Lied）的革新，以及“连篇歌曲”（Song Cycle）的叙事功能。分析肖邦（Chopin）如何将钢琴技巧与波兰民间音乐元素完美融合，确立钢琴独奏作品的至高地位。 第十四章：交响诗与标题音乐的兴起。 探讨李斯特（Liszt）对“交响诗”这一新体裁的创造，以及他如何运用“主导动机”（Motto Theme）来统一乐曲结构。分析柏辽兹（Berlioz）在《幻想交响曲》中运用“固定音型”来描绘叙事。 第十五章：晚期浪漫主义的巨幅画卷与民族乐派。 考察瓦格纳（Wagner）的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理论，探讨其主导动机的复杂运用和调性模糊的倾向。同时，梳理俄罗斯五人组（穆索尔斯基、鲍罗金等）以及捷克作曲家德沃夏克（Dvořák）如何吸收民间音乐，构建具有鲜明民族特色的音乐语言。 第六部分：二十世纪的巨变与多元探索（约1900年至今） 进入新世纪，音乐领域经历了前所未有的剧变，传统的调性体系遭到根本性的挑战。 第十六章：印象主义与后浪漫主义的色彩探索。 分析德彪西（Debussy）如何通过全音阶、五声音阶和非功能性和声来捕捉瞬间的听觉印象。讨论马勒（Mahler）晚期作品中对巨大编制和存在主义主题的沉思。 第十七章：对调性体系的彻底颠覆。 深入探讨勋伯格（Schoenberg）如何从晚期调性扩张走向无调性，并最终发明“十二音序列法”（Dodecaphony）。解析韦伯恩（Webern）对序列技巧的精炼与高度抽象化。 第十八章：新古典主义与原始主义的对立统一。 考察斯特拉文斯基（Stravinsky）在《春之祭》中对节奏的暴力化处理（原始主义），以及他随后对巴洛克/古典时期音乐形式的借鉴与重构（新古典主义）。 第十九章：战后先锋音乐的实验。 探讨电子音乐、偶然音乐（Chance Music，以约翰·凯奇为代表）的发展，以及序列手法向全面序列化（Total Serialism）的延伸，揭示音乐的边界在这一时期是如何被不断推向极限的。 结语： 本书通过对音乐风格的细致梳理与深入解读，旨在帮助读者建立起一个清晰、连续的西方音乐历史框架，从而更深入地欣赏和理解每一位大师作品背后的时代精神与艺术追求。

评分☆☆☆☆☆

我必须提一下这本书在曲目选择上的倾向性。从目录上看，它似乎更侧重于西方古典长笛曲目的精选和改编，这无可厚非，毕竟是“长笛演奏”教程。然而，对于我们国内学习者来说，如果能加入一些改编自民族音乐或具有中国风格的短小练习曲目，将会大大增加学习的亲切感和趣味性。目前选用的曲目，虽然技术要求是循序渐进的，但整体风格过于单一和严肃。练习的动力往往需要通过兴趣来驱动，如果能穿插一些耳熟能详的、改编得体的国内旋律片段，让学习者在技术训练之余，也能感受到音乐的地域文化魅力，我想，坚持下去的决心会更稳固一些。现在的练习曲目对我来说，更像是一种枯燥的技术“任务”，而不是愉快的音乐探索之旅。

评分☆☆☆☆☆

这本《新编长笛演奏实用教程》的书页纸张质感真的挺不错的，拿在手里沉甸甸的，感觉物有所值。不过，我得说，对于我这种零基础的新手来说，里面的内容编排实在是有点跳跃。一开始的指法图谱还没摸透呢，下一章就直接蹦到复杂的音阶练习了，中间的过渡衔接处理得不够平滑。我花了好大力气才勉强跟上节奏，很多时候都需要反复对照视频教程来理解书上的示意图，总觉得书本本身的讲解深度还是差了那么一点火候。特别是关于气息控制那几个章节，文字描述得比较抽象，没有提供足够多样化的练习方法来辅助读者建立直观的感受。比如，如何区分“气息支撑”和“气息用力”这两个微妙的概念，书里似乎只是轻描淡写地带过，这对于初学者来说，无疑是设置了一个较高的理解门槛。我期望的是更细致、更生活化的比喻来解释这些技术难点，而不是仅仅依赖专业的术语堆砌。总而言之，这本书更像是一本为已经有一定基础的进阶学习者准备的参考手册，而非真正意义上的“入门宝典”。

评分☆☆☆☆☆

关于示范和伴奏部分的缺失，是这本书给我带来的最大遗憾之一。作为一个自学者，我非常依赖听觉反馈来校准自己的演奏。书本上虽然标注了某些练习曲目可以配合附送的光盘进行练习，但这张光盘里的伴奏录音质量，坦率地说，并不算上乘。音准上时有微小的偏差，而且钢琴伴奏的力度控制和情感表达也显得有些机械化，缺乏了真人合作时的灵活性和呼吸感。这使得我在使用伴奏练习时，反而需要额外花费精力去适应这个“不完美”的节奏和力度框架，而不是专注于自己的吹奏。更理想的情况是，能提供不同速度和不同动态范围的几套伴奏版本，或者至少，清晰地指示出哪些部分需要更强的力度对比，让学习者可以根据自身情况灵活选择配合的听觉辅助材料。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧虽然坚固，但实用性上存在一些设计上的硬伤，尤其是对于需要在乐谱架上打开阅读的用户来说。打开时，书脊的张力过大，导致内页，特别是靠近中间装订线的部分，总是试图自动合拢。这使得我在练习需要双手配合时，经常需要用一只手去压住谱面，腾不出手来调整指法或记录笔记。这在长时间的练习中造成了不小的困扰，我不得不使用沉重的镇纸来强行固定书页。一个简单的改进，比如采用更具弹性的胶装或者增加无线胶装的平摊设计，就能极大地提升用户体验。毕竟，教程是用来“用”的，如果连“翻页”和“保持打开”这种最基本的操作都需要耗费额外的精力和注意力，无疑会分散掉对音乐本身的专注度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计倒是挺现代的，用色大胆，看起来赏心悦目，确实符合“新编”这个名字给人的感觉。但深入阅读后发现，它在乐理知识的融入方面处理得有些过于保守了。虽然这是一本演奏教程，但一套完整的音乐学习体系，理论和实践是缺一不可的。书中对于调性、和声进行这些影响演奏表现力的关键乐理知识点，仅仅是作为附录的形式简单列举，缺乏与具体练习曲目的有机结合。我试着去练习其中几首练习曲时，发现自己对某些特定和弦的色彩感理解不足，这直接影响了我对作曲家意图的把握。如果能在每一个练习曲的开始，能有一个简短的乐理分析小贴士，指出该段落的调性变化或和声特点，然后指导我们如何用气息和指法去体现这种“色彩”，那这本书的实用价值会立刻提升一个档次。现在的状态是，我能把音吹对，但吹不出“味道”，而这本书似乎并没有完全弥补这个空白。

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