怎样识五线谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杜光 著

图书标签:

• 五线谱
• 识谱
• 音乐基础
• 乐理知识
• 音乐教学
• 音乐入门
• 音乐学习
• 视唱练耳
• 音乐教材
• 音乐

出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540417420

版次：1

商品编码：10288279

包装：平装

开本：32开

出版时间：1997-10-01

用纸：胶版纸

页数：266

正文语种：中文

内容简介

今天，五线作为一种世界通用的记谱法，已在世界范围内推广与普及。可以说，不识五线谱就几乎无法进行西洋乐器的演奏。五线谱虽与简谱一样都具有能形象直观地认识和记忆的共同点，但它书写的形式更为多种多样，排列组合和运用也有其特点。
本书的编写遵循由浅入深，由易到难的原同，使读者能循序渐进地掌握识谱知识，提高识谱能力。基于单纯的识谱仅为一种理性思维，而视唱则为真正表现音乐能力的所在，因此，本书编配了大量的视唱练习，其中不乏中外优秀的音乐作品，以丰富广大音乐爱好者音乐语言的积累，扩大音乐视野。

目录

前言
一 五线谱的由来
二 五线谱记谱法
（一）五线谱
1 五线
2 加线
3 谱号
4 谱表

（二）音符与休止符
1 单纯音符与单纯休止符
2 附点音 符与附点休止符

（三）音名
1 乐音音列
2 音名与唱名
3 音的分组与标记
4 基本音级
5 变音记号、变化音级、同音异名
6 自然半音与自然全音、变化半音与变化全音

（四）拍子与节奏的表达形式
1 节拍
2 小节
3 拍子、拍号
4 节奏
5 音值组合法
6 连音符
7 切分节奏、切分音

（五）力度标示法
1 基本力度记号
2 表示强弱程度的力度记号
3 变化强弱程度的力度记号

（六）速度标示法
1 用文字表示速度
2 用数字表示速度
3 改变速度的标示法
（七）表情术语

（八）省略记号
1 移动八度记号
2 重复八度记号
3 长休止记号
4 重复记号
5 震音记号
6 反复记号

（九）装饰间
1 倚音
2 波音
3 回音
4 颤音
（十）表示演唱法的记号与术语
（十一）调与调号
（十二）唱名法
三 基础视唱练习
四 各种调的视唱练习
五 视谱唱词

好的，这是一本名为《探寻古典音乐的奥秘：西方音乐理论基础与欣赏指南》的图书简介，内容详尽，旨在引导读者深入了解西方音乐的结构、历史与审美。 --- 图书简介：探寻古典音乐的奥秘——西方音乐理论基础与欣赏指南 作者： [此处留空，或使用虚构的音乐教育专家名称] 出版社： [此处留空，或使用虚构的学术出版社名称] 导言：聆听世界的交响 在人类文明的长河中，音乐以其独特的方式触动人心，架设起情感与哲思的桥梁。西方古典音乐，作为西方文化史中一座巍峨的丰碑，其背后蕴含着严谨的逻辑、精妙的结构和深沉的人文精神。然而，对于许多初涉此道的听众而言，那些复杂的术语、变幻的织体以及宏大的篇章结构，往往构成了初听的壁垒。 《探寻古典音乐的奥秘》正是为消除这层隔阂而精心撰写的指南。本书并非传统的乐理教材，它摒弃了机械的音符记忆和枯燥的规则堆砌，转而采用一种“体验式学习”的路径，带领读者从宏观的审美角度切入，逐步剖析西方音乐从古至今的核心要素、演变脉络及其深刻的文化内涵。我们相信，真正的欣赏源于理解，而理解的基石是清晰的理论框架。 第一篇章：音乐的基石——声音的组织与结构 本篇聚焦于音乐最基础的“语汇”——声音如何被组织成有意义的结构。我们不会从五线谱上的具体符号入手，而是从听觉经验出发，探讨音乐的本质元素。 1. 音高与音响世界： 我们首先探讨音高在西方音乐体系中的定位，以及“十二平均律”这一关键历史节点的意义。重点解析调式（Modes）从古代到巴洛克早期所扮演的角色，而非仅仅停留在大小调的对立。理解音与音之间的关系，是构建音乐感知的第一步。 2. 节奏的脉动与时间的艺术： 节奏是音乐的骨骼。本章深入解析节拍（Meter）的物理感知，区分拍子、小节与节奏型。我们将通过分析不同历史时期作曲家如何处理节奏的灵活性和稳定性，如巴赫赋曲中的精准律动与德彪西印象派作品中模糊的时间感，展示节奏在叙事中的作用。 3. 和声的织体：色彩与张力： 和声是西方音乐最具识别性的特征之一。本书将详尽介绍三和弦的功能性（主、属、下），但更重要的是，会引导读者辨识和声进行如何创造张力（Tension）与释放（Release）的情感体验。我们将考察从对位法到浪漫主义时期不协和音的运用，理解和声的色彩变化如何烘托剧情或表达内在冲突。 第二篇章：形式的逻辑——音乐的建筑艺术 音乐作品的篇幅往往宏大复杂，理解其“建筑蓝图”是欣赏的关键。本篇将系统梳理西方音乐中主要的结构模式。 1. 主题的诞生与发展（Motif and Theme）： 音乐的“思想”如何被表达？本章解析呈示部（Exposition）中主题的呈现方式，以及如何在发展部（Development）中对主题进行分解、转化和再造。通过分析奏鸣曲式中主题间的对话，读者将学会追踪音乐的“叙事线索”。 2. 组曲、变奏与赋格的精妙： 我们将详细解析复三部曲式（Ternary Form）在小型器乐曲中的应用，以及回旋曲式（Rondo）的圆融结构。特别辟出一节探讨赋格（Fugue）的对位逻辑，不是教授如何“写”赋格，而是教会听众如何“听懂”主题在不同声部间的追逐、模仿与交织，感受其严密的逻辑美。 3. 规模宏大的交响乐结构： 本部分侧重于交响曲、协奏曲和奏鸣曲的整体布局，阐释快慢乐章的对比安排，以及不同乐章之间在情绪和材料上的内在联系。 第三篇章：风格的演变——历史与文化的回响 音乐风格的变迁，是社会思潮和技术进步的直接反映。本篇将带领读者穿越时空，领略不同历史时期音乐的“面貌”。 1. 巴洛克时代的庄严与装饰（1600-1750）： 重点剖析巴赫与亨德尔的艺术成就，理解通奏低音（Basso Continuo）在构建音乐“地基”中的核心作用，以及歌剧艺术的诞生对器乐发展的影响。 2. 古典主义的清晰与平衡（1750-1820）： 以海顿、莫扎特和贝多芬为中心，探讨“清晰性”、“平衡性”和“人性化”如何成为时代主题。分析奏鸣曲式如何被提升至美学典范的地位。 3. 浪漫主义的激情与个性（1820-1900）： 本章聚焦于个人情感的极致表达，从舒伯特的艺术歌曲（Lied）到瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）。我们将讨论标题音乐（Program Music）的兴起，以及和声如何被推向新的极限以服务于情感的强度。 4. 现代与当代的探索（20世纪至今）： 介绍印象主义、表现主义、十二音体系（Dodecaphony）以及极简主义等思潮。重点在于理解这些流派对传统音高和结构的“反叛”或“拓展”，并引导读者以开放的心态去接纳新的听觉体验。 结语：从“知道”到“感受” 本书的最终目标，是帮助读者将理论知识转化为聆听的直觉。通过对这些基础概念和历史脉络的掌握，听众将不再是漫无目的地沉浸在声音的海洋中，而是能够清晰地辨识出作曲家是如何精心设计每一个音符、每一次转调、每一个结构片段，以达成其审美目的。 阅读完《探寻古典音乐的奥秘》，您将拥有一副更敏锐的耳朵，能够深入地欣赏巴赫的逻辑之美、莫扎特的纯净、贝多芬的英雄主义，以及后世作曲家们对音乐边界不懈的探索。这是一场智力与情感的双重旅程，等待着每一位热爱音乐的心灵启程。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这本书在逻辑构建上的严谨与层次感。它并非简单地罗列规则，而是遵循着一种非常自然的认知规律，层层递进。从最基础的“线”和“间”的概念开始，逐步引入高音谱号和低音谱号的结构解析，这种由浅入深的处理方式，让读者的大脑可以有足够的时间去消化和吸收新信息，而不是被海量的信息流冲击而感到不知所措。书中对节奏的讲解部分，简直可以称得上是一次精妙的“时间管理课”。它将复杂的拍号和时值组合，通过图形化处理，比如用不同形状的“积木”来代表全音符、二分音符等，使得原本令人头疼的节奏感训练变得直观而具体。我曾经在其他教材中屡次受挫的转调和升降记号部分，在这本书里得到了前所未有的清晰阐释。作者没有使用复杂的数学公式，而是通过空间位置的移动来解释调性关系的变化，这种空间思维的引导，让我对乐理的理解不再停留在死记硬背的层面，而是上升到了对音乐结构美学的感悟。阅读完这部分内容后，我感觉自己对乐谱的“阅读速度”得到了显著提升，不再需要逐个音符地去分辨，而是可以更宏观地把握乐句的走向。

评分☆☆☆☆☆

与其他市面上厚重的乐理教材相比，这本书最大的优势在于其极强的“实操导向性”。它不仅仅是让你“知道”五线谱的规则，更是引导你“学会如何使用”它。书中包含了大量的实际乐曲片段作为范例，这些选材非常巧妙，涵盖了古典、民谣乃至一些现代风格的简易乐谱，使得学习过程始终与实际音乐演奏挂钩。作者在讲解完某个特定记号（比如跳音或延音线）的含义后，几乎会立刻展示一个真实的音乐情境，并指导读者如何根据这个记号来调整演奏技巧或理解作曲家的意图。这种“即学即用”的模式，极大地激发了我的实践欲望。我发现，通过这本书的学习，我不再仅仅是“看”到了乐谱上的符号，而是开始能“听”到符号背后的声音和情感。对于那些希望通过自学掌握读谱能力的爱好者来说，这种贴近实践的教学方法是无可替代的，它有效地避免了“知其然，而不知其所以然”的尴尬局面，让理论真正服务于音乐的表达。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧设计体现出极高的专业水准，对于一本旨在普及乐理知识的图书而言，这一点至关重要。纸张的选取偏向哑光，有效避免了在强光下阅读时产生的刺眼反光，长时间阅读下来眼睛不易疲劳。墨水的质量也值得称赞，所有的五线、符头、符干以及所有谱号都呈现出清晰锐利的黑色，即便是最小的符号也能被准确辨认。特别是在涉及复杂对位或多声部记谱的例子时，作者非常明智地采用了色彩编码的方式来区分不同的声部，这在视觉上极大地减轻了读者的辨识负担。例如，在讲解和弦构成的章节，不同音程关系的声音被赋予了微妙的颜色区分，这远比单纯的黑白符号要有效得多。此外，书中附带的“速查卡”设计得非常实用，将其剪下并塑封后，可以随时作为辅助工具，这体现了作者对读者实际使用场景的细致考量。从一个工具书的角度来看，这本书在细节上的打磨，已经超越了一般的教学材料范畴，更像是一件精心打磨的艺术品，让人爱不释手，也更愿意主动去亲近和学习。

评分☆☆☆☆☆

这本书在音乐情感与技术理解的融合方面做出了非常出色的平衡。很多技术性的书籍往往只关注“怎么写”或“怎么读”，而忽视了音乐符号背后的情感张力。然而，这本书却始终贯穿着一种对音乐“人文关怀”的强调。它细致地解释了表情术语（如 allegro, pianissimo 等）不仅仅是速度或力度的指示，更是作曲家对演奏者情绪表达的精准要求。书中用非常富有感染力的语言描述了不同记号如何影响乐句的呼吸感和连贯性，这种引导使得读者在学习技术细节的同时，也开始建立起自己对音乐审美的初步认知框架。比如，它会深入分析一个小的休止符在乐句中的作用，指出它可能代表着一次刻意的停顿、一次深呼吸，或是情感的蓄势待发。这种由技术进入艺术的路径，让阅读过程充满了探索的乐趣，它不再是冰冷的规则集合，而是一扇通往音乐深层含义的窗口。这本书成功地培养了我作为听众和潜在演奏者的“深度聆听”能力，这是一份远超预期的收获。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得非常有吸引力，色彩搭配和谐，字体清晰易读，让人一眼就能感受到它在音乐知识普及方面的诚意。初次翻阅，我立刻被其深入浅出的讲解方式所吸引。作者似乎深谙初学者的困惑，没有一开始就抛出枯燥的乐理概念，而是通过一系列生动有趣的类比和图示，将抽象的音高和时值转化为了易于理解的视觉信息。例如，书中对五线谱上不同位置音符的解释，就采用了“楼层”与“音高”的巧妙关联，即便是完全没有音乐基础的人，也能迅速抓住核心要点。更值得称赞的是，书中在介绍基础知识的同时，穿插了许多音乐史上的小故事和著名音乐家的轶事，这极大地增强了阅读的趣味性，避免了纯理论书籍容易产生的枯燥感。每章节末尾的复习小测验设计得非常巧妙，它们并非简单的知识点重复，而是将零散的知识点串联起来，形成了一个完整的小练习，这对于巩固学习效果起到了关键作用。整体来看，这是一本非常适合零基础入门者作为“音乐启蒙”的优秀读物，它成功地搭起了一座连接音乐世界与普通读者的桥梁，让人在轻松愉悦的阅读体验中，悄然掌握了音乐的基石。

评分☆☆☆☆☆

有点难懂，看的时候要 有耐心

评分☆☆☆☆☆

书的质量不错~...

评分☆☆☆☆☆

是挺基础的，希望能自学会。

评分☆☆☆☆☆

有点难懂，看的时候要 有耐心

评分☆☆☆☆☆

有点难懂，看的时候要 有耐心

评分☆☆☆☆☆

买来教小朋友的，自己不会，留着慢慢研究

评分☆☆☆☆☆

好书。。。。。。。。。。。。。

评分☆☆☆☆☆

非常实用，超好实用！！！！

评分☆☆☆☆☆

自学有点难~~~~~~~~