怎样学会画一幅中国画(全彩珍藏版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杨飞 著 著

图书标签:

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• 文化艺术
• 绘画技巧

店铺： 点睛阁图书专营店

出版社： 北京联合出版社

ISBN：1046477251920

商品编码：11027615748

包装：精装

开本：胶版纸

出版时间：2016-06-01

用纸：胶版纸

正文语种：中文

 
    
    
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

丹青的奥秘：中国传统绘画精粹赏析与技法入门 本书聚焦于中国传统绘画的深厚底蕴、独特美学精神及其核心技法体系，旨在为初学者和爱好者提供一个全面、深入的入门向导。我们不直接教授“怎样学会画一幅中国画”的具体步骤，而是从更宏观的文化背景和基础功力训练入手，为读者构建坚实的艺术认知框架。 --- 第一部分：中国画的精神内核与美学思想（约450字） 中国绘画，植根于中华五千年文明的土壤，它不仅仅是视觉的再现，更是哲思、修养与生命态度的物化表达。本部分将深入剖析中国画区别于西方写实绘画的本质特征。 一、天人合一的哲学基础： 中国画的核心在于“气韵生动”，这并非简单的描摹，而是画家将自身精神与自然万物融为一体的境界追求。我们将探讨道家“道法自然”和儒家“中和之美”如何渗透到笔墨之中。学习中国画，首先要学会观察“神”而非“形”。内容将涉及“虚实相生”、“计白当黑”等中国画独有的空间处理哲学，理解“留白”之于中国艺术的极端重要性，它不仅是空白，更是无限的意境与呼吸感。 二、文人画的兴起与士人情操： 区别于唐宋院体画的精工细描，宋代以后文人画（士人画）成为主流。本章将详细阐述文人画的“以书入画”理念，探讨书法用笔在国画中的地位，以及“诗、书、画、印”四绝如何构成一个完整的艺术表达系统。我们分析董源、巨然的“披麻皴”中蕴含的隐逸情怀，以及元四家（黄公望、倪瓒等）如何用简练的笔墨抒发对世事的淡泊与对山川的眷恋。理解了文人画的精神气质，才能掌握中国画的审美高地。 三、独特的媒材与载体： 本章介绍宣纸、绢帛、墨锭、朱砂等传统材料的物理特性，以及它们如何影响最终的笔触和墨韵变化。我们将简要概述“墨分五色”的奥秘，解释并非只有黑色，而是通过水分控制和墨的浓淡干湿变化，创造出无穷的层次感与立体感。 --- 第二部分：基础功力与笔墨语言的拆解（约550字） 在不直接教授具体画法的前提下，本部分着重于构建学习任何中国画科目的基石——扎实的线条与墨法训练。这部分内容侧重于“练气”而非“成画”。 一、线性的力量：执笔与用笔的入门认知： 中国画的基础是“线”，这种线是具有生命力的。我们将探讨传统执笔法（如五指执笔法）的基本要求，以及提、按、顿、挫在不同线条中所代表的情感（如“如锥画沙”、“如印泥”）。深入分析工笔的“铁线描”、“兰叶描”与写意的“中锋”、“侧锋”在形态上的差异，以及如何通过线条的粗细变化来表现物体的质感（如岩石的坚硬与柳枝的柔韧）。 二、墨法的层次探索：干、湿、浓、淡的控制： 墨法是写意画的灵魂。本章将不涉具体山水、花鸟的范例，而是专注于对“墨”这一单一媒介的掌控训练。内容包括：如何调配出不同浓度的墨汁；如何运用“涨墨法”和“破墨法”制造墨色的自然晕化效果；以及如何通过笔尖的含水量变化，练习出具有丰富肌理感的墨块。我们将强调，墨色的变化需要长期练习，以期达到“墨中有色，色中有墨”的境界。 三、皴法概念的引入：山石肌理的抽象表达： 皴法是中国画表现山石、树木纹理的核心技法。本部分将抽象介绍几种主要的皴法——如披麻皴、斧劈皴、荷叶皴——的形态特征，并分析它们分别适用于表现何种地质结构和情感氛围。重点在于理解皴法并非单纯的描摹，而是画家对自然物象进行高度提炼和概括的手法。 --- 第三部分：中国画的经典题材与风格流派概述（约500字） 了解不同题材的历史发展脉络，有助于学习者确立自己的兴趣方向和风格取向。 一、山水画：意境的构建与山川的胸襟： 山水画是中国画中成就最高的画科之一。本章将梳理从唐代李思训的金碧山水到宋代范宽、郭熙的全景式描绘，再到元明清时期黄山松（黄宾虹）、石涛的个性化表达。侧重于不同历史阶段的山水画在“理”与“意”之间的侧重变化，以及如何通过构图（如高远、平远、深远）来引导观者的视线和心境。 二、花鸟画：生命的赞歌与写意精神： 花鸟画不仅表现动植物的形态，更寄托了传统文化的象征意义（如松竹梅喻君子）。本部分将对比工笔和写意花鸟的区别，重点解析“写意”一派（如徐渭、八大山人）如何运用夸张的笔墨来抒发愤懑或孤傲。我们将探讨如何通过几笔简单的色彩（如没骨法）来捕捉花卉瞬间的生命力。 三、人物画：传神写照的难度与技巧： 人物画的难点在于“传神”。本章概述了从顾恺之的“以形写神”到梁楷“减笔人物”的发展轨迹。我们将分析中国人物画中对人体结构的处理方法，以及如何通过眼神、衣纹的走向来刻画人物的内心世界，理解“状物写人”的终极目标是表达人的精神状态。 结语： 本书提供的是一座宏伟的艺术殿堂的结构蓝图和思想导引。掌握中国画非一日之功，而在于心手相应，持之以恒地浸润于其深厚的文化土壤之中。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，从外壳到内页的材质选择都透着一股用心。尤其是那种略带纹理的纸张，摸上去很有质感，很适合反复翻阅。色彩的运用更是绝妙，全彩印刷的画面栩栩如生，即便是初学者也能从中感受到中国传统绘画的韵味。我尤其喜欢它对不同画材的介绍部分，那些墨的浓淡干湿变化，以及笔触的力度控制，讲解得非常细致入微，光是看着那些图例，我的心就跟着宁静下来了。尽管我还没有完全掌握书中的技巧，但光是欣赏这些精美的图谱，就已经算是一种享受了。那些山石的皴法和花鸟的写意，那种东方特有的留白和气韵，真的不是一般绘画书籍能比拟的，看得出编者在图文排版上花费了大量心血，整体布局疏密有致，阅读体验极佳。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排实在是太巧妙了，它不像很多教程那样上来就抛出复杂的理论，而是采取了一种循序渐进的引导方式。从最基础的握笔姿势、墨分五色的练习开始，每一步都有明确的示范和解析。我作为一个几乎零基础的爱好者，过去总是害怕中国画那种“一笔定乾坤”的压力感，但这本书通过拆解每一个步骤，比如如何用侧锋画出松针的尖锐，如何用淡墨晕染出远山的朦胧，极大地降低了入门的门槛。更让我惊喜的是，它不仅教你“怎么画”，还融入了大量的文化背景知识，让我明白每一笔背后所蕴含的哲学思考。这种将技法与意境融合的教学方法，让学习过程变得充实而有意义，完全不像是在应付任务，倒像是在进行一场与古人跨越时空的对话。

评分☆☆☆☆☆

从一个长期受西方写实绘画训练的视角来看，这本书提供了极其宝贵的东方视角转换。它打破了我以往对色彩和造型的刻板印象，教会我如何用最少的笔墨去捕捉事物的神韵，而不是进行机械的复制。特别是关于“写意”的训练部分，那几页关于如何捕捉瞬间动态的示范，极具启发性。我尝试模仿书中的画法去画了几片叶子，发现线条的流动性和墨色的晕染效果，确实能带来一种截然不同的生命力。这本书的排版设计非常人性化，每一页的留边都足够充裕，方便我在旁边做笔记和临摹练习时不会显得拥挤。总的来说，这本书为我打开了一扇通往东方艺术殿堂的大门，它的深度和广度都让人由衷佩服，强烈推荐给所有对传统艺术有兴趣的人士。

评分☆☆☆☆☆

这本画册的价值，绝不仅仅停留在教授绘画技巧上，它更像是一部关于中国审美情趣的迷你百科。我发现其中对于中国传统文人画精神的阐述非常到位，比如对“雅”与“俗”的界定，以及如何通过画面表达个人的情操。我花了好长时间去品味其中关于“留白”的章节，它不仅仅是教你哪里不画，而是阐述了留白在构图中的呼吸作用，以及它所代表的虚实相生的东方哲学。书里引用的古人名言和诗词也恰到好处地烘托了气氛，让人在学习绘画的同时，也能领略到中国古典文学的美感。这种多维度的知识渗透，使得学习过程充满了探索的乐趣，每次翻阅都有新的感悟，远超出了我对一本“工具书”的期待。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我之前尝试过几本国画入门书，但它们要么过于侧重于写生，缺乏对“意境”的表达指导；要么就是理论堆砌，让人望而却生畏。这本则是在两者之间找到了一个完美的平衡点。我特别欣赏它对“气韵生动”的解读，这种抽象的概念往往是最难传授的，但作者却用非常具象化的图解和对比案例来阐释。比如，关于画竹子的不同姿态，书里不仅展示了成熟的画作，还细致描绘了“嫩竹”与“老竹”在线条粗细和墨色深浅上的微妙差异，这种对细节的精准捕捉，对于提升画面的层次感至关重要。我感觉这本书更像是一位经验丰富的老先生在身边耐心指导，而不是冷冰冰的教材，让人感觉非常亲切和受用。